Monthly Archives: March 2010

空中的哨兵:安东尼.葛姆雷(Antony Gormley)的“地平线项目”(Event Horizon)

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自今日起至2010年8月15日,麦迪逊广场自然公园 Madison Square Park Conservancy里外四周伫立着31座安东尼·葛姆雷Antony Gormley的系列作品“地平线项目”Event Horizon,这也是艺术家在美国进行的首个公共雕塑装置项目。31座一如既往按照葛姆雷本人体型轮廓创作的真人尺寸玻璃纤维铁雕以曼哈顿闹市区的麦迪逊广场为中心,星罗棋布在广场周围的高楼顶端,其中就有大名鼎鼎的Flatiron Building熨斗楼,Empire State Building帝国大厦,the Clock Tower Building钟楼等地标性建筑,人行道上挤满了抬头仰望的行人。《现代画家》Modern Painters杂志的执行主编Marina Cashdan对这位特立独行的英国雕塑艺术家进行了专访。(真艺术网独家译稿) MP:你的首次“地平线项目”创作于2007年的伦敦,作为Hayward Gallery画廊的“盲光”Blind Light展览。当然伦敦与纽约两城之别是显而易见的,尤其是其地貌与城市天际线。请问这些有否影响到您在两地的创作?具体的影响为何? AG:在伦敦,最令我兴奋的是利用河岸为东西两岸创造出截然不同的艺术感觉;然而在纽约,这就完全无从谈起了。昨天我们才将雕塑弄到熨斗楼上去,我被吓坏了。但一切都值得,因为这幢明摆着的充满讽刺意味的建筑上立着我的雕塑,不论从第五大道还是主干道向北走,离大楼好几英里就可以看到这一激动人心的景象。 MP:你觉得纽约人对这一系列的反响会与伦敦人有着怎样的不同? AG:整个系列的创作与布置在伦敦与纽约的基本流程是一样的,但如今在纽约更具戏剧性。昨天我被深深触动了。一对老夫妻背着背包,拿着地图欢天喜地打算把31件雕塑都找到看个遍。我能感觉到这里的人们都很乐意参与到这个游戏来。这一系列更像是一种催化剂,当人们经过第五大街或麦迪逊广场的这些“障碍物”,肯定会皱眉想:“这儿发生了什么?”于是人们开始三五结对地互相开聊讨论,对着雕塑指指点点。对于我,这一幕是从这一系列创作中能获得的最大乐趣。关键在于,这些雕塑成为了这些素昧平生的陌生人交谈的理由、契机与对象。可能很多人觉得这微不足道,但这实在是非常美丽的场景。 MP:你说过“易察觉的, 可感知的与可想像的,在这样的情境中过路人不仅仅是观众同时也是主体”,从这点看来,地平线项目也成为了你现场装置(living installation)One and Other的一个延续。后者邀请了众多志愿者排排站在特拉法加广场Trafalgar Square第四峰楼顶,由此创造了现代史中前所未有的活人雕塑。而在纽约,观者也因他们的互动反馈而成为了其他观者对这一大型雕塑系列感受的一部分,这可以说是参与观完全不同的视角。 AG: 是的,我认为这非常重要。显然这一系列作品的语义是易察觉的与可感知的联姻。所以你可以肆无忌惮地触摸这些大比例的实体雕塑。所以这些从一具鲜活的、呼吸着的自然人体一摸一样仿制的“躯体” 被做成更大比例、拥有更重质量属性与所处地点的…怎么说,在日常川流不息中杵着的石头模样。于是,你又觉得这是你无法真实触及的死的冰冷的东西。那就更不用提那些站在楼顶上的,你不会真的跑去摸摸他们,近距离地瞧他们到底什么样子,因为你知道就在走道四周都是这些家伙。随后,你又会尝试着跑开远一些,回头从四周的景观中观望这些家伙,然后就会有这样的念头冒出来:“到底有多少这种稀奇古怪的东西?到底是什么意思?”尤其在麦迪逊与第五大街街角的那一座是最让人兴奋的,因为他就站在红绿灯、火警铃、报警铃、垃圾桶与Village Voice(纽约一家类似于大众点评网的机构)客户端旁边。昨天所有路过它的人都张口议论纷纷:“这是个什么玩意儿?它在这里做什么?”随即很快,他们就意识到了什么,开始仰头驻足聚集观望。 MP:你对佛学的研究对你有着怎样的影响?这种影响是否波及到了你的所有创作? AG: 如果没有19世纪70年代中期对冥想玄学的学习与研究,我不可能创作出这些作品。它教会你如何保持静止——只是存在却什么都不做。依据西方雕塑标准,女性总是极尽显露其性感,而男性则总是极尽扮演着英雄角色,从古典的《掷铁饼者》the discus thrower 到《大卫和歌利亚》David and Goliath,都是这样。他们总是用隐喻暗示的方式来讲故事,来表达欲望与理想。我尽量避免所有这一切。我认为,从许多方面而言,早期古普塔early Gupta和印度雕塑的抽象形体与佛教和耆那教雕塑从某种层面来说都在表达:身体是精神思想的居所,我非常青睐这种理念。事实上,埃及与古希腊雕塑也与之有着异曲同工之妙。 … Continue reading

