Category Archives: 双年展/艺博会/展览

Time’s Faces

时代肖像——中国当代艺术三十年 上海当代艺术博物馆 2013年8月17日至11月10日 刊载于《艺术界》2013年10月刊 /顾灵   “时代”是个极富魔力的词,将滥觞、追逝与梦想揉在一起;我们生活在人的时代,变动不居的“肖像”指向“人的形象”,仅以“人的形象”来描摹时代。从人的毛发等局部细节到人所组成的社会结构,《时代肖像——中国当代艺术三十年》在上海当代艺术博物馆展出了过去30年来包含“肖像”的中国艺术家创作。策展人李旭将展览分为五个单元,各成主题,从“具体的人”、即对作为单个人的理解与表现,到“身体语言”、跳跃地物理体验与感知,及至“内心世界”与“社会形象”,并以“未来生存”集中展示1975年以后的中青年艺术家的创作。参考个体、群体、内在、外在、过去、未来的混杂线索,作品并非依照编年史、而是以多样的排列组合引出奇特的关联,如徐震的《彩虹》挨着顾德新的《捏肉》。在相对古典与绝对当代的隔空对话中,有大量肖像的对象正是艺术家自己,“自己”并不限于指向那位单个的创作者,而是这批创作者及其同时代的艺术圈内人士和文化精英:从鸟头的日常照片、到邬一名的人物漫画、再到肖全的《我们这一代》,皆是某种暧昧的自恋情愫与超越视觉艺术的文化生态在暗潮涌动。失落却疯狂不回头的飞速工业化、全球化、城市化的社会幕布前,艺术家们的强烈在场感不仅以自我为对象,如方立均、岳敏君、曾梵志、张洹;亦以艺术家同他人的同时在场为对象,如仓鑫、刘小东、喻红;这种在场感也透过艺术家对准他人或“人”的独到眼光呈现,如王劲松镜头下的《标准家庭》或李山人兽合体的《阅读》系列。 观者可以在现场一饱名家名作的眼福,如罗中立的《父亲》,何多苓与艾轩合作的《第三代人》;也会看到艺术家们难得一见的另类创作,如陈逸飞的《真爱》与张恩利的《舞》。 大多数参展艺术家只以一件(组)作品参展,然而仍有不少艺术家以多件(组)作品分别参展不同单元,如方少华、胡介鸣、杨少斌、张晓刚等。且值得一提的是,这场貌似以回顾为主线的大型群展同样邀请到了众多艺术家创作新作品,如邱志杰为此次展览特别创作的《观身不净图》,延续了他近年用地图来叙述含义的表现形式,同他早年的身体观念摄影《纹身》系列邻墙而立,新老作品的点状并置让观众对艺术家的创作演进可窥一斑。 至于为何艺术家的遴选标准根据较为严格的年龄划分,李旭坦言,所谓八零后或九零后的艺术家是否会坚持创作、对中国艺术史的贡献究竟如何,尚待观察。而1975年则是一个相对理性的评判节点。 特别单元之“大芬肖像”则邀请了大芬油画村的画师画自画像,这也是其中绝大多数人首次画自画像。这些曾经未考取美院、或没钱交学费的才子们,代表了被专业艺术体制所嫌弃的创作现象,也直接同艺术赝品市场的消费美学挂钩。 此次对历史的回顾还延展到了整个都市文化界的发展,《新周刊》应邀整理了“三十年小事记”,对同政要事件平行展开的视觉艺术、文学、音乐、电影、戏剧等文化事件进行了诚恳的梳理;这一视野同样体现在精心编排的画册中,吴亮、孙孟晋等人的文字让经常被孤立谈论的视觉艺术有了温暖的文化甚至生活环境依托。 正如展览主视觉的窗格人脸设计所呈现的隐含的表情一样,展览在浅白易懂的线索间编织出了足够丰富的表情。 Advertisements

Rate this:

Posted in 双年展/艺博会/展览 | Tagged , , , , , | Leave a comment

Power beyond the Body

身体之外的能量 撰文/顾灵   视界艺术中心的最新项目《太阳》汇集了总共25位艺术家的作品,其中19位创作了新作。项目在上海逾40摄氏度的八月天展开,由两个群展与三场公共活动组成。   《身体之外的能量》是来自北京的艺术家徐渠此次的参展作品,他以印有太阳照耀光晕的画面将整面墙包起,太阳的位置挖空为一个圆形,观众可以拾级而上,沿着简易的铁制梯爬到太阳的位置俯瞰展厅,俨然变身为太阳成为发光体。这件应题之作将全场的作品带动起来,营造出一个切身可感的能量场。能量是年轻艺术家更易采用的词,映射着他们的活力,正如在同一面墙上展出的林科的装置《Today》(今天)。机械抖动虽是由于技术问题而阴差阳错的效果,却也引人遐思地象征了不稳定的、转瞬即逝、自我重复的当下。   徐喆的录像《等候一只期待进化的鸟》录制了他用高反光的彩色透明有机玻璃制作的带有现代建筑设计风格的“鸟窝”被置于花园树顶的一天。这件本应在James Cohan画廊的花园中长期放置实物的作品因画廊最终退出项目而以录像的形式展出,因而本为艺术家所期待的长期观察过程在这次的作品呈现中隐形。李燎的参展录像记录了艺术家在长途列车上花了3小时后闭眼背诵全是职业操作用语的《列车塞拉门安全操作规程》。这一行为提炼出日常生活的百无聊赖与疲惫无用的无奈奈何,把重复、记住作为其调侃日常荒诞的简单动作,却发人深思。   《太阳》与大多数人数众多的群展类似,主题只为气氛,作品各说各话。不过它有难得之处,在于两点:其一、参展艺术家集合了北京、武汉、上海、杭州等多地艺术家,这样的组合在上海可算少见,他们各自所处的不同的生活环境及艺术圈对其创作的影响竞在展览中读出端倪;其二、与其一相关,有的参展艺术家偏向从艺术史及艺术专业的角度出发探讨问题,如郭鸿蔚、陆平原、李富春等,有的则从生活出发、不拘于所谓艺术性的叙述或表达方式,如上文提到的徐喆、李燎,对他们而言,录像只是单纯的记录与展示方式,还有正在进行《仇庄项目》的李牧等。这些创作初衷与方法上的差别在此次展览中体现得颇为明显,且同样引发了艺术家之间的相互探讨。作为一个由艺术家自主发起的项目,《太阳》没有策展人;除了标题之外,亦无明确的策划主题,而是由陈勇为、吴鼎等五位艺术家及策划人担当协调员的角色,负责邀请艺术家、沟通协调与现场布展方面的技术性协助工作;基本上所有的参展艺术家都自行决定展出哪件作品、及如何展出等。对于参与到此次项目的人而言,它更多提供了一个交流讨论的平台,并随着在民生美术馆举行的三场公众活动达成针对性的深化。   《太阳》的第二场展览在首场之后两周开幕,主要聚集了叶凌瀚、张乐华等五位艺术家的影像创作,在视界艺术的另一空间呈现。    

