Monthly Archives: April 2010

Mark Rothko:潜藏于画布下的悲剧

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马克`罗斯科:潜藏于画布下的悲剧 俄罗斯车库当代文化中心(Garage Center for Contemporary Culture)将于4月23日至8月14日举办著名抽象画家马克·罗斯科(Mark Rothko)在俄罗斯的首场个展“Mark Rothko: Into an Unknown World”(马克·罗斯科:进入未知世界)。 2009年早些时候,纽约金融家梅尔金(J. Ezra Merkin)将自己收藏的著名抽象表現主义画家马克·罗斯科(Mark Rothko)的作品以3.1亿美元卖给了一位匿名买家。梅尔金曾是世界上拥有马克·罗斯科作品最多的藏家,因为参与了著名“庞氏骗局”被纽约检察官Andrew Cuomo起诉,财产也被冻结。而这批作品将于此次在俄罗斯车库当代文化中心(Garage Center for Contemporary Culture)进行展出,这也将是马克·罗斯科在莫斯科举办的首个个展。 马克·罗斯科(1903年9月25日-1970年2月25日)著名的抽象表現主義 (Abstract Expressionism) 畫家,犹太人,生于沙俄时代的拉脱维拉,1913年移民美国。 年轻时以兼职赚取费用求学,当过演员、场记、画家、待者、挨过饿。1929年成为一所犹太教会的兼职教师,也是表现主义(Ten)十的创始成员。后因患病、沮丧、忧郁、酗酒及服用过量镇定剂和抗忧郁药物,导致于1970年切断静脉自杀身亡。尽管他本人排斥被打上流派分类的标签,但他的作品和画风依然被认为是抽象表现主义的典范之作。 罗斯科于1913年离开俄罗斯前往美国,此后再未回来,尽管如此,其早期生活经历也是他艺术创作和想象的重要来源。据他的朋友Herbert Ferber介绍,罗斯科对自己的“俄罗斯背景”非常感兴趣,此次展览的作品跨越艺术家1949年至1969年的创作历程,将展示艺术家重要代表作。 他创造了一种情绪化的抽象艺术形式,其作品是对色彩、形状、平衡、深度、构成、尺度等形式因素的关注。不过他不愿意人们仅从这些方面来理解他的绘画。 “只要一个画家画得好,他画什么都无关紧要。好作品是纯粹的,它与任何东西都无关。”罗斯科的目标是走出绘画,全身心地投入灵魂深处。他拒绝谈论他的技术,愤怒地否认自己是一个色彩画家,并极力地使观众看到潜藏在画布下面的悲剧。 在他的画面上我们看到的是有边缘的几何形体,但感觉到的却是由微妙色彩对比所辐射出的情绪,他是在通过几何本身来挣脱几何的控制,如同每个人都是在自己的命运中摆脱命运。在他成熟期的绘画作品中,经常可以见到两三个色彩明亮、边缘柔和、微微发光的矩形色块,它们毫无重量感地排列在一起,如同一种自由的思想漂浮于画布上空。简练、单纯,但却磁力般地将人深深吸引 , 马克.罗思科在绘画中注入了强烈的精神成分, 以一种让人萦绕心头而不能忘怀的朴素闻名, 欣赏罗斯科的作品会让人感觉置身于他所营造的精神空间而不是陈列其作品的现实空间里, 羅斯科獨特的風格奠定了他抽象表現主義 藝術宗師的地位,在美國起著承先啟後的作用,影響了後世不少的建築與平面設計師。 罗斯科可說是自學成才, 罗斯科對哲學和心理學有濃厚興趣,這喜好啟發他閱讀大量有關神話和精神分析的書籍,加上一生熱衷戲劇和音樂,皆為他帶來不少創作靈感。他对“57大街的艺术家们极其藐视,他认为这些人只理解艺术的金钱价值。然而病痛和绝望时的这位艺术家于1970年在曼哈顿的工作室自杀时,却也引发了20世纪最轰动的艺术丑闻案。他的经纪人劳埃德在三个月的时间里, 以远低于市场价获得了马克. … Continue reading