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分子小笼包 苌苌=文 2010年2月15日

找创新菜,似乎去打着分子料理招牌的餐厅找最省事了。件件都是创新,样样都有新意。分子料理可谓是现代烹调方式的一大革命。通过改变食物的物理或者化学结构,而挑战人们对食物的传统视觉和味觉感受。但这是不是也是一个噱头呢?当然。譬如在某酒家品尝的分子料理海螺肉,罩在液氮冰壳下的海螺肉却带着一丝令人难以下咽的腥气,所以有时候你会失望而归。其实对任何菜式,如果花里胡哨的烹饪手法盖过了它的味道,那都是噱头,反过来则当另说。比较有灵气的分子料理甚至可以比传统烹饪方式更能发扬一种食物的味道和口感。比如那天带给我惊喜的Bo Innovation餐厅的分子小笼包和茅台鸡尾酒。 分子小笼包 搬到船街不久的Bo Innovation餐厅在一座二层小楼的上面,在周围高楼大厦的包围中,好象水泥森林里的一块绿洲。坐在绿植摇曳的露台上,心思繁忙的商务人士很容易把注意力放在当下的生活上:盛在汤匙里的,是我们熟悉的小笼包么?没有包子褶,倒像是颗金黄色薄锦包裹的玉团儿,由里至外透着微微的玉色,在汤匙里圆嘟嘟地颤动着,上面还系着一根细细的红绳。送入口中,“薄锦”绽开,化了,一口汁液是再正宗不过的上海汤包的味道,温度刚刚好,而“红绳”原来是醋泡过的姜丝。 无论老板兼大厨梁经伦(Alvin Leung)如何跟我讲解小笼包的制作过程,听起来都非常抽象,即使在厨房里亲眼看他演绎分子小笼包的制作过程仍不知所以:按照正常方式做熟小笼包,提取汤汁,在汤汁中加入分子料理的有机原料乳酸钙和黄原胶,使得汤汁开始变稠。他舀起一小匙小笼包汤汁,连勺放入褐藻胶溶液中,就像在油锅里做奶油炸糕,落入其中的小笼包汤汁,没有散开,而是在表面逐渐形成胶皮,包裹住了里面的液体。他用小勺小心地翻滚,以获得圆润且稳固的形状。捞出来后,在清水里过一下,用汤匙盛起来,再放上红绳状姜丝,小笼包就做好了。 以上提到的乳酸钙(Gluco),黄原胶(Xanthan)和褐藻胶(Algin),都是分子料理里使食物发生“球变”(Spherification)的基础原料。褐藻胶是由褐藻类细胞壁提取的多糖体,乳酸钙通过奶类的微有机物的分离而提取,黄原胶是由含糖类的淀粉发酵而提取的纤维素,无色无味,对人体无害。尽管梁厨无法透露在哪儿买的,但根据他对乳酸钙的特殊叫法,应该是德国具有绿色食品标志的分子料理原料生产厂家Texture Pro。他解释整个作用原理是这样的:在汤汁中加入黄原胶,会使液体变稠,这样做成的小笼包才不会破掉。加入乳酸钙是因为褐藻胶遇到含有钙质的汤汁黏度成倍增长,发生胶化,在汤汁表面迅速形成胶皮。但里面还保持液状。整个制作过程大约两分钟,要在制成后尽快送到餐位让客人其食用。 Bo Innovation餐厅的菜单透着一股霸道,只供应套餐,一套一千多港币,简单的A4纸打印的两页菜单夹在餐牌里,每月更换一次。生于澳洲的Alvin的本职是音响工程师,一些香港流行音乐专辑都有他参与制作。他的左臂上刺着斗大的“厨魔”二字,据说因为自制家宴备受朋友推崇而开了这间餐厅。他说Bo既Bold,取大胆创新之意,算是名副其实。从2005年开张就走分子料理路线,而在美食天堂香港越来越得到认可,只因他始终把“味道”放在第一位。 分子饮料 随小笼包一起上来的饮料是一杯茅台鸡尾酒。分子料理被用到了调酒中,不过是最近的事儿。如果很有前途的话,在未来时代,詹姆斯·邦德点一杯马蒂尼,大概不会被问到“要摇的,还是搅的?”而成了“要泡沫式的,还是球体式的?” 茅台鸡尾酒是服务生在餐桌旁现场制作的。他从高压泡沫器(Espuma)里压出奶油状泡沫,盛入喝龙舌兰的杯子中,建议客人尽快喝掉。总之,我是有点不那么情愿地等待着“酱香浓郁”的味道在口中散开。然而,却没有。没有任何让人觉得不搭调的味道,清爽可口细腻,泡沫有一点点清香,一点点酸甜的回味,好喝,甚至想马上再来一杯。梁经伦说:茅台酒的味道太强,他在其中兑入1/10份的青柠汁和适量蛋白液,当被这种装有高压气体的奶油瓶挤压出来时,就变成了奶油泡沫状,经过这么一变身,中国酒喝上去不那么冲了,作为鸡尾酒原料,这可比伏特加好太多了。 最后上来的饮料叫“茉莉之吻”。同样需要现场操作,需要用到高压泡沫器。桌旁的小推车上盛着一大碗液氮,咕咕冒着白气。先得提醒一下,这不是普通的碗,而是专门用作分子料理的叫做Dewar的双层隔温碗,如果照猫画虎拿个不锈钢碗端负190度的液氮,手指头先冻掉啦。服务生从高压泡沫器中打出一团泡沫到液氮里,这团泡沫漂在液氮里,随着液氮气化产生的动能在里面自由地翻滚,最终变成了一个圆滚滚的白雪球。把它盛出来,一口吃下去,却是非常纯正的茉莉花茶的口味!只是这温度,我的冷酸牙在最后发出了一点抱怨。 名词解释:Espuma,由西班牙分子料理大师Ferran Adrià和德国的公司一起研制出来,主要用于分子料理中泡沫形状的酱汁或汤的制作,即可以做成像慕斯一样厚的口感,也可以像奶油一样轻盈。冷热液体都可以加工,而且长时间保温。搞料理解构主义,得需要技术支持才行。而Ferran Adrià在行业内扮演的角色就像电影界的詹姆斯·卡梅隆。他名下的分子料理原料公司致力于从纯植物中提炼那些神奇的迅速改变食物性质的原料,在西方,他和一班同业们不断革新分子料理的科技发明,也使得分子料理给东方美食增添趣味成为可能。你可以在欧洲的厨具公司买到:用于真空低温烹调的可以保持恒温的“数码水浴锅”;可以把胶化之后的液体变成面条的“面条机”;用于称量零点几克的分子原料的“勺子称”。Ferran Adrià不仅发明了制作人工鱼子的方法(把前述的“球化”反过来,把加有褐藻胶的果汁等液体滴入钙质溶液中即成),而且又发明了可以同时做上百颗人工鱼子的“鱼子盒”,把厨师从繁琐的劳动中解放出来。 在企图弄明白在Bo Innovation听到和看到的那些奇怪的词汇和工具的过程中,才发现在很多分子料理书上,从制作流程和使用分子原料的剂量——细微到零点几克,到他们作用原理,写的很明白。只要弄到原料,你甚至可以拿本分子烹饪书在家里做分子料理,带给朋友们最大的惊喜。似乎在分子料理界没有什么值得保密的,大概是因为在顶级的分子料理餐厅,顶级的分子料理厨师身上,占主导地位的仍是对味觉的超凡脱俗的把握。 厨师机密:梁经伦说他的分子厨艺都是“跟书上自学的。”至于全世界厨师趋之若鹜,希望获得实习机会的分子料理老大西班牙的El Bulli餐厅,他说“西班牙人请我去表演。”如果你相信他的话,有几本书可以推荐:法国物理化学家Hervé This编写的几本“分子料理红宝书”。里面提供了几百种分子料理的详细做法。Ferran Adrià编著的《El Bulli 2003》,里面对他擅长的几个手法“球化”“啫喱化”“泡沫化”等有整章的解释。而梁厨不过是把西餐中的菠菜汁饺子代入了中式小笼包。