Rate this:

Posted in 双年展/艺博会/展览 | Tagged , , , , , | Leave a comment

From Hand to Mouth

标题:由手及口 作者:顾灵 原载于《ARTY收藏趋势》杂志2013年5月刊总第17期P62-69 展览:从手势到语言——转型中的艺术表现实践 展期:2013年4月27日-8月11日 主办:上海外滩美术馆,虎丘路20号 说话,是人类独有的能力;鹦鹉可以学舌,但那不过是效仿。说话,是主观的行为,体现表达与交流的欲望;说话的媒介,是语言。语言饱含感情:它时而浪漫,如徐志摩的《再别康桥》,充满着春的绿意与阳光;它时而忧郁,如戴望舒的《雨巷》,编织着朦胧的渴望与湿润的悲伤;它时而疯狂,如菲利普.迪昂的《37度2》,奔涌着冲破一切羁绊的野性与燃烧生命的爱情。语言表达思想:它时而严峻,如卡夫卡的《审判》,人对罪孽的自省被固执的愚蠢所蒙蔽;它时而神秘,如普鲁斯特的《追忆似水年华》,以时间为经、回忆作纬,精密地纺出捕捉过往时光的渔网;它时而家常,如孙甘露的《呼吸》,在人物对白的回合间吐露出日常的现实。语言由口说出,有时对别人说、却仿佛是对自己的肯定;有时对自己说,全然一切诉说都沦为独白;有时对虚空说,在空间中任由诗意的语词漂浮游走,尝试着构建某种实在,却发现永远也赶不上变化。由此语言随着社会的变革而不断改变、转化、更新着其构建:从甲骨到篆书,从文言文到普通话,中文的书写与口语早在全球化的浪潮席卷之前就已发生了翻天覆地的变化;随着互联网的无处不在,社交媒体提供了超快速传播的媒介与平台,语言的丰富性以惊人的速度在削减,它沦为了快速消费的商品,而非智识意义的产品。语言的暴力我们习以为常,语言的懦弱我们听之任之。法国先锋诗人、电影导演让.科克托所痛斥的“我们可说的说得太多,不可说的却说得不够”百年来不仅未得到改善、反倒随着批量化的席卷变本加厉了。 动手,使语言可见的能力;艺术家通过动手,将其思考的语言呈现为文本、符号、图画、雕塑、装置等多样形式。语言不再抽象,而被赋予了形状、展现出姿态,甚而打开了思想可读的维度,更为开放、更多可能。一千个人眼中有一千个哈姆雷特。动手的产物邀请观者进入其诉说的语境,个中关联可由观者自由发现或发明。当代艺术家的当代性,在承袭继往艺术思考与创作的同时,常通过重新访问甚而发明历史,转化出新的视角、生发出新的追问、表达出新的回应。艺术家本不分家,色彩、线条、质感、形态、与空间的关联,都存有人的温度,而这种温度的不同层次在近日开幕的上海外滩美术馆新展《从手势到语言——转型中的艺术表现实践》中挥洒得淋漓尽致。 缘起:乾隆与路易十五 自康熙年间,不乏驻居宫廷的传教士,他们在传播宗教及西洋科学技术的同时,亦向宫廷画师、文官研习诗、史、书画;其中不少来自法兰西的钦点。至乾隆年间,因一套乾隆西征图,引出一段视觉转译的典故。这十六张由乾隆亲笔题诗的征战图,在定稿后由上谕发往法兰西制作铜版;时任法兰西王的路易十五亲命顶尖铜版雕刻大师,依图稿原样雕刻,不苟一丝,显露出17世纪享誉欧洲的法兰西铜版雕刻的高深技艺。这套铜版、携印制的一百套版画被送返乾隆。然谁曾想,这套武功征战图,竟还有第二套铜版,系路易十五命人根据西洋风景画,在笔触上进行了微调,使原本写意的征战图稿更为写实,细节更为具体。二楼展厅的三组六张版画,让观者得以一睹两个版本的真容,并细观个中差异。 惊艳:来自卢浮宫的当代版画收藏 提起卢浮宫,大家的印象总是古典艺术、大师杰作,却料不到这座艺术圣殿也常邀请当代艺术家委托创作并举行展览。这份惊喜,由上海外滩美术馆馆长拉瑞斯.弗洛乔先生得悉于去年访问卢浮宫时结识的爱德蒙·德·罗契尔德收藏馆(Edmond de Rothschild Collection)及铜版雕刻收藏馆馆长帕斯卡·托雷斯·戈尔迪奥拉(Pascal Torres Guardiola)。两人一见如故,于见面当日即开始构想此次展览。卢浮宫在法国大革命期间向公众开放,由此成为欧洲近代史上首座现代意义上的公共博物馆。其公共性在此次展厅二楼呈现的艺术家严培明于2009年在卢浮宫举办的个展纪录片及水彩手稿和自画像版画中得到充分体现。严培明以流质的近乎颓败的单色灰调子,画他临终的父亲,画他自己,在与传统古典作品同台并置的同时,送葬蒙娜丽莎。而三楼展厅环绕一圈的版画则均来自卢浮宫铜版雕刻收藏馆的馆藏,其中尤以马蒂斯的简笔裸女像原刻版、奇奇.史密斯的《夜曲》原刻版为胜,加之居斯帕·皮诺内(蜘蛛网路勾勒出的城市扩张结构)、路易斯.布尔乔亚的《高山湖泊》(抽象的山水曲线间象征家的小房子与随之张扬的身体热望)等名家名作。 转译:阅读当代艺术的视觉表达 二楼展厅正中央从天而降的《魔毯》是学习版画出身的知名艺术家徐冰以其发明的“新英文书法”所编织的文字方阵,其结构借鉴了前秦才女苏慧的回文《璇玑图》。徐冰最知名的创作,一为“天书”,那是20多年前他逐一刻出的四千多个文字经活字印刷排列而成的大型装置,然而与仓颉造字相反,他汲取的并非是对日常生活的综合与概括,而是刻意造出无人可懂的在中文字典之外的、无甚含义的新的汉字;二为“地书”,通过收集全世界机场等公共场合所发布的图像符号,提供普天之下人人皆懂的平等的沟通媒介。两者对徐冰而言,都来自对文字、对概念的既有认识的怀疑,并向往普世沟通的巴别塔式愿景。在此之间诞生的“新英文书法”,以撇捺点划勾勒二十六个英文字母;有人视其将中文转化为英文,但在徐冰看来,则是将英文转化为中文,使书法这一通常被视为汉字所独有的书写形式得到了延展。这一视觉转译的过程亦是艺术家质疑国人对既有文字及与之相辅相成的概念体系的依赖,从某种程度上说来,他创造了某种新的语言,表面上似乎设置了沟通障碍,然内里是对交流的助益。 参展艺术家杨诘苍曾如是说:“我在法国住了二十多年,但不会说法语,只能听懂。因为我不是用话语来思考,而是用视觉来思考。我是一名视觉艺术家。”其作品《遗言》与《我仍然记得…》虽都用到文本,但其存在则完全倚靠视觉。 三楼展厅中央展区里流光溢彩的大型灯光装置《紫色》来自美国艺术家珍妮.霍尔泽,她将美军伊拉克战争期间的尸检报告、关塔那摩虐囚事件的口供笔录等文本设置到19根LED灯管的画面中,并使其不断循环播放,造成如流水般往复不止的印象。持续变化的明亮得近乎刺目的紫色、绿色、红色、蓝色营造出一种引人入胜的眩晕感,艺术家由此将冷酷无情的事实叙说转变为充盈情感。霍尔泽对文本的敏锐触觉是其创作的灵感来源,她常将拿来的现成文本暴露在公众场合,通过放大、投影、重复等方式予以全新的诠释解读。正如美术馆一楼前言墙背面同样来自霍尔泽的另一件版画创作:2009年,她将一段关于自由的宣言投映到卢浮宫的建筑立面,并根据当时的照片亲手雕刻了铜版,不过她作了一个小手脚,在画面的夜空中,添了一轮现场其实并未吐露芳华的满月。 时空:打破时间顺序的观展自由 此次布展的最大特色在于古今并置,所有作品不依照时间顺序或逻辑品类编排,而恰恰将之打破,使古典作品与当代创作穿插出现,邀请观众自由地建立联结。 如艺术家赵学兵以极其细密的线条网络勾画的140名武士肖像(《彩色武士》、《黑白武士》)紧挨着乾隆的武功征战版画,前者是对战争与历史的创造性想象,有脸却无五官的武士们身穿华服、手举兵器,却全然一副茫然拥簇;又如艺术家刘丹的早期绘画《字典》同外籍汉学家为中国所编撰的“帝国”志略,前者以绘画呈现了一本不经意打开的字典,水彩的温润描摹出文字的海洋;另有法国艺术家塞西尔·里姆斯仿中世纪E.S.大师绘制的以动物形象勾勒出的字母同弗朗索瓦.莫尔莱的霓虹灯装置《哀恸——直径6.5米》,后者将八段等弧型的橘红色霓虹灯管首尾相连,从四楼展厅的天顶悬垂而下,好像是字母向空间探寻着其自身的形状…… 关联当然远不止如此,亟待观者带着发现的眼光、好奇的心和各自的个体经验与知识,启动探索的旅程,在六层楼的展厅之间、五十七件作品之中、洋溢着思考芳香的语言空间里,体会由手及口的表达、转变与意义。