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Marina Abramovic: The Artist is Present

因触摸两名裸体表演者 MoMA驱请参观者离馆 纽约现代艺术博物馆MoMA的最新展览”Marina Abramovic: The Artist is Present”中有件特别的参展作品:“不可替代之事”(Imponderabilia),由两名一组的多组裸体表演者组成。众所周知,美术馆的首要规章:禁止触摸艺术品,当然,肯定也包括这些真人裸体表演者。日前,由于一些参观者对该“艺术品”动手动脚,被MoMA驱请离馆。 美术馆由此申明,希望参观者尊重这些裸体模特们,并告知“请勿触摸该真人艺术”。 此次展览开幕于3月14日,是对Marina Abramovic四十年艺术生涯的回顾展。其中包括了一些真人裸体表演着,他们面面相对,中间的空隙可刚好通过一些身材较为苗条的参观者。 MoMA Asks Visitors to Leave After Touching Nude Performers A patron squeezes past people performing “Imponderabilia,” on display during the “Marina Abramovic: The Artist is Present” exhibit at theMuseumofModern … Continue reading

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Maurizio Cattelan:All 莫瑞吉奥.卡特兰的视觉艺术

莫瑞吉奥·卡特兰是一位没有接受过专业学院教育,靠自学成才的艺术家。他1960年出生于意大利东北部的大学城帕多瓦(Padova)。他未曾进入艺术学院学习,而是自学成才。如果要给真正成为艺术家之前的卡特兰做一份工作简历的话,你会发现那真是一个无比丰富而古怪的单子。他从事过的工作有厨师、园丁、护士、木匠,甚至负责太平间尸体看护的丧葬员。这些丰富而独特的经历毫无疑问也与他日后的艺术创作具有千丝万缕的关联。 从上世纪80年代,卡特兰开始在弗尔利(Forlì,意大利北部城市)进行与木质家具制作有关的具有反功能(anti-functional)倾向的家具设计,也因此结识了一些诸如索特萨斯(Ettore Sottsass)这样的着名设计师。在做过一段时间的家具工作后,卡特兰发现了视觉艺术的乐趣所在,开始涉足真正的艺术创作。为了寻找机会,他还把自己的作品图片制成图录送给一些画廊看。这些努力使他在上世纪九十年代开始逐渐在国际艺术界崭露头角。 1993年卡特兰到纽约定居,不断奔忙于纽约和米兰两地之间。不同于其他艺术家的是,卡特兰没有自己的工作室,他的作品常常依靠展览现场的感觉进行创作,甚至可以说很多是通过展览才构思出来的。卡特兰早期的一些作品比较明显带有设计感并某种程度上继承了杜尚(Marcel Duchamp)现成品艺术的观念。比如作品《运动场》(1991,stadium)是卡特兰设计制作的巨型(长约7米)桌上足球机;而《被盗的保险箱》(1992,-76.000.000)用的则是一个真正失窃后的保险箱,标题取自失窃的款额。实际上,这种痕记在卡特兰之后的艺术创作中都或多或少的存在着,甚至有人把他看作是能代表后杜尚主义 (as one of the great post-Duchampian artists)的伟大艺术家之一。 九十年代中期以后,动物标本、骨骼、写实性的雕塑、模型、甚至活的动物开始出现在卡特兰的作品中,这些材料某种程度上仍然是现成品,不过卡特兰赋予了它们更多的戏剧性和现场感。