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跨文化交流:跨界·协作 TEDtoChina上海城市沙龙(春季篇)

预定链接:https://creator.zoho.com/tedtochinashanghai/rsvp_tedtochina_shanghai_salon/form-perma/RSVP_TEDtoChina_Shanghai_Salon/

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荷兰油画大师伦勃朗与格林纳威的“夜巡”

《夜巡》(The Nightwatching)是伦勃朗最著名的画作,此片以此展开故事,纪念伦勃朗诞辰400周年。奢华的视觉盛宴而且充满悬念,著名导演彼得·格林纳威(Peter Greenaway)完美展现了卓尔不凡的艺术家这部声名狼藉的画作。   伦勃朗的传奇   荷兰,低地之国,世界绘画大师伦勃朗(1606—1669)生活的十七世纪,正是荷兰最强盛的黄金世纪,经济体贸易额占世界贸易额一半,船只吨量是欧洲国家的总和。霸权、垄断,终于招致英、法等国家的轮番攻击,十七世纪后期,终于被扯下高头大马。       十七世纪也是荷兰绘画称雄世界的时期。照相术未问世前,肖像画风行于钱多得没处用的贵族、商贾与中产阶级之间,宏伟的场面、闪耀的群星,为后人留下了那个时代宝贵的瞬间。伦勃朗最有名的《夜巡》,是妻子给揽的活儿,为阿姆斯特丹第五民兵团16名成员,每人出一百荷兰币,画的一幅集体肖像画。 荷兰共和国不设军队,各省防务自己负责,这就为民兵团的兴起和龌龊提供了机会。警力动向要看财团眼色,富少爷连枪都不会使,却能买军衔、买头衔、买制服,喝酒召妓有的是人陪着玩。钱有发言权,钱是硬道理。控制了民兵团,等于商团们有了合法的运镖队和抢劫队,令他们的生意处于良性循环、高效运作当中。这是个人人都想都能发财的年代,看你敢不敢、狠不狠。如何从城堡采购站里搜掠,如何在英女王倾销珠宝筹措现金的关头大攫一包,如何跑去荷兰在北美的殖民地大肆盘剥,是门技术。天天都象戏剧,处处都有阴谋诡计,个个都很危险,哪哪都是阴暗。这是个疯狂的时代,为钱做娼的年代。 1654年的阿姆斯特丹,伦勃朗从噩梦中醒来,回忆着1642年,当时他创作了他最著名的画作,即被称为《夜巡》的作品。那时,他达到了权力、事业和财富的最盛时期。阿姆斯特丹射击手公会(荷兰市区一种保安武装的职业公会)委托他画31名阿姆斯特丹皇家卫队士兵的集体肖像画。在他怀孕的妻子莎思琪亚(Saskia)的坚持下,也为他们即将出世的孩子创造一个他们渴望已久的安稳的未来,他同意为射击手公会作画。镜头转回1654年,他年轻的情妇亨德里吉(Hendrickje)正在安抚他对黑暗的恐惧。伦勃朗回忆起了他为创作《夜巡》所作的准备,他参考了传统的荷兰民兵绘画,参观了阿姆斯特丹射击手公会的工作,并对他常画的军队和在他的家周围阿姆斯特丹犹太区的流浪汉进行了实验性组合创作。   后来,富有同情心的射击手公会队长意外被枪杀了。一个新的指挥人员凭借新的成员和同伙加入了。该公会重新排序。   在夭折了三个女儿之后,久盼的儿子终于健康诞生了,伦勃朗的名声也越来越大,他开始筹备31人的群像画。不过,他渐渐不满公会人员的傲慢与虚伪,欲望和贪婪。因为黄金时代的荷兰,实际上并不辉煌。他发现很多问题,比如在阿姆斯特丹孤儿院的腐败和堕落均与他要画的一些人物有关联。最后也有证据显示所谓的阿姆斯特丹射击手公会的指挥官意外死亡其实也并非偶然。   进入到1654年,伦勃朗的生活醉生梦死,更加想念他的妻子莎思琪亚。而他的情妇亨德里吉与伦勃朗的争吵日益加剧。伦勃朗开始调查这起表面上的谋杀案,发掘到了更多的证据。伦勃朗非常自信,他想象能在公会委托的画作中让那些富有阴谋的人员伏法,让整组绘画成为所有人能看见的公诉。   然而,那一刻,他的好运气没有了。他自信甚至有些傲慢地将作品《夜巡》呈现给他的市民、他的批评者和仰慕者、阿姆斯特丹资产阶级和犹太人居住区的暴民。被画的阴谋家明白了画中的含义,并害怕他的指责。