Rate this:

Posted in 双年展/艺博会/展览, 古典艺术 | 1 Comment

Lift with care by Hu Yun

轻拿轻放 艺术家:胡昀 展览时间:2013年4月13日 — 4月30日 展览地点:艾可画廊 主空间,上海莫干山路50号1号楼2楼 本文刊载于《艺术时代》 胡昀作为艺术家,希望通过其创作的呈现,激发观众的自我解读,并有意识地对这种解读给予一定的引导。对胡昀而言,创作本身与其呈现是不可分割的,在作品被构想的过程中,其呈现方式亦随之生长。而展览的落成,并非创作的终结,而是艺术家近阶段创作挣扎的诚实展现;这种挣扎,是艺术家怀疑的过程,怀疑才会导向新的问题。虽然艺术创作内容上很难有可称之为全新的、史无前例的创造,且展览形式无论如何在细节上推陈出新却毕竟脱离不开空间陈列,则这新的问题,或观察问题的某种新的视角,应是艺术家创作的价值所在,而其对象,不仅是艺术家本人,亦是观众。   胡昀是一个敏感的人,这种敏感体现在其长期绘画创作中细腻的画面感,以及胡昀创作过程中常可起到决定性作用的偶然性。也恰是这种敏感,使历史同记忆对胡昀而言显得特别需要有话去说。“历史的联接和断裂激发艺术家反思自我的身份性,并向自己所身处的文化观念以及孕育和推动这种文化价值观和各种冲突与错位的机构体系发出诘问。”[1]历史是被构建的,自然从某种程度上也被历史所构建,而其终极的构建者,自然是人。不论是探险者、抑或实业家,不论是否真的身体力行外出远游,抑或只是徜徉于脑海的漫想,这种旅程以及向未知的探访都会留下痕迹;而这种痕迹,是书写、诠释历史的素材。胡昀自2010年在英国自然历史博物馆和GASWORKS的考察入驻以来将“一个自然历史研究计划”作为持续进行中的线索,从自然历史的角度展开个人研究与实践创作,并以实物、文字、虚构史料、假造文物、口述等媒介呈现、转换、诠释这些素材。   “轻拿轻放”是对易碎物品在旅行前的善意标识。在此次展览中,他以摄影重访了米开朗基罗西斯廷天顶画中“乾坤始奠”的对指,两幅黑白背景的细巧插画,托代购从德国淘宝回来的旅行箱(其中是几张关于某支宗教的拓片,和插在褡裢上的一支状若十字耶稣的风干牡丹),幻灯片响亮地更新着今年开春的一次短途旅行(是对胡昀祖父闪烁回忆片段的重访),一张貌似没有特定起点、终点与地理标记的机器缝纫地图线路的帆布(与早年一支外国探险队在中国西部考察的经历有关),及转角吧台(按铃后,画廊工作人员会走来向你讲述一个由胡昀构想的浪漫故事)。这七件作品并未设有固定的逻辑顺序,观者在吧台听到的故事也会因人(工作人员)而异;作品个中的背景、细节,观众自然无从得知。在这散落的视觉呈现与空间布置中,胡昀试图给予一个开放的讲故事的环境,邀请观众联系个人经验及理解,读出各自的故事,它可以与历史有关,或也无关紧要。   [1] “惯例下的狂欢”项目之二——胡昀个人项目“我们的祖先”,歌德开放空间,2012年11月02日-12月1日。