(如:《爱会拯救》Love Saves Life,1995;《托洛茨基的歌谣》 The Ballad of Trotsky,1996;《自杀的松鼠》 Bidibidobidiboo,1996;《无题(雄鸵鸟)》Untitled,1997等等)作品常常带有幽默和寓言的成分,现场感和情境反差越来越成为他所关注的问题。为此他既可以把一头活驴牵进画廊,也能把栩栩如生的着衣假人或小狗放到街角和路边以假乱真。 1999年的作品《伊丽莎白》(Betsy)是一件蜡像作品,表现的是一位坐在冰箱中的形貌逼真的老妇人;而《第九个小时》(La Nona Ora – The Ninth Hour,1999)则是卡特兰最广为人知和饱受争议的作品:形似真身的教皇保罗二世(蜡像),被一块从天而降的陨石击倒在地。为了获得更加真实的现场感,卡特兰甚至要求将展厅的天花板玻璃砸破,使碎片洒在地上,使人们可以更清晰地“还原”出“事发”经过。作品体现出了一种较之其以往作品更加辛辣的讽刺和幽默感。为了实现作品超级写实主义的效果,卡特兰与法国雕塑家丹尼尔·德鲁特(Daniel Druet)进行合作,之后的很多仿真型的雕塑作品都是出自德鲁特之手。2001年,卡特兰创作了《他》(Him)和《菲利克斯》(Felix)。《他》是一个被缩小为一米高的,跪在地上的希特勒蜡像;《菲利克斯》则是一个被放大为数米高的巨猫骨架。这一大一小的变化手法也成为卡特兰经常用到的情境反差手段。  整体上来说,卡特兰的作品大多富于很强的张力,这种张力来自于作品中的事物恰当或突兀的情境转换,材料、大小、真假等因素,也即说是一种强烈的矛盾或和谐,用卡特兰自己的话说,他希望自己的作品“亲切温和、令人欣慰、引人瞩目,同时又是堕落和消耗殆尽的。” “毕竟在艺术中,一些人只是想要惊奇。”我们能从他的作品中感觉到无所不在的嘲弄和深刻的隐喻,“他的作品不仅嘲笑艺术而且嘲弄艺术家自身,有时,也把艺术史作为搞笑作弄的对象。”从而挑战许多约定俗成的观念,包括美术馆系统的展览机制。另外,自我和死亡这样的主题也是卡特兰所愿意探讨的。他常常通过复制自身的形象(有时也亲自表演),并进行揶揄调侃以达到作品的意图;在一些作品中以令人惊异的视觉形式表现死亡(如:《自杀的松鼠》 Bidibidobidiboo,1996;《无题(在树上吊死的孩子)》Untitled,2004;《全部》All,2007等等)。 莫瑞吉奥·卡特兰的艺术创作将雕塑与表演相结合。莫瑞吉奥·卡特兰对犯罪具有略带矛盾的认知,亦存在容忍的界限。自二十世纪九十年代初期,他的作品便通过讽刺与幽默,不断挑战当代价值体系的极限。他戏弄艺术界,但从不陷入天真的思维陷阱,从而推翻自己亦身处其中的创作模式。 莫瑞吉奥·卡特兰创作的人物多具有个人荒诞派戏剧的风格,面目可憎:警察上下颠倒,饱食的动物悬挂在房顶,哲人则把自己埋于沙中……一切都在真实与虚幻之间摇摆,莫瑞吉奥·卡特兰的作品通过曲折、反抗行为和象征性盗窃的游戏,刺激并颠覆文化与社会的规则。 他不断探索不同的素材、内容和构图策略,拒绝任何精神或意识形态的立场,而是用复杂的手法集中再现真实。虽然他并未给出问题的解决方法,他通过作品表现出人们可在制度下生存并利用制度,而不会被制度消耗殆尽,玩笑与恶作剧在艺术中屡见不鲜,但莫瑞吉奥·卡特兰因其滑稽的创作风格而与众不同。他的滑稽别具一格且令人捧腹。卡特兰是世故且老成的艺术家,他戏弄艺术界,但从不陷入天真的思维陷阱,从而推翻自己亦身处其中的创作模式。他不仅深入研究达达主义的进攻性风格,亦表现略带悲惨意境的现实,既有些尴尬,又有些愚蠢。1994 年,他说服巴黎画商 Emmanuel Perrotin 用一个月的时间装饰一根巨大的粉红色男根。作品 Errotin Le … Continue reading

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MOCA Publishes a New Book about Contemporary Art for Young Audiences