他们的反应证明了他们的不适和内疚。因为他们不敢摧毁已受到好评的这个著名画作,因而他们要求立即设法摧毁伦勃朗。他们开始在经济和社会境况上让他陷入拮据。而他的妻子也因生育小孩没有恢复身体而去世。悲痛袭来,孤独的伦勃朗信心摇摇欲坠。他病倒在了床上。而他孩子的保姆基尔蒂(geertje)是那些阴谋家要挟来破坏他的社会名声的一个阴险的情妇。1654年, 基尔蒂成为了伦勃朗的女人。而随之而来的是关于对伦勃朗和他的三位女人之间关系的争吵、指责、辩论、抗议、真心、忌妒、报复等等。   1654和1642年之间,伦勃朗与基尔蒂经历了“猥亵风波”,他已感到心力交瘁,却发现了基尔蒂已经背叛了他。其中支持她的幕后者就是那些阴谋家,也是让伦勃朗在法院不得不做出屈辱让步而制作所谓“猥亵”问题的那些人。   因为不再为那些阴谋家所用,基尔蒂被囚禁在一所房子,而伦勃朗则需要被迫永远照顾她。此后,伦勃朗与他的年轻仆人,摩登的亨德里吉产生了一种新的性爱关系。那些阴谋家安排眼线盯住她,寻找机会。当她怀孕时他们在教会法院羞辱她和伦勃朗。伦勃朗被剥夺了所有的顾客和佣金,他的债务也接踵而至,伦勃朗进一步沉沦。   似乎早在1642年这个结局就已注定。公会已经表明了他们的愤怒和立场,并开始撇清自己。而完成的成品画《夜巡》就挂在其指定地方,即阿姆斯特丹射击手公会总部。   关于“鬼才”导演   英国著名导演格林纳威早期拍摄过很多试验性很强的短片,后来又长期为标榜另类风格的英国电视四台拍摄影片,所以他的影片一向以风格手法怪异著称。他学生时代的绘画经验又使得他的作品追求画面的精良与视觉上的冲击力。这两点,在这部影片中得到了加强与融合。 转折点《夜巡》   我们很难理解,在17世纪40年代的伦勃朗拥有那么多的财富,他不仅拥有有优雅的妻子,拥有大的画室、无数的学生,甚至还有间印刷厂,怎么会突然败落。关于这点,众说纷纭。有人说是因为伦勃朗极度挥霍而致倾家荡产。也有人归咎于当时的政治和社会变革影像了绘画市场,但是同时期的其他画家并没有因此而败落。还有人认为是基尔蒂偷走了他的钱并挥霍一空。但都缺乏根据。在影片中,导演彼得纳威则着重表现了这位著名画家的中年生活以及他如何在贫困中结束一生的,并从多角度展开分析最终将转折点定为《夜巡》这部名作,从而让这部“画家电影”显得不那么小众,而且将一场谋杀与之相连,从而彰显影片的内在张力。在这个相当严密的社会里公众是极有可能会共同努力惩罚一个打破社会规则的人。那么,通过社会和金融仇杀将伦勃朗毁于一旦就变得理所当然了。大家可以在观影的同时,多关注一下这幅名画本身,因为有很多答案就存在于这幅有着许多谜团、疑问与困惑的油画中。导演自己曾列了一个清单,提出18点疑问,比如穿着撒旦黑色外衣的人等等,这里不一一详述。 伦勃朗和他的三个女人   关于伦勃朗的女人们,其实揭示了3种不同的经典两性关系。在影片中,导演通过伦勃朗与她们的关系让观众能更清晰地把握伦勃朗的人格特征。莎思琪亚,是那个时代的婚礼形式。他们能成为商业伙伴表明了这一点。第二个,莎思琪亚死后出现的基尔蒂,则和伦勃朗一起遭受了巨大痛苦。第三个是与亨德里吉,比他小20岁,在经济上的依赖他的仆人。伦勃朗和基尔蒂以及亨德里吉的关系中最关键的一点是她们是否能为他所用。或许他耻于选择社会上层人,或是他受到的教育使他对有文化的女人有戒心。抑或是莎思琪亚的去世意味着如果他再婚,伦勃朗失去他的一半财富,因为要分一半给他非常年幼的儿子。实际上伦勃朗是将女性看得很低。 电影和绘画   在这部影片中,我们可以明显感受到导演是高度评价了伦勃朗在他那个时代的地位。或许和导演本身喜欢绘画有关。关于电影和绘画的关系,导演曾有段精辟的论述,富有哲理:戈达尔说电影是一秒24帧的真理,是否可以说绘画是所有时间的真理? 如果你能在绘画时间中拥有永恒,那么什么是电影时间的一秒?电影已经有112年的历史了,那么,绘画的历史呢?也正是因为这位英国鬼才导演早年学过绘画,从而让他对色彩有种出于本能的把握和独特的领悟,让他在电影中也十分看重色彩所能发挥的效用。因此在欣赏伦勃朗传奇故事情节之余,大家千万别忘了,这是一场格林纳威带来的视觉盛宴。