Rate this:

Posted in 双年展/艺博会/展览 | Tagged , , , , , , , | 1 Comment

Art Stage Singapore

新加坡艺博会快报 by Iona From Randian Translated by Ling 在新加坡复艺术画廊早午餐 今早,为庆祝复艺术画廊(Art Plural gallery)最新Fabienne Verdier个展开幕,一众贵宾齐集画廊共享美味早午餐。艺术家也亲临现场介绍其出人意表的绘画手段:巨大的笔刷一端通过弹簧固定在天花板上。向本已熟络的藏家们展出这些售价不菲的作品大可不必如此大费周章。 首届“天壤之别”艺博会在新加坡港丽酒店开幕 今明两天,首届“天壤之别”艺博会在新加坡市中心的港丽百年酒店的贵宾厅拉开帷幕。该艺博会瞄准更小范围、且出手相较Art Stage更小的本土藏家。酒店的23-24层楼俨然变身为迷你画廊,展出了不少作品,但感觉平易近人得有些过了头。画被索性放在床上或镶在玻璃窗上,甚至有些画廊竟然还能把画弄到厕所镜子上,真亏他们做得出。参展商大多来自韩国,以Mizuma Gallery画廊的创始人及总监Mizuma Sueo为首,他在24层楼也有画作展出。 新加坡美术馆藏家展“历史的分量”开幕 藏家、画廊主、艺术家与其他人等昨晚在新加坡美术馆的藏家展“历史的分量”开幕式上云集一堂。在这座殖民时期遗留下来的美好庭院,大家刚开始都一心等吃的:地方特色的叻沙、烤串和甜品(所有人都忙着吃,好像大家都在等待艺术慢悠悠抵达马六甲海峡)。好吧,肚子填饱后,大家一窝蜂涌进展厅,佯赏优美的布展与来自李松松、徐冰、Aisha Khalid、Yee Sookyung、Shilpa Gupta与Sudarshan Shetty等艺术家的杰作。不过话说回来,叻沙还真的蛮好吃的。  

Rate this:

Posted in 燃点Randian, 双年展/艺博会/展览 | Tagged , , | Leave a comment

Residence:Artists from Brazil and China

居住地-来自中国和巴西的艺术家 刊载于<艺术界>LEAP2012年12月刊 /顾灵 策展人阿尔方斯·胡格(ALFONS HUG)是个德国人,他早在上世纪80年代就开始任职于歌德学院,先后在拉各斯、麦德林、巴西利亚、加拉加斯、莫斯科担任当地歌德学院的院长,现任职于里约热内卢的歌德学院。“金砖五国”中他占了三个。两年前,他开始策划“金砖五国”系列项目,起点选择在中国展示中国及巴西艺术家的创作。 展览标题“居住地”并非出自地域文化差异及地区历史背景对创作影响的考量,但无可回避“金砖五国”的提出背景即经济命运。“贫穷艺术”的传统在表面不差钱的当下占据主流,廉价材料与日常物品因其唾手可得而琳琅满目。参展艺术家多从日常生活中撷取一景,以“获得观众的共鸣”,“重要的是生活”。 主空间,声音充满着现场。昆曲青衣尖细的吟唱让玛丽娜·瑞纳兹陷在《沼泽》中的卡车陷得更深。玛丽安娜·曼赫斯的视频装置《因此(珍珠形花瓶)》被围在12边形的区域内,中央的圆球上投影着一个调皮的罐子,她像皮皮洛蒂·瑞斯特那样发着怪腔,震颤、抖动、翻滚意味着她不稳定的存在。田蔓莎从不时充气鼓起又泄气瘪下的塑料袋装置里读出人的呼吸,于是青衣穿上塑料膜裁成的戏装,咿呀哼唱回应着珍珠形花瓶口齿不清的叫嚷。 H空间,声音充满着现场。涤荡的钟声与嘈杂的按摩椅噪音隔空辉映,展厅中央的两间相邻放映厅将空间写成“回”形,“回”的外围满是图画:地下涂鸦与局部摄影间隔出《洞穴》,张恩利的《柜子》仿佛嵌入了墙,男女交替勾勒身体轮廓的行为影像,梁伟的地景图无所谓开始或结束,金闪《一个人的岛屿》是艺术家歇斯底里孤独生活的写照,倪俊的组图拼出日常的样貌—脱下的衣裙、纠结的裤袜、散落的花叶、过往的季节、路过的活物或亡者。放映厅内,《被颠覆的青铜钟》来自巴勃罗·罗巴托,一群年轻人将山顶的雕花大钟翻转过来并持续翻转,悠远的钟声随年轻人波浪般快速的运动变得焦躁,轮番上阵前的祷告手势暴露出这是出违禁行动。最初将大钟颠倒过来的人将自己的整个身体荡在半空,观众也为之捏把汗。这响亮的故事讲述不时被按摩椅的吵闹震动打扰,隔壁施勇的《默片》也因同样的打扰无法静默,唯晃动的水瓶与铜钟的翻滚有着近似的节奏。前者的强烈与后者的无聊一同指向日常的虚空。 两地文化交流类对话展的沟通无效稀松平常,展览设计亦不过作品罗列。作品各自讲述的故事内容被减少到最低,而审美的呈现扩张。在如今艺术家广泛参与社会实践、或深入探讨观看方式的普遍中,此场展览相对单纯地构建起审美及生活的联结。生活在此处坍缩成一场嬉戏,一段放慢的黑白街景,一种赤裸的享受,一些日常物的形态,一点距离,一片空想,一团廉价的色彩与光亮,一口呼吸。