洛杉矶当代艺术馆MOCA出版当代艺术儿童读物 洛杉矶当代艺术馆(The Museum of Contemporary Art, Los Angeles:MOCA)日前出版了一系列关于当代艺术的儿童读物,书名为:“打破陈规:什么是当代艺术”(Breaking the Rules: What is Contemporary Art?),作者是诸多文学奖得主苏珊 鲁宾Susan Rubin。这本64页的小册子旨在向8-12岁的儿童读者介绍MOCA举世闻名的永久当代艺术馆藏。内容主要是对部分永久馆藏艺术的创作者——25位当代艺术家的介绍,他们包括:Jean-Michel Basquiat, Alighiero Boetti, Chris Burden, 莫瑞吉奥·卡特兰Maurizio Cattelan, Vija Celmins, 托马斯·德曼Thomas Demand, 莱涅克·迪克斯特拉Rineke Dijkstra, 彼德.多依格Peter Doig, Victor Estrada, Llyn Foulkes, Felix Gonzales-Torres, Andreas Gursky, Mike … Continue reading

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Rineke Dijkstra:肖像里的故事

女摄影家莱涅克·迪克斯特拉(Rineke Dijkstra,1959— )出生于荷兰的锡塔德,如今生活和工作于阿姆斯特丹。在1992年和1996年之间,迪克斯塔拉开始拍摄一系列的青春期的人物肖像,这些被拍摄者都是身穿泳装的年轻人,有时候他们独自站立,有时候则是两三人的组合,站在欧洲和北美的海滩边上。这一系列作品在世界上展出后获得很大的反响,成为人物肖像独特的系列,展览一直延续至今。 她的大部分摄影作品拍摄于西方的三个地区,比利时,英格兰和美国,以及前苏联联盟的三个国家,克罗地亚,波兰和乌克兰。这些不同地区的画面看上去相同,但是还是有些微的区别。比如东欧的青春期女性以微微笨拙的姿态出现在照相机前面,而西方的女性形象在镜头前则显得相对自信。这些人物加上不同的服装,不同的肤色和姿势,构成了特殊的肖像主题:即便是镜头前独立的个体形象,大部分也可以反映出社会的状态,政治的角色,以及特殊的文化价值。比如在一幅画面中,一位年轻的女性站立着,带着一丝焦虑不安的感觉,地点是在南加利福尼亚的希尔顿·海德岛。她所摆出的这样一个姿势,仿佛是来自于意大利文艺复兴时期的著名画家波提切利的油画《维纳斯的诞生》——从波浪中升起的维纳斯。然而在照片中的波浪是在远处,而且是平静的,根本没有维纳斯诞生时的那种荡漾的激情。摄影家试图告诉人们,这是人类所具有的天性中易受攻击的弱点。即便他们处在一种与世隔绝的环境中,但还是深深懂得,他们无法抗拒日常生活中的现实和以往的历史所带来的挑战,包括更为致命的来自于自身的挑战。 同时,迪克斯特拉也有一些作品是在摄影棚中拍摄的,她也让被摄对象身穿泳装显出局促不安的造型,甚至自己登场亮相,以自拍的方式完成这一主题。照片同样展示了情感的易损性,仿佛这些对象都是刚刚从水中出来,面对着成人世界的复杂性而惶恐不安,让观众一起思考个人的自身命运。迪克斯特拉还有拍摄女性怀抱婴儿的照片,同样也和存在主义的本质相关。画面中的女性带着高傲的神情,并且带有一丝惊讶和执著,她站在没有任何背景特征的走廊上,面对照相机。我们可以从照片中感受到明显的矛盾冲突的情感状态。 从1994年开始,迪克斯特拉同时开始了新的主题拍摄,和前一个海滩系列有相关之处。新的肖像系列局限于新西兰的一个地区的庇护中心,拍摄时间为两年一个周期。画面中年轻的女孩几乎都是同一个姿势,但是在两年之后的拍摄中所坐的椅子是各不相同的。随着时间的推移,人物的脚由悬空逐渐着地——随着脚的逐渐稳定,人物也似乎走向成熟。我们所看到的一组画面,就是小女孩阿尔梅丽莎在六年中的四次拍摄。也就是说,迪克斯特拉的照片成为一种身份的象征,从而也表现出历史演进的过程。