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让阳光来念诗

这是日光诗句投影仪(Sunbeam Poem Projector)。主要组成就是这么几块大板子,上面有错综复杂的网格,通过精巧的设计,把它固定后,随着太阳在天空中位置的变化,阳光从不同的角度照射进去,透过的时候显示不同的诗句,每过一个小时,句子就变成新的。不知道这些句子是每次投出一首短诗,还是为了每次的新一句都要再等一个小时,要不然为了把一首十四行诗看完得从日出等到日落,也够考验耐心的…… 笔者忍不住进一步设想,假如有个人把一片林子里的树枝也精确的计算裁剪一下,然后在某个特定的时刻装作不经意的带女友去散步,然后在灿烂的阳光下,树影斑驳间,投射出一句Will you marry me? (嫁给我吧?)应该也还蛮浪漫的吧。

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Jenny Holzer

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洛杉矶当代艺术馆The Museum of Contemporary Art , Los Angeles (MOCA),日前宣布将第六届MOCA杰出艺术女性6th MOCA Award to Distinguished Women in the Arts奖授予英国灯光艺术家Jenny Holzer,颁奖典礼即午餐会将于2010年4月28日周三在洛杉矶比弗利山庄的四季酒店举行,以表彰庆贺其在艺术领域的非凡天才与杰出贡献。该奖项的主赞助商同时也是艺术馆的主要支持机构:MOCA项目委员会The MOCA Projects Council,全额提供MOCA奖项与教育项目的资金支持。Broad基金会主席Edythe Broad 将为Holzer 颁奖,颁奖辞将由MOCA 项目委员会主席Pamela J. Smith宣读。午餐会由BVLGARI独家品牌支持。   MOCA项目委员会首席执行官Charles E. Young在接受采访时说道:“Jenny Holzer 无疑是MOCA杰出艺术女性奖的不二人选,我们非常荣幸可以有这样一个独一无二的赞助机会来庆贺这位卓越艺术家的出色成就,她强劲有力的对社会评论与坚定信念的表达已然坚持了超过30年。” MOCA项目委员会主席Pamela J. Smith 也表示:“我们希望公众社会也能加入我们来认可并庆祝这位杰出艺术家的出众成就,并支持MOCA美国先锋当代艺术教育项目,这也是MOCA项目委员会的焦点,表彰优秀的艺术家与艺术机构并将其展示给当代艺术观众的历史由来已久,每年有超过三万学生与社区成员从中受益。” MOCA杰出艺术女性奖由MOCA项目委员会成立于1994年,以认可众多在视觉艺术、舞蹈、音乐、文学等方面天赋才华并引领创新的杰出女性。Jenny Holzer曾设计了一幅雕刻有艺术家老生常谈的铜匾:“It is in … Continue reading