Rate this:

Posted in LEAP, 双年展/艺博会/展览 | Tagged , , , | Leave a comment

Formant

Foreword 今日声音:洗衣机的滚筒、水池里浸湿的羊毛衫拎起来滴水的声音、绞干时更大的水声、楼下小娃娃石头剪子布的欢喜叫喊、电子烧水壶的呼呼声、微波炉的长嗯声、万户捣衣声(瞎来了)。 For English Please Roll Down 《共振峰——从聆听之形式到形式》 “声音艺术”—— 一个艺术用词、一种艺种学上的艺术形式分类,在2000年后的中国越来越多地被不同文化背景的群体所提及。无论是实验音乐界、当代艺术领域、媒体还是普通 大众,“声音艺术”都成为一个热词。但是“声音艺术”又显得指向不明。这表现在其定义、认知、批评、艺术谱系梳理、展览表演组织、理论体系建立等诸方面的 缺失。就其原因,是因为在以视觉文化为基奠的大文化背景中,我们面对“听觉”的失语。 2011年,同为声音艺术家的Luca Forcucci 和殷漪开始筹划声音艺术项目,意在通过展览、讲座、演出、艺术家交流等活动为“声音艺术”在中国健康生态的建立做一些工作。 《共振峰——从聆听之形式到形式》是此次声音艺术项目的主体展览,展览期间将邀请中外艺术家展示其最新的声音作品。通过作品的展示,不同文化背景下的艺术家对于作为材料、媒体、美学、观念的“声音”的思考、研究、工作方法将共时地并置呈现。 共振峰 共振峰(Formant)是一个电声学术语,是指复合声(complexsound)的声音频谱(spectrum)中能量相对比较高且对于声音特征具有意义的频率(frequency)。每个声音都有其独特的共振峰,共振峰对声音的音色和音质有着决定性作用,分布和强度的不同导致了声音特征的不同。共振峰的形成除了取决于声源的振动特性,还与声源的共鸣腔(resonator)和共鸣环境息息相关。 使用共振峰作为展览的名字,更多的用其隐喻。今天展示在这里的艺术家作品就是“声音”这个基础频率(base frequency)上的共振峰。差异的相遇便是整体的特质。同时在这些作品与“声音艺术”甚至是大写“艺术”的共鸣环境的关系中我们也许能够尝鼎一脔。 参展艺术家 Lawrence English (Australia), Luca Forcucci (Switzerland), 颜峻,殷漪,张鼎。 地点:视界艺术中心 VART CENTER , 莫干山路50号3号楼210 (视点空间) 展期: 3月30日至5月24日。 开幕:3月30日19:00。 展览包括两场由参展艺术家组织和参加现场声音表演。 演出:3月30日19:00。暨开幕表演。 4月14日15:30。 … Continue reading

Rate this:

Posted in 音乐, Seminar论坛/讲座/对访, 双年展/艺博会/展览 | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

A Real Fiction

一部真实的小说 香港 Saamlung画廊群展 “没人听见你尖叫” 文:谭雪 译:顾灵 From:Randian “没人听见你尖叫 (No One to Hear You Scream)”, 陈建荣, 高伟刚, Frank Havermans, João Ó, John Powers, Piers Secunda, 和 王耀华 群展。 Saamlung (香港中環幹諾道中68號華懋大樓26樓)。2012年2月17日至3月31日。 開幕: 2月17日星期五, 18:00 - 21:00。 新拃入香港艺术圈的Saamlung画廊二月正式开幕的首个群展“没人听见你尖叫”(”No One to Hear You Scream”)展出了多组绘画、数码版画、摄影与雕塑。展览通过对科幻小说的审美挪用展开对由物件生成的空间之潜在探讨。展出的一系列物件对由空间生成而引发的哲学问题起着某种解决方案类的作用。 观展旅程始于陈建荣工业色调的抽象建筑绘画系列。第一张“燃烧”(”Burning”, 2006)的亮蓝同展墙对比鲜明,钦在蓝色之上的数道黑条暗示着典型城市空间的交叠。这一并列同其丰富的肌理与韵律又和仅被数道黑条干扰的平面产生对比,这稍稍增强了画面构图的透视感。同一系列的其余两幅画作虽然看着好像有种未完成感,但也包含着同样强烈的空间建构感。负空间、勾描线条与滴落的颜料让观者得以创造各种不同的视觉联想,辨认各种不同的块状形式,同时前景中大块的色彩与坚决的笔触表现出某种特定的完整感。该绘画系列作为艺术家对建筑形式与空间的一组研究,检视了描画摇曳城市图像的美感。 接着是荷兰艺术家Frank Havermans (“TOFUD # … Continue reading

Rate this:

Posted in 燃点Randian, 双年展/艺博会/展览 | 1 Comment

Model Home: 2012 Michael Lin at RAM

样板屋:2012林明弘 展览时间:2012年03月10日— 06月03日 主办机构:上海外滩美术馆 艺术家:林明弘、犬吠工作室、李翔宁、程然、B6(楼南立) 策展人:赖香伶、亚历山德拉·孟璐(Alexandra Munroe,协同策展人) 研讨时间:2012年3月10日14:00-17:00 主持人:赖香伶 发言人:长谷川佑子(东京都现代美术馆总策展人) 姚嘉善(独立策展人、评论家) 李翔宁(同济大学建筑与城市规划学院教授) 参与者:林明弘、程然、楼南立、王长存、许宇、顶楼马戏团、照骏园 “本次展览的灵感源自于上个世纪初同期发生的上海外滩美术馆的历史,和强调艺术的社会功能性的包豪斯宣言,也是在当代社会现实下对这一艺术史上的重要信念的回应。” 展览标题从原定的“样板屋”变更为《样板屋:2012林明弘》,高亮强调了展览作为林明弘个展的基本性质。而展览本身的呈现,除了来自主角艺术家林明弘贯穿美术馆六层楼建筑内墙的条纹壁画外,却更多地让观众看到了来自多方合作的“填充”或“占位”。林明弘为此次展览亲自邀请到多方人士助场合作:与日本建筑团队犬吠工作室(Atelier Bow-Wow)合作设计工棚(即标题中“样板屋”的所指);与从未做过涂刷工的工人合作,令其根据花纹设计样稿在墙上勾描涂画;与木作家具商合作,令其根据家具设计样稿生产木制桌椅;与同济大学建筑与城市规划学院的李翔宁教授和其学生团队合作,借展览空间展示其调研项目“上海制造”;与影像艺术家程然合作,后者创作了十件录像作品,布置在展厅各处;与声音艺术家B6(楼南立)合作,后者依照壁画花纹的建筑平面图创作了展览的“主题曲”。 回望上海外滩美术馆自2010年成立至今的所有展览,从蔡国强、曾梵志、日以继夜(侯瀚如)到张洹、林明弘,每一位都站在目前国际艺术圈知名度、美誉度的高度前沿。有鉴于美术馆的地理考量与历史背景,每一次展览都几乎围绕着外滩美术馆的建筑本身而展开:其中国首座博物馆(亚洲文会)旧址的身份,由戴维·奇普菲尔德(David Chipperfield)操刀改造的当代历史空间,坐落于洛克·外滩源的地理位置。此次展览亦不例外。开幕前臆想中整栋楼被林明弘标志性的“花纹”所覆盖的情形并未出现;正如媒体发布会上来自Global Times的记者坦言,乍看上去这是一场非常“干净”的展览。所有作品都或多或少地融入了建筑空间本身,从而去除了某种“展览的堆积感”。这位记者后来将“干净”引向了被净化过的“工棚”与其保留工人生活痕迹的内景,但这一形容词同样适用于整场展览。 城市·建筑·生产 展览主题延续了林明弘既往定制展对“本土性”的关照,“城市、建筑、生产”三个关键词在上海这座城市特别具有标识性,从立意上无可厚非,甚至可圈可点。 城市是生活在当代城市中的人们心中永远的痛。如果读过卡尔维诺《看不见的城市》的人,或许会对这句话有更深层次的理解,正如此次项目的参与者李翔宁。“这些城市是众多事物的一个整体:记忆的整体,欲望的整体,一种言语的符号的整体;正如所有的经济史书籍所解释的,城市是一些交换的地点,但这些交换并不仅仅是货物的交换,它们还是话语的交换,欲望的交换,记录的交换。 …构成这个城市的不是这些,而是她的空间量度与历史事件之间的关系…”[i]断章取义总是不可取的,卡尔维诺这本书的结构本身即是一种充满形式主义的探索与尝试,然而这段对城市的描述放在40余年之后的今天依然适用。尤其在超级城市之如上海,移民作为其主体在这里打拼未来,尚不及收拾乡愁,乡愁早已随风飘落不知所往。若有附身于某位高楼建筑工人的可能,当其来回于某摩天高楼即将完工的塔尖,在工作时小走一下神(正如程然的诗意提醒)鸟瞰一眼脚下的城市全景,心中是否也会慢慢生长出一个卡尔维诺来? “本展中的‘工棚’是由塚本由晴(Yoshiharu Tsukamoto)、贝岛桃代(Momoyo Kaijima)所领衔的日本实验建筑设计团队‘犬吠工作室’(Atelier Bow-Wow)的作品,是为壁画工人所定制,供其在布展过程中居住。展览筹备期间,该建筑被摆放在洛克外滩源两幢历史建筑之间的狭小空隙中;开幕前,这些保留着工人生活痕迹的临时居所被移入美术馆内,成为展览中的装置作品。工棚的规划和运用显示了犬吠工作室在城市现象研究中的现实关怀和智慧;同时,代表着辉煌的城市化进程背面的工人群体的生活空间在艺术的‘殿堂’中的出现,不仅为观众提供了具有现场真实性的观看体验,也是林明弘思考艺术家角色与社会实践的具体行动。” 谈及艺术家在社会实践中具体行动与所扮演的角色,在上海当代艺术馆“怀念——东亚当代艺术展”同期举行的论坛上,日本艺术家椿昇(Tsubaki Noboru)在介绍了一些艺术介入社会的实例后说“艺术家是需要社会中许多非常复杂的力量作支持的”,但同时“艺术家仍需保持独立”。在“样板屋”展览开幕后第二天的论坛上,长谷川佑子、姚嘉善与林明弘本人通过PPT中大量的图片与简单的介绍展示了林明弘遍布世界各类艺术机构的定制项目,大面积的色彩斑斓的花朵纹案遍布墙面、地面、建筑立面或自成结构,从俱乐部的餐桌到私人会所的壁纸,从椿昇和林明弘都提及的十和田现代美术馆(Towada Art Center)中的厕所室内设计到夏威夷的网球场地面,不一而足。这些好比艺术家个人标签式的花纹蔓延出浓烈的装饰审美趣味。同文艺复兴时期大师们的工作方式相似,这些花纹均由林明弘在当地招募的工作团队手工绘制,保留了其绘画过程的时间投入与人工价值,然而其波普艺术的内核依旧昭然若揭。 这次的上海之行,林明弘招募的团队变身为没有描画经验的工人,他们中有些是建筑工,有些做过快递,来自五湖四海。工人们依照美术馆墙面上由林明弘团队打好的纹案样稿“描红涂色”,线条从一楼的单一交错到六楼的丰富纹案,颜色亦由少到多、由深入浅。林明弘将工人带入美术馆空间中,但并不像宋冬那样让工人被赤裸裸地注视观看,而是让其描画笔触保留在墙面上,作为其艺术制作的痕迹供观者欣赏。 在程然位于展厅二楼的两个录像投影中,分别记录了一名壁画工人和一名建筑工人在一个多月中的工作过程与休闲状态。不夜城遥遥灯火的近景处是百无聊赖抽着烟的风尘脸。画面中有几个镜头捕捉了工人们在现场合影留念、用手机拍下伙伴工作状态的瞬间。工人们睡着那床纹案被抽象到墙面上的棉被,是否会在乎潜在的对自身身份的讨论(如策展人赖香伶所言“相对的真实”而非“阶级”)?他们在备展的数月中居住于犬吠工作室设计的工棚中,在交叠的木板床上开夜谈会,透过床头的一方小窗看两侧楼宇立面上夜的脸孔,在联体屋的透明中庭打牌抽烟,或爬上屋顶平台在漆成蓝色的屋顶下享受独处时光。这座被搬进美术馆展厅和顶楼天台的样板工棚被艺术家期待能够投入批量生产,但在如今上海遍地的联排房般的工棚宿舍六人一间甚或更挤的格局是否会被这套理想化的“样板”所取代呢?如果组织上海各大施工公司工会的负责人前来参观展览,那我们倒能听听这些决策落实者的意见。 如果再怀念一把文艺复兴时期的工作方式,那达芬奇的维特鲁威人(Vitruvian Man)与勒·柯布西耶(Le Corbusier)的人体测量建筑比例方法(Modulor)或还与犬吠的“行为学”(behaviorology)有共通之处?豆友duan在评论犬吠工作室的《后泡沫城市的汪工房》(Bow Wow From Post City Bubble)一书时说工作室的设计与其名字犬吠“汪汪”是相通的:“简单、直接、朴素有趣味”。这次工棚的制作材料其实与普通工棚一致,想必并不是因为美术馆的展览预算有限,而是切实考虑其可行性。 … Continue reading