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德国版画艺术家尼奥·罗施Neo Rauch个展20日慕尼黑开幕

时间:2010年4月20日-2010年8月15日 地点:德国 慕尼黑现代美术馆   德国匹兹伯格与慕尼黑现代美术馆为庆祝著名版画艺术家尼奥 罗施Neo Rauch五十岁生日,为其举办了隆重个展,表彰其卓越的版画创作,并鼓励其在未来的更卓越表现。   尼奥 罗施Neo Rauch,1960年生于莱比锡;在莱比锡版画及书籍装帧艺术大学读书期间,就对绘画艺术显现出惊人的天赋。毕业后成为莱比锡版画及书籍装帧艺术大学助教,1999年开始举办国内外巡展,也逐渐成为德国著名的年轻画家之一。 尼奥 罗施的油画作品结合了社会主义现实主义和连环画的元素,多为大幅作品,较抽象,创作主体多样化,色彩看上去并不十分流畅,但却打破常规,触动心弦。他的作品经常被一些大明星以高价购买,Neo Rauch喜欢用抨击现实的方式来表现他内心中的理想主义。   尼奥 罗施的画在同时代的作品中是最具独创性的,他的画看上去因分离而令人不安,但又是亲切的。画中的物体和感觉看上去像从古老的广告招贴画或尘封的书皮中跑出来的,人物形象又像是被人遗忘的滑稽演员。罗施公式主义(者)的视觉象征符号乍看是深奥的,但又难以加以解释。他们僵硬的表情下是冷淡的,又是紧张的、忧郁的,彩色又是不祥的,这一切的混合体却使得作品的结构生动而刚性。