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踢桔子不踢桔子皮

昨天晚间散步,去静安体校定羽毛球的场子,楼梯间里贴了最新公共场所禁烟的海报。 之后Gigi联想到,如果禁烟同时禁食,意思是饮食限制,而条件是换取言论自由。也就是说,吃得越清淡,言论自由的空间就越大。 那是多么理想的世界,清净的世界呀! 刚开始我很欣赏这一提议,想赶紧给中央提议(Gigi经常会自说自话地要给胡锦涛同志写信),但后来马山转念:饮食工业可是国内老百姓的支柱产业呀。在这个人人以房、车等物质追求为奔头的年头,这一清净的提议貌似对于这俗世有些太过清高的。 但试想如一实现,那美妙的人间吧…… 有句大家都会很熟的顺口溜:吃葡萄不吐葡萄皮,不吃葡萄倒吐葡萄皮。 昨晚回家的路上顺脚踢了一截横在人行道上的桔子皮,于是有了新篇章:吃桔子不踢桔子皮,不踢桔子倒踢桔子皮。 此致,祝亲们春天快乐!

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意大利乌菲齐艺术之旅

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2010年3月11日上午10时,位于上海博物馆北门左侧地下室的报告厅中坐满了前来临听讲座的中外艺术从业者、爱好者与艺术相关媒体。本就狭小的报告厅在多台摄像机的架设包围下显得更加拥蹙。乌菲齐博物馆馆长安东尼奥 纳塔利Antonio Natali先生与翻译坐在一张小书桌后,准时开始报告。窄小的桌面上拥挤地摆放着一台笔记本电脑、一盏昏黄的深蓝色小台灯、两个一次性杯子中半满的纯净水,以及精心准备的二十来张讲稿与事前翻译稿。由于投影屏幕在播放讲演的幻灯片,因此房间内灯光昏暗,加上空调打出的干燥暖气与喇叭不时传出的刺耳噪音,不禁感叹上海博物馆的组织不周与其对纳塔利馆长的缺乏敬意。加上不断进出报告厅的各色人物的走动声、挪移椅子的躁动声、私下交流的低声耳语、偶然响起的手机铃声,让我在不安与忐忑之余更是满怀对馆长及随行乌菲齐博物馆工作人员的歉意。谨将此段文字写在本文之首,期观者引以为戒,用实际行动来体现对国际友人与国内同胞的尊敬,以及自重。 报告通过幻灯片中的相片演示与馆长的详细口述,不仅向我们生动描绘了乌菲齐博物馆的历史、发展与未来,更如一名难得的珍贵向导带领着我们游览了一圈乌菲齐博物馆与周遭景致,名副其实“乌菲齐之旅”报告标题。在主要记录报告内容的同时,本文也会穿插一些笔者在年前亲身游历乌菲齐博物馆与佛罗伦萨的感受与体验,希望能为读者带来更全面丰富的乌菲齐印象。 一座城 佛罗伦萨(Florence)是极为著名的世界艺术之都,欧洲文化中心,文艺复兴运动的发祥地,歌剧的诞生地,举世闻名的文化旅游胜地。属意大利托斯卡纳区,原托斯卡纳公国首都,是连接意大利北部与南部铁路、公路网的交通枢纽;阿诺河横贯市内,两岸跨有7座桥梁。市区仍保持古罗马时期的格局,多中世纪建筑艺术。全市有40多个博物馆和美术馆,乌菲齐博物馆与碧提美术馆邻河而立,世界首家美术学院、美术最高学府佛罗伦萨美术学院蜚声四海,意大利美术艺术精华荟萃于此。另一译名“翡冷翠”由现代著名诗人徐志摩首译,远比 “佛罗伦萨”更富诗意,更多色彩,也更符合古城气质。诗人著《翡冷翠的一夜》一书,1925年6月11日写于翡冷翠山中的同名诗用口语的表达道尽了对爱的天真、自然、疯狂、执着、充满情感挣扎与解脱的爱;这么激情洋溢的文字,或也就只在翡冷翠这座城才得酝酿诞生。 从薄伽丘的故乡小城Certaldo开车下山,到佛罗伦萨近三小时的车程,一路窗外是温和美丽、绵延无边的托斯卡纳乡野景色,随处可见修剪得光秃秃的葡萄园,让人对夏日的油绿碧翠遐想连篇。起伏不断的山坡农田依稀可辨数百年前大师们画笔下的影子,展览中的风景画触手可及,直谓“人在画中游”。当患有“车行昏睡症”的我从佛罗伦萨狭小而古老的街道上微微的颠簸中醒过来时,两旁已然满满地高耸着古旧的建筑、窗栏、雕花,满满地擦肩着来自世界各地的游客,公交车与私家车的鸣笛凑着热闹,扑面而来一股浓烈的红尘气息。相比罗马,佛罗伦萨反而更商业、更世俗味儿、更有一种浑浊与张扬从拥挤的古老砖瓦中渗透散发出来,掺揉着全球最大最有名的哥特教堂Cathedral of Santa Maria del Fiore的鲜艳色彩在空气中舞动,衬得满街满建筑的人像雕塑更为鲜活灵动。 出了教堂,穿过摆满广场的商铺,拐过两个街口,就到了领主广场Piazza del Grano,看米开朗基罗拎着尸首的大卫青铜雕像复制品、抢夺萨宾妇女圆雕与浮雕、海神波塞冬雕塑喷泉,以及大大小小多组群雕,神态自若地站在广场上,与这座城那么自然贴切地融为一体,有时会让你产生错觉,假意乱真——这些都是石化了的人儿,都有着心神血肉的灵气。 一个家 曹雪芹《红楼梦》里贾、史、王、薛四大家族钱权人脉三通亨运,这种营运模式放之四海皆准,在意大利最赫赫有名的例子莫过于美第奇Medici。位于乌菲齐宫Palazzo degli Uffizi的乌菲齐博物馆Galleria degli Uffizi(http://www.uffizi.com),原是显赫一时的美第奇家族办公之处。该家族统治佛罗伦萨近3个世纪,具有爱好、扶植和保护文化艺术的优良传统。 美第奇家族(Medici),是佛罗伦萨13-17世纪在欧洲拥有强大势力的名门望族。家族第一位成名的先祖是位药剂师,其姓氏“美第奇”即来源于此(医生在意大利语中为medico,在与意大利语同源拉丁语的法语中是medicin,而在现代英语中medicine意为药品)。这一点也反映在梅氏家族的族徽上:族徽中的圆球最初代表着药丸,随着财富和荣耀的增长,便发展成了后来的贵族章饰。 美第奇家族的财富、势力和影响源于经商、从事羊毛加工和在毛纺同业公会中的活动。然而真正使美第奇发达起来的是金融业务。美第奇银行曾是欧洲最兴旺和最受尊敬的银行之一,家族以此为基础,从银行家逐渐跻身于政治家、教士、贵族,随即统治佛罗伦萨,登上意大利乃至欧洲上流社会的巅峰宝座。家族中产生了三位教皇、多名佛罗伦萨的统治者,一位托斯卡纳大公,两位法兰西皇后,和其他一些英国王室成员。 当然,美第奇家族最重大的成就莫过于艺术与建筑,在文艺复兴时期起了巨大的推动作用。乔凡尼 德 美帝奇是家族中首名赞助艺术的成员,他援助马萨其奥重建圣洛伦佐教堂。那段时期最灿烂的一笔则数米开朗基罗,从洛伦佐开始,他终身都为美第奇家族效劳。除了委任艺术和建筑方面的工作外,美第奇家族也进行了大量的收藏。建筑方面,美第奇家族给佛罗伦萨留下了许多著名的景点,其中包括乌菲兹博物馆、碧提宫、波波里庭院以及贝尔维德勒别墅。此外,家族在科学方面也有突出贡献,赞助了达芬奇和伽利略这样的天才。这些惊人的成就使得美第奇家族被称为文艺复兴教父(The Godfathers of the Renaissance)。 家族大事年表: -1419年乔凡尼委任布鲁内勒斯基 重建圣洛伦佐教堂。 -1436年科西莫委任布鲁内勒斯基继续未完成的圆顶圣母百花大教堂。当时世界最大的圆顶完工。 -1550年托莱多的埃利诺拉,科西莫一世的妻子,购买碧提宫 。 -1560年科西莫一世资助创建乌菲兹美术馆的乔治·瓦萨里 -1562年科西莫一世建立设计学院。 然而世上无不散之筵席。1737年,第7代托斯卡纳大公吉安·加斯托内·德·美第奇没有留下继承人就去世了,因此托斯卡纳大公的爵位就落到了洛林家族的弗朗茨·斯蒂芬(神圣罗马帝国皇帝弗朗茨一世)手里。由此,在西欧声名显赫的美第奇家族的家脉就此断绝。(但这并非意味着家族没有传人,只是没有名正言顺的继承者了。)然而,家族世世代代传承下来的收藏品,还保存在乌菲兹博物馆中。家族居住过的碧提宫等建筑也大多在佛罗伦萨市内完好地保留着,现亦作为美术馆收藏有拉斐尔、鲁本斯、凡戴克和佛朗西斯的一些杰作,她在世界艺术博物馆中也占有相当重要的地位。而这一切都归功于美第奇家族最后的女性安娜·玛丽亚·路易萨·德·美第奇(Anna … Continue reading