Rate this:

Posted in ARTS, 双年展/艺博会/展览 | Tagged , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

The City and the Psyche

城市与精神 关于Michael Lee的互动壁画“复习·练习之二”(新加坡艺博会汉雅轩画廊展位) 2012年3月7日 文:凯瑟琳 (Catherine Freeman) From:Randian 新加坡艺术家李鸿辉(Michael Lee) 的互动壁画“复习·练习之二”(Revision as Exercise 002)在2012年新加坡艺博会汉雅轩画廊展位作为唯一一件参展作品展出(2012年01月11日—15日,新加坡滨海湾金沙)。 凯瑟琳 (Catherine Freeman):我的教育背景是设计,我非常欣赏您那些富含建筑学与设计意象的作品。请问建筑设计为您的创作带来了怎样的灵感? 李鸿辉 (Michael Lee):无论是在平面设计、建筑设计还是城市规划的语境中,我发现设计语言都非常令人着迷,因为其中特定的布局感与精密性。除此之外,我同样观察到了一种以系统性、科学性的方式与设计相关联的感觉,设计在被潜在地故意利用或操纵时可能会以牺牲个体为代价。同时,设计语言中的硬性死板也会潜在地导致某种项目发展或个人成长中的问题。 凯瑟琳: 请您介绍一下“复习·练习之二”这件作品,特别是在您刚才提及的设计语境中。 李鸿辉:我的很多创作都是围绕来自不同事物的价值去解析,如空间、人的状态、城市起落等。有时我们会为拔地而起的摩天大楼感到骄傲,与之相反,一栋看起来老旧、可能还会闹鬼或早被遗弃的建筑常与某种失败相联系。因而我的兴趣恰恰是存在于人类意识边缘的空间与结构,罗伯特·哈比森(Robert Harbison)在其《已建,未建及不可建》一书中也曾提及这一点。他说我们可以感到某人的骄傲,同理我们可以觉察城市的规划与呈现。所以其实近几年我着迷于“失败”这一提法,不仅就个人现状及改善而言,亦关乎建筑及城市实践。  “复习·练习之二”这件作品的初衷是想创造出某种既完美又完全混乱的创作。起初我摸索着试图创作一组双面雕塑,也就是说,从一面看是人体的雕塑,但从另一面看,可能这些肢体部分残缺损坏了。最终,我决定创造一种全新的拼贴形式,让观众也参与进来。我从与这一选定媒介相关的关键词入手——当时我写道,“好吧,我要这个作品是互动的,但又是拼贴的形式,并且我希望它是一组装置,而非可携带、挂起来的一幅画或一件雕塑。” 自此,我决定创作一件原本特别完美、但在展示过程中却被观众大幅美化或毁坏的作品,这太酷了。在创作过程中,我回想起一种小人书:打开是一片空白的风景,书里附有各种人物与物件的小纸片,读者可以把它们加到那片风景里。于是我从对空间有转变感的图像开始。我一直很仰慕芮内·玛格丽特(René Magritte)。在答谢的开头我就说,创作一件妥帖的致敬之作是不可能的,根本不可能超过他,但反正我还是想挑战一下这种不可能。

Rate this:

Posted in 燃点Randian, 双年展/艺博会/展览 | Tagged , , , | Leave a comment

“What the Fuck is Birdhead When It’s At Home?!!!”

“鸟头他妈的到底是什么意思?!!!” 艺评家葛思谛对话Paul Gladston 2012年2月21日 文:葛思谛 From:Randian “我们好漂亮,喔好漂亮…啊,现在我们无所谓!” --性手枪乐队(The Sex Pistols)     Paul Gladston: 鸟头(Birdhead)他妈的到底是什么意思?!!! 葛思谛: 他们是…鸟头是摄影师宋涛和季炜煜共同创作与展出时用的一个名字。顺便告诉你,涛和炜煜…是他们的名… PG: 我不确定,谢谢你告诉我。 葛: 好吧,接着说…涛和炜煜出生在上海。他们都于2000年毕业于上海工艺美术学院,如今他们都生活并工作在上海。炜煜去了英国伦敦的圣马丁艺术学院读硕士,于2004年毕业;而宋涛一直待在上海,作为一名摄影与录像艺术家持续创作。在涛的创作成形早期,他有点愤青,看看他的早期作品…如今他平和多了。 PG: 他们什么时候开始以鸟头的名义合作的? 葛: 涛和炜煜于1998年在学校相识。两人于2004年开始正式合作。炜煜初中时就开始拍照。涛20岁时用一台炜煜借给他的相机开始拍照。2004年6月,他们花了一个月的时间共同拍照、洗片子。这些照片的主角是涛和炜煜自己,及其生活周边。这些照片被编辑成一本摄影书《夏初》——鸟头就这样诞生了。 PG: 很诗意。为什么取名叫“鸟头”? 葛: 标准答案是:当时片子拍完后,要存在电脑里,需要在桌面上有一个文件夹,给它命名时,就在中文智能输入法上胡乱敲了一下键盘,跳出来的正好是“鸟头”。这个词的上海方言发音有层很低俗的含义…艺术家嘛,你懂的。 PG: 我不懂。看上去他们不过是给自己拍照、给朋友拍照。看上去和那些恶心的社交网站一样。就像反资本主义游行中小屁孩在燃烧着的车跟前做V字手势留影…诸如此类。谁都能做。这根本不是艺术。 葛: 技术上来说,确实谁都能做。你看过托尼•汉考克(Tony Hancock)的电影《叛徒》(The Rebel, 1961)吗? 我喜欢自行车和奶牛的那一幕…还有“形状主义”(shapism)…靛蓝色的八角茴香,多滑稽啊。80年代,我和在上海的一帮朋友一遍又一遍地看这部电影的盗版碟。我们还看亚利克•基尼斯(Alec Guinness)主演的影片《马嘴》(The Horse’s Mouth, 1958)——影片中的画作与之后朱利安•施纳贝尔(Julian Schnabel)与大卫•沙勒(David Salle)的作品都太相似了,简直不可思议。[笑] PG: 他们甚至在影片首映的时候把作品都挂到画廊里,让观众跑那儿去看。那时候多乱呀…一堆烂摊子。 葛: 对,2007年在上海比翼(BizArt),当时展览的标题是《欢迎再次来到鸟头的世界!》你肯定知道前卫主义与后前卫主义对艺术与生活的多番挑拨离间,或按时髦的话说,比如 Nicolas Bourriaud 的那套“关系美学”(relational aesthetics)? 本土群体的互动复兴与艺术性的介入是对社会经济与文化主流话语形态的抵制。如果你并不熟悉当代艺术批评理论,那你也可以代入南•戈丁(Nan … Continue reading