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Marc Glimcher:展望佩斯未来

佩斯将收购位于切尔西25街的Bortolomi Gallery画廊空间 By Sarah Douglas 顾灵/编译 上周,佩斯画廊(http://thepacegallery.com)宣布中断其与古典艺术专家级艺术机构Wildenstein(http://www.wildenstein.com)长达17年情同手足的伙伴关系,佩斯总裁Marc Glimcher接受了Artinfo的专访,对佩斯画廊的未来与发展新方向进行了详尽的展望,其中包括收购坐落在25街的 Bortolami Gallery(http://www.bortolamigallery.com)画廊空间,聘用伦敦Ibid Gallery (http://www.ibidprojects.com/ )前画廊总监、艺术家Vita Zaman主持佩斯在切尔西的画廊空间,同时受聘的还有中东艺术专家、菲利普斯拍卖行的前任国际顾问、常驻伦敦的Tamara Corm。佩斯画廊由Marc Glimcher的父亲——Arne Glimcher创建,并在Marc的多年努力下成为当代艺术界风头浪尖的核心画廊,在Marc看来,只有创新才有未来的可能,并在任何情境中抓住每一个机遇,哪怕是在金融危机的最低谷,这种机会依然无处不在。   下文为采访稿全文:(A代表Artinfo,M代表Marc Glimcher)   A:让我们先来聊聊最大的新闻:佩斯早在1993年就正式与Wildenstein达成伙伴关系,而此次与Wildenstein关系的结束,是否与这两年艺术市场的不景气有关? M:部分原因是这样没错,但这是一段维持了很长时间的伙伴关系,她的发端还得从收藏家、慈善家(石油大王)大卫 洛克菲勒(David Rockefeller)说起。他是个爱把人们拢在一块的家伙,于是他把我父亲和Daniel Wildenstein撮合一起待了八年,直至真正牢固的伙伴关系确实建立起来。事实上,父辈们总有种希望,某一天两个家族可以联姻,然后最终正式成为一大家子。许多Wildenstein的藏家们都希望涉足当代艺术领域,于是在1990年至1991年,艺术市场开始跌到谷底的那两年,佩斯画廊一直有着杰出表现,这与我们对提升艺术家身价的保守态度有着极大的关系,并让画廊始终发展稳健。而这些彼时的情景与当前的状况又是何其相似,新的收藏者们涌入市场,想要真切看到他们收藏伟大艺术作品的机会。这正是扩展公司疆域的好时机,而我又是个急性子,满怀迫切地想要把想法立即付诸实践。   A:Wildensteins也这么看? M:Daniel正是这么看的,他对我说过:“我们都亲眼目睹了画廊的创建,因此我们看事物的眼光是一样的。”我听他这么说的时候非常激动,就好像棋逢对手的就是好朋友。   A:所有针对近来这次伙伴关系破裂的报道都倾向于“心平气和的握手再会”。纽约时报称,作为交易的一部分,佩斯画廊收购了Wildenstein的部分股份,同时也收购了PaceWildenstein共有股份中的49%,据说这些股份价值成百上千万。这种说法是真的? M:我可以如实回答你的问题,但在那之后我必须引颈自刎。   A:那在与Wildenstein伙伴关系终止与佩斯画廊发展方向的调整两件事之间有否联系呢? M:这是当然的。在1993年,变化的到来是显而易见的,但究竟是什么样的变化,不清楚。当然我们肯定会采取一切措施来拥抱我们朝着发展的那个方向。   A:具体是什么样的变化? M:艺术世界的全球化。全球化的方式与所有人想象中的都不尽相同。作为一名收藏家,或艺术家,究竟意味着什么?意味着奢华,意味着梦幻?在过去10年间,我们不断听到关于“究竟什么是画廊?”的提问。而对其的回答,在诸多拥有创新意识的人们看来,无疑是特许经营与品牌化,而后者也取得了非常巨大的成功。佩斯在这方面参与了一些,但众多的交易商一直以来都与拍卖行携手合作,将其独立品牌深刻植根在每场拍卖或交易中,概念化他们实则具体的行事风格。   A:那接下来有些什么计划? M:在我看来,商业化之后的变革是网络(Network)。创建并成为某个网络的一部分是几乎整个世界在至少过去十年间投入大量精力的深入参与。因为其自身属性的与众不同,艺术世界从基因上就决定了比其他领域要慢那么半拍。所以如今网络在艺术界的发展才刚刚萌芽。 … Continue reading

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http://www.bbc.co.uk/virtualrevolution/

HOW 20 YEARS OF THE WEB HAS RESHAPED OUR LIVES

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Nikki Graziano:摄影中发现数学之美

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摄影师Nikki Graziano 同时也是一位在纽约罗切斯特技术学院(R.I.T)深造的青年数学家,她有着敏感细腻的生活反馈,爱好音乐,收集榜单,时常信手写些随感,私下做些版画交易。正是因其左右半脑的共同开发,Nikki的摄影作品才都那么兼收并蓄,不断发现数学之美。 http://nikkigraziano.com/