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@ in Context: Criteria for an Acquisition

Posted by Paola Antonelli, Senior Curator, Department of Architecture and Design Our recent acquisition of the @ symbol has challenged what most people think of as a typical object that a Museum acquires.  We thought it best to let you in on our … Continue reading

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意大利乌菲齐博物馆珍藏展(十五世纪——二十世纪)

自2010年3月10日至6月6日的意大利乌菲齐博物馆珍藏展(十五世纪——二十世纪)Collection from Galleria degli Uffizi, 15C-20C(http://www.uffizichina.com)策展人为乌菲齐博物馆馆长安东尼奥 纳塔利Antonio Natali。 前言: 举办本次展览的宗旨是为了在中国,这个有着高尚文明传统和悠久文化历史的宏伟国度里,传播和增进人们对意大利艺术及欧洲艺术的了解。本次展出的82幅文艺复兴时期大师丁托列托、提香等创作的杰作均来自意大利乌菲齐博物馆的馆藏绘画珍品,并集中优选了三个类型的绘画:风景画、静物画和肖像画。参观者可以欣赏到跨越了五个多世纪的不同时期的艺术家们的精湛的艺术语言,以画叙诗的杰出艺术创作。其中,风景画可使参观者欣赏到意大利不同地方的风景特色;静物画则展示了一些日常用品,以及用来装饰桌子的各种水果等;而那些精美的肖像画,使参观者能从人物的服装、发型、姿态及气质,来了解意大利文化所特有的内容。乌菲齐博物馆是由意大利托斯卡那大公,美第奇家族的弗朗西斯科一世(Francesco I de’ Medici, grand Duke of Tuscany)于1581年所建立的一座博物馆。该博物馆收藏了众多的辉煌艺术家们的珍贵作品,如乔托和卡拉瓦乔、波提切利和提耶波罗、米开朗基罗和拉斐尔的作品等等,并对公众开放。除此以外,该博物馆还珍藏了一些鲜为人知的,但价值不菲的稀世之作。此次展览展出包括的, 安东尼奥 纳塔利Antonio Natali 风景画: 论及意大利的风景画,最早曾只限用于那些涉及宗教或是异教的情景画的背景。自十六世纪末开始,风景画在意大利才逐渐被重视起来,直至经历了漫长的十七世纪,才最终成为固有的绘画艺术种类。那时,意大利宏伟壮观和具有不朽丰碑意义的古罗马遗迹的景观曾一度不敌于富有诗意的、令人陶醉的地中海自然风光对外国艺术家的吸引。但是,正是这些来自荷兰、比利时、法国和德国的外国艺术家们率先洞悉自然之奥秘、运用现代画的艺术语言显现画中光线、并随一天中因时间不同而变化光线的活灵活现的效果,从而释译了那些圣经和神话故事中的情景及人物。  当时在佛罗伦萨,许多美第奇家族成员正在热衷于收藏风景画来丰富他们的藏品内容。他们收藏的范围相当广泛丰富,从十七世纪早期的树林、山岭和湖泊的写真作品,到十八世纪时的那些运用鸟瞰、透视、空间与层次的微分等各种绘画技巧的作品,以及那些对大自然不拘一格的夸张和粗犷的写意创作等,均在他们的收藏之列。 在这一部分,当参观者在一幅幅作品前驻足时,也将有机会领略充满诗情画意的异国风光。这些画,是艺术家们用他们的手,把当时的情景史诗般地保存于画中,流传至今,不朽于世。古时的罗马,引以为傲的是那些让艺术家企盼的令人崇拜的艺术经典的熏陶与培育。这些艺术经典来自当时以及更古老时期最卓越的艺术家们,例如米开朗琪罗、拉斐尔等大师。而只有在那里,艺术家们通过深刻研究那些艺术经典,才能推陈出新,而培育出继往开来的文化。这种荣耀感唯有在当时的罗马才曾有过短暂的心碎。随着时光的流逝,那宏伟辉煌的艺术作品,也被残蚀,只幸存了一些不朽的遗迹,支离破碎地散布于布满殿宇的都市外围的乡间,甚或被杂草漫过了它们若隐若现的边缘。然而,虽被置于旷野之中,或于林中空地之下,外国艺术家们依然能震撼于那些艺术杰作的魅力。而且那些源于他们自己国度的文化,与古时意大利所弘扬的文化之间,存在着显著的差异,使得他们的感官被带入更加惊异的境界,从而对这些诗一般的风景画的欣赏产生进一步的升华。用一句话来归纳形容风景画;有时真实,有时虚幻,然而却始终以可能的变化为基础的全景画。 静物画: 自十六世纪末至十七世纪初期,一种新的绘画类型在意大利和欧洲的艺术界开始广泛流传,即一些价值菲薄的静物被栩栩如生地绘之以画。而在那之前,为了满足给传统神话故事或者基督圣经文本做叙事插图之所需而描绘一些物品或水果也曾一度风行过。在那个时期,人们对大自然认知的探寻,正在当时文化的影响下,向新的途径发展,从而使静物绘画得以成功地发展,技法运用也更加成熟,以至于17世纪末至18世纪初时,这类绘画在佛罗伦萨地区受到极大地推崇并且成为时尚,更是当时的美第奇家族的最重要的一项收藏,如科西莫三世大公(1642——1723)、费尔迪南多王子(1663——1713)等人均狂热收藏有此类物品的绘画,如:花类,食物类,以及任何能够抓住他们的视觉兴趣的物品的绘画。正是因为当年美第奇王公贵族们的精心收藏,才使得乌菲兹拥有今天这些无与伦比的艺术典藏,并为之感到无比的荣耀。 肖像画: 公元十五世纪期间,肖像画逐渐成为西方艺术中的一种艺术类型,用以流传被画人物的形象、身份和地位。在整个十五世纪,只有那些君主、高阶的神职和政界人士等王公贵族们,才允许被画成肖像,并公诸于世。直到十六世纪,形形色色的人物姿态和各种画幅尺寸的肖像画才显现出更为广泛的社会阶层,尽管仍仅限于富裕的社会精英。但与此同时,在高端业界,开始逐渐把那些1比1真人大小的或3/4真人大小的肖像画定义为“正规肖像画”。通常对于一幅受人喜爱、令人神往、使人喜形于色的肖像画,观赏者不仅会对画中人物的形象、体质特征进行品头论足,更会对画中表现的人物的气质倍加赏鉴。尽管如此,那些超级收藏家们,尤其是美第奇家族,也收藏了大量来历未知的、无法考究的或已被遗忘的人物的肖像画,而这些画的价值则与其作者的知名度相对应。 自画肖像: 最早的自画像出现于公元十四世纪,当时的画家们把他们自己和向他们聘画的被画者一同画入宗教题材的场景之中。乌菲齐博物馆拥有最古老而且是迄今为止最为广泛的这类绘画藏品。乌菲齐博物馆的自画像收藏起源于红衣主教莱奥波尔多 德 美第奇(Cardinal Leopoldo de’Medici 1617- 1675)所收藏的80件艺术珍品,其中,最初收藏的15件典范精品,已列入美第奇家族遗产之中。有一些珍藏品是由科西莫三世大公(Grand Duke Cosomo III 1642——1723)进一步扩充收藏的,主要为外国艺术家的杰作。这些杰作原保存于碧提宫中,后于1687年转移到了乌菲齐,并按其尺寸大小分列为两类标准。十七世纪末,乌菲齐的此类藏品就已达到全欧洲无可比拟的地位,入选乌菲齐博物馆已成为画家们梦寐以求的目标。作为美第奇大公储位继承者的洛林的彼得 … Continue reading