Rate this:

Posted in 燃点Randian, 双年展/艺博会/展览 | Tagged , , , , , , , | Leave a comment

The CAFAM Biennale Hit-List

CAFAM泛主题展热点榜 文:爱安啊 Iona Whittaker / 2012年2月17日 译:顾灵 From:Randian 首届中央美术学院美术馆泛主题展“超有机”, 中央美术学院美术馆 (北京市朝阳区花家地南街8号)。 2011年9月20日至10月30日。 策展人:王璜生、皮力、郭晓彦、王春辰。 CAFAM (中央美术学院美术馆)的宏大叙事集成了纯粹兴奋与斯多葛主义(stoicism)。为了首届双年展,美术馆弧形空间中呈不同灰色的坡道、过厅与转角都填满了大量不同媒材的作品——有些记忆犹新,有些过目就忘——都因同一宏大主题齐集一堂。何况这也是进入北京画廊视线的可能门廊,整个展厅弥漫着CAFAM的陈年旧事。 巴什拉 (Gaston Bachelard, 1884-1962)在自然扇贝上的书写可能是美术馆的设计参照 ,但被愚弄地挪到中央美术学院来变成了“蜗牛壳”。巴什拉的开山之作《空间诗学》(The Poetics of Space)透过文哲的多棱镜优美地阐明贝壳的灵光;即便作者文思泉涌于贝壳的规则几何形状与图形潜能,美术馆形状的不规则与展品的多样化仍然同根同源。巴什拉探讨“蜗居的现象学”及其插上文学与艺术的想象羽翼后,出其不意的生物如何从贝壳里诞生。举一反三,在央美美术馆的贝壳展馆中我们不难发现各自迥异的惊奇之作。书中对贝壳活力内在的描述并陈于那僵硬不动、死气沉沉的外表。这一图景也可同样类比于藏在美术馆四壁中的创意存在(除了建筑师的雄心之外,建筑本身从视觉上并不怎么有“活力”。)如果这个诗意的懒腰伸得还算有礼有节,那观众完全可以期望在CAFAM的建筑外壳中找到引人入胜的艺术作品,个中关系正如表象与内容。在北京普遍商业驱动、厂房集中的艺术界里,来这样的建筑看展览其实是加分的,增添了来人的兴致。感觉几乎走入了巨人的身体算是个恰当的比方,因其呼应了首届中央美术学院美术馆泛主题展的主题“超有机”。 展览环绕“机器”、“城市”、“身体”、“生命政治” 四种“有机”形式展开了四个展览单元:“超机器”、“超城市”、“超身体”、“生命政治”。策展人称从“有机体”的概念出发,碰撞某种“超越的境界”,由此颠覆固有的认知方式,不断扩大艺术的疆界。这么一来,四项分主题被归入“超有机”的原因恰在于,时至今日每一主题皆因“超越”而不断被扩大疆界、又不断地产生新的知识话语。这是段拗口的介绍。可能说得直白点,就是当下周遭的一切都被拓宽并改变了——包括艺术在内。从参展作品的整体看来,包含一些探讨社交互动与古怪行为的诡异生物类作品,然而有时这些作品也不失机智。笔者列出展览的热点榜,仅供参考。 隋建国, “有限运动”, 装置, 2010 (左图)。 在CAFAM入口桥下方的水泥地上立着一个八米长的铁箱子,盖着墨绿色的防水布,被锈迹斑斑的脚手架包裹着,透出军旅帐篷的气息。从中发出某种重物滚动敲击箱壁的巨响及其震颤着的回音,引人瞩目的同时令人不安。从某种角度看,作为非审美对象而言,作品不无颠覆性,它与主展区起始处相距甚远,一旁咖啡厅里的客人也会不禁隔窗凝望。帆布遮罩之下,观者可以在一侧的墙上发现眼睛刚能够上的小洞。透过洞往箱子里看,一只巨大的铁球正朝自己攻来,观者好像真被砸到一样惊吓坏了,随后铁球又朝回滚去,如此往复。震惊与混响把观者卷入一场嘲讽性的推/拉游戏,以此成为整场展览中让我最印象深刻的作品之一。 马修•巴尼(Matthew Barney), “绘画局限14”, 录像, 2006 (右图)。 只见马修 巴尼穿了一身军服绑在一根从旧金山现代美术馆(San Francisco MoMA)的天花板吊下来的绳索上,正用炭笔在墙上画着。这是巴尼始于1987年的长期项目“绘画局限”的第14件作品,该系列项目旨在研究运动发展与艺术创作之间的关系。项目灵感来自巴尼早年接受的体育训练,后者通过持续增量的约束与重建来塑造发达肌肉。项目的最早雏形应该是艺术家用各种电线将自己五花大绑后往工作室的墙上画画;这一非常私人的模型让他开始理解过程中所涵盖的审美形式的发展。尽管作品局限与其早期实验相比减少了,但影像中吊着作画的艺术家形象依然佐证着巴尼对简洁与表演的理解深度。 张辽源, “泰坦尼克”, 录像,2008。 … Continue reading

Rate this:

Posted in 双年展/艺博会/展览 | Tagged , , , , , , , , , , , | 4 Comments