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自由女神像诞生记

自由女神像几乎是美国精神的象征,维基说自由女神并不是一个传统神话中的女神。她是近代被用于代表自由这个理念的一个艺术形象。 自由神像是法国在1876年赠送给美国的独立100周年礼物。美国的自由女神像坐落于美国纽约州纽约市附近的自由岛,是美国重要的观光景点及地标。 自由女神像高46米,加基座为93米,重200多吨,是金属铸造,置于一座混凝土制的台基上。自由女神的底座是著名的约瑟夫·普利策筹集10万美金建成的。 建造过程见图: 来龙去脉 1865年,一个年轻的法国雕塑家 Frédéric-Auguste Bartholdi (维雷勃杜克)参加了凡尔赛附近的一场宴会,在那里他遇见了一位杰出的历史学家 Edouard de Laboulaye 。后者非常的崇拜美国,并且注意到美国即将在 1876 年迎来它的百年生日,他认为这是一个法国送给美国一个礼物的绝好时机。但是要送什么呢?雕塑家 Bartholdi 想到的自然是雕像——一个巨大的、美丽的雕像。接下来的六年里,Bartholdi 都在考虑并构思这件作品。 美国之旅 1871年,Bartholdi 已经想好了大部分的细节:这座纪念雕像将会是一个巨大的女性雕像,叫做”自由照亮世界”。它的建造费用将由法国人民来支付,而它的基座则由美国来承担。 这个念头让他激动的立刻乘船前往纽约去寻找支持。当他踏上纽约港时,Bartholdi 注意到 Ellis 半岛上的一片十二英亩的空地,他立刻认定这就是他的雕像将矗立的地方。 Bartholdi 在接下来的五个月里环游美国寻求支持。随后他返回法国,当时拿破仑三世执掌下的政府公开的反对其自由雕像所象征的民主与共和的理念。并声称如果 Bartholdi 公开他的项目,他们就会把他投入监狱。Bartholdi 不得不暂时搁置计划,直到1874年拿破仑三世政权因俄法普鲁士战争的失败而被第三共和国所接替,他才得以重新投入这个项目。他创建了一个名为”法国-美国联合协会”的组织来募集经费,其成员为他在法国和美国的支持者。他还招募了居斯塔夫·埃菲尔(Alexandre-Gustave Eiffel)来设计雕像的钢铁骨架结构,后者很快便凭其埃菲尔铁塔而名噪于世。 匆忙的女人 但是现在,距离1876年只剩下两年了,很明显这个大雕像无法按期完成,但 Barholdi 仍决定进行下去。而想要筹集到他预估建造所需的 400,000 美元也并不容易,雕像的建造过程经常因为现金用光而停顿。Barholdi 和他的团队一次又一次的错过了”最后期限”。到了 1880 年,法国-美国联合协会不得不靠发行”自由”彩票这样带有蒙骗性致的手法来募集资金。 … Continue reading

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maya barkai: walking men

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如今在曼哈顿99 church街头,人们均驻足观赏着艺术家maya barkai 的最新公众装置艺术:行走的人(walking men),99个来自世界各地的交通灯符号组成的人像行走在曼哈顿的一处大型建筑工地四周的防护墙面上,其中包括来自以色列特拉维夫、加拿大温哥华、意大利翡冷翠、黎巴嫩贝鲁特、荷兰乌得勒支以及纽约的各款交通灯符号。该项目与纽约市中心的re:construction(重建)项目和artea项目为姊妹项目。该项目的策展人为Ayelet Danielle Aldouby 与 Elinor Milchan,项目持续至2011年1月15日。   艺术家官方主页:http://www.mayabarkai.com 项目官方主页:http://walking-men.com

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空中的哨兵: 安东尼 葛姆雷的“地平线项目”Event Horizon

安东尼 葛姆雷Antony Gormley, 地平线项目Event Horizon, 2007. 27座玻璃纤维雕塑与4座铁雕, 单件尺寸 189 x 53 x 29 cm. Hayward Gallery画廊授权, 版权归属纽约Sean Kelly Gallery画廊与伦敦White Cube画廊. 展示机构为麦迪逊广场自然公园管理机构Madison Square Park Conservancy 自今日起至2010年8月15日,麦迪逊广场自然公园 Madison Square Park Conservancy里外四周伫立着31座安东尼 葛姆雷Antony Gormley的系列作品“地平线项目”Event Horizon,这也是艺术家在美国进行的首个公共雕塑装置项目。31座一如既往按照葛姆雷本人体型轮廓创作的真人尺寸玻璃纤维铁雕以曼哈顿闹市区的麦迪逊广场为中心,星罗棋布在广场周围的高楼顶端,其中就有大名鼎鼎的Flatiron Building熨斗楼,Empire State Building帝国大厦,the Clock Tower Building钟楼等地标性建筑,人行道上挤满了抬头仰望的行人。《现代画家》Modern Painters杂志的执行主编Marina Cashdan对这位特立独行的英国雕塑艺术家进行了专访。(真艺术网独家译稿) … Continue reading

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