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未来总动员:英国文化协会当代艺术珍藏展

作为英国参加2010上海世博会的重要项目之一,英国总领事馆文化教育在上海民生现代美术馆举办“未来总动员:英国文化协会当代艺术珍藏展”受到了来个各方的关注。英国文化协会的艺术珍藏被公认为全球最精美的英国当代艺术收藏之一。经过70余年的积累,协会收藏了超过8500件出色的英国艺术品。这些艺术收藏品在全球巡展中亮相并部分陈列于英国文化协会100多个国家的办事处。此次展览将在中国首次展出如此众多具有重要意义的英国当代艺术珍品,展品涉及雕塑、绘画、录像、摄影、声音以及装置。展览将展出41位英国艺术家的作品,包括达明安·赫斯特(Damien Hirst)、安尼诗·卡普尔(Anish Kapoor) 等最蜚声国际的22名特纳奖得主和被提名艺术家。此次展览呈现出英国当代艺术发展的缤纷历程,为中国观众带来了一场精彩的英伦视觉艺术大餐。对于英国文化协会在华举办的首场大规模展览,作为本次展览的组织者Emma Williams、英国艺术史学家Simon Grant和部分艺术家代表分别接受了真艺术网的专访。 英国文化协会视觉艺术部展览组织者Emma Williams Ling:请问英国文化协会挑选藏品的考量标准与依据是什么?收藏体系又是怎样的? Emma Williams:首先是财政原因。因为英国文化协会收藏的艺术品购买资金来源于英国政府外交部的拨款,因此有一定的资金限制,所以大部分情况下我们都会做大量深入的调研工作,挑选具成长潜力的艺术家发展生涯早期的作品,这样而言价格就比较容易接受。 同时,由于英国文化协会,即英国领事馆文化教育处的机构属性决定,我们的职能是推广英国文化艺术,因此就对藏品的可运输性有着比较高的要求。只有相对而言比较易于运输的艺术作品,我们才会考虑购买收藏。 最后,也是最基本的考虑,是艺术品本身对于整个英国文化艺术发展的影响力与人文意义。 Ling:作为本次展览的组织者,在参展人选及作品的挑选上有怎样的考虑? Emma Williams:首先我们对参展人及相关作品的挑选必须是在我们的8500件藏品中进行,肯定不会超出这个范围。其实这个展览的策划准备时间相当长,前期工作酝酿了很久,其间中英两方面前前后后进行了多次深入的可行性方案探讨分析,尤其是获得了上海市对外文化交流会的鼎力支持与协助。最终,我们将此次展览的时间线索由原先定的1990年初至今延伸追溯至1980年初至今,原因是希望展示给中国艺术观众(相对我们来说还是比较新的受众群体)一个更为完整的英国当代艺术发展脉络。此次展览的参展作品中,创作时间最早的作品是Gilbert&George的早期合作作品、也是两人的成名作《Intellectual Depression 精神压抑》(1980),那时的整个英国文化艺术界在撒切尔政府对文化艺术发展的漠视政策下非常低迷压抑,而Gilbert&George的这幅作品恰恰道出了当时所有英国文化艺术从业人士的心声,这份表达又是那么地具有感染力与震撼力。同时,此次参展作品中创作时间最近的一幅,是丽贝卡 沃伦的《P/D》(2009)钢板装置艺术,这件极富当代精神的作品可以让参观此次展览的观众对现今此刻在英国发生的当代艺术的最新面貌有所把握。 然而,也正是由于展品时间线的延长,展品的数量与珍贵程度也随之上升。在运输此次展览的全部89件展品时,我们一共动用了72个大型集装箱盒,仅《民间档案》一系列作品就动用了29个大型集装箱盒 Ling:我们知道本次展览是作为2010年上海世博会的重要文化交流项目,这在之前是不多见的,不知世博会后,是否还会有相同级别的展览安排?(因为Emma常驻英国,所以是由英国领事馆文化教育处首席秘书李伟博回答这个问题) Emma Williams:其实此次的展览将是全国巡展,我们已经联系了全国多个省市的6位策展人进行联合策展。在民生的这次展览会持续到3月21日,撤展之后,此次展览的部分展品将被运往其他城市进行巡展,具体的地点场馆以及相关艺术品目前还未最终确定,策展工作也在紧张地进行中。事实上,这次《未来总动员》的展览是英国领事馆文化教育处以及英国文化协会有史以来规模最大的一次展览。大家都知道,每年英国文化协会都会在全球多个国家地区举办多种多样地推广英国文化艺术的活动与展览,但参展作品数量之众、质量之优,与此次相比是前所未有的,也由此可以看出英国对在中国的文化促进推广事业的高度重视。所以也相信,在今后我们会在中国有长期的文化活动安排。但如此级别的是否会在短期内再次举办,我也不能打包票。 Ling:此次在民生的展品是否也会在上海世博会英国馆中展出? Emma Williams:并未有相关的计划。 英国艺术史学家Simon Grant Ling:我注意到此次参展作品中有多件都是英国泰特美术馆透纳奖的提名或获奖作品,包括此次参展的标题艺术家Mark Titchner是2006年透纳奖的短名单艺术家,及Alan Kane此次参展艺术系列《民间档案》的创作搭档Jeremy Deller是2004年透纳奖的获得者。请问您如何评价透纳奖在英国文化艺术届的角色及对其发展的作用? Simon Grant:(笑)你提了一个非常专业、优秀而尖锐的问题,但其实很好回答。我会先给你一个泰特版本的回答,因为我是为泰特工作的(笑),然后我会给你一个其他的非泰特版本(笑),当然其实两个版本是一样的。 在透纳奖于1984年成立之前,英国的文化艺术发展的主流趋势与边缘化现象非常明显,大多数进行独立创作的现当代艺术家举步维艰,如果他们做的是与主流艺术格格不入或仅是风格有所差异都会被边缘化,其发展空间被主流话语权挤压得连可呼吸的空气都很微薄。而1984年泰特成立了透纳奖之后,情况就大为不同了。这些当时被看做“特立独行、举止乖张”的青年艺术人被推到台前,并逐渐为公众所熟悉与接收,从而慢慢地将英国当代艺术的舞台扩大扩宽,强调其多元性的共存共荣,可以说是开创了英国当代艺术史的新纪元。 当然,事物总有其两面性。正因其拥抱的候选群体是青年当代艺术家,由其艺术性质本身决定了评判标准的难以确立,所以每一年透纳奖宣布短名单与获奖人的时刻,就是英国文艺界吵吵嚷嚷得最凶的时候。所有的艺术评论人唇枪舌剑地争论这批“透纳人”孰好孰坏,或是对获奖人的艺术是非评头论足。而这一点,反过来说,其实对英国文艺界而言也完全不坏。因为在透纳奖之前,所有媒体对于当代艺术都缺乏应有的关注,甚至可以说对当代艺术完全不关注。而透纳奖设立之后的这番繁荣景象,是在其之前无人可以想象的。当然,不论怎样,我们依然不能肯定地评价说透纳奖就是英国最优秀的艺术奖项了,或者透纳奖具有非常重要的参考价值。我们只能说,这是一个非常勇敢的、极具开创性而又富有争议的英国当代艺术奖项,同时(笑)也是我老东家泰特艺术馆做的好事一桩。 Alan Kane:对于这个非比寻常的好问题我要做点补充,记得有一回和艺术家朋友Dinos Chapman(Jake & … Continue reading

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2010春节意大利之旅

It’s a very long diary… Continue reading

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