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Walk from the valley to the city, outdoor art in action

从山谷走进城市,户外艺术在行动 From TANC 艺术新闻中文网 始于20世纪60年代的大地艺术运动强调回归自然,以超越人身尺度的规模进行创作;而随着城市化的拓张,人群聚居的公共空间为户外艺术提供了越来越多的展示机会。从1970年代落基山谷的传奇巨帆,到洛克菲勒广场门前的“蓝色浴缸”,户外艺术挣脱的不仅是“白盒子”的束缚,也在寻求与公众之间更大范围的对话。《艺术新闻/中文版》本周聚焦“户外艺术”,回顾这一艺术形式如何从空间及与观众的互动性上,为创作开辟更广阔的天地。 ▲ 郑波《稊地》(2016),野草、土、昆虫、微生物,图片来源:南京四方当代美术馆 今年6月初在南京四方当代美术馆开幕的“山中美术馆”覆盖了佛手湖畔一整片林野,参展艺术家在山水间创作,作品出入于自然景观。馆长陆寻称“将策展降到最低,是将自由还给艺术家”;对艺术家们而言,离开艺术场馆、回归自然进行创作似乎也确实给他们带来了自由和挑战。于今年7月初在英国卡斯雕塑基金会(Cass Sculpture Foundation)开幕的中国当代艺术群展“无序之美”(A Beautiful Disorder)同样是委托艺术家在英国乡村的氤氲林野间定制创作,在西方语境下回望中国园林传统的同时延展对雕塑的定义。 户外艺术于观众而言,与展示在封闭的白盒子内的艺术作品相比,在开阔的空间中不仅能更敞然地与他人共享艺术,或许更可收获一种新鲜、个体、私密的观看体验。正因艺术创作与展示的空间与环境不同,艺术家创作过程中对艺术可能性的探索,及其对社会、公众参与性的激发也随之拓展。 从大地艺术到城市空间的公共艺术 – ▬ – 始于20世纪60年代的大地艺术运动可以说是对人造环境的拒绝,回归自然、以超越人身尺度的大规模进行创作。他们中的大多数作品是永久性的,好像要在地球上留下存在的标记。一些位于荒郊僻野的作品,常年累月受到自然环境的影响,自身的形态也发生了变化,成为了运动中的作品。最著名的例子当属罗伯特·史密森(Robert Smithson)在1970年于美国犹他州大盐湖北部造的螺旋防波堤,随着长年来的水面变化,防波堤的形态也时时改变。 ▲ 罗伯特·史密斯森《螺旋防波堤》(The Spiral Jetty)(1970),美国犹他州大盐湖,图片来源:纽约公共艺术基金会 随着城市化的拓张,人群聚居的公共空间提供了越来越多的户外艺术展示机会,从海德公园里亨利·摩尔(Henry Moore)的雕塑,到约瑟夫·博伊斯(Joseph Beuys)始于1982年文献展的“7000棵橡树”计划,公共性的概念被广泛讨论,并由艺术家通过雕塑、装置、表演、行为等多种形式的艺术创作加以延展。 ▲ 博伊斯在1982年3月16日在卡塞尔的弗里德里希广场种下第一棵橡树,图片来源:Dieter Schwerdtle 户外艺术展示的显要特性还在于免费,向所有人开放。近期艺术家双人组迈克尔·艾姆格林(Michael Elmgreen)与英格·德拉塞特(Ingar Dragset)为纽约洛克菲勒基金会创作的《梵高的耳朵》(Van Gogh’s Ear)——一座竖立的白弧边淡蓝色泳池,其形态来自大卫·霍克尼(David Hockney)画中的泳池与艾德·卢沙(Ed Ruscha)照片中的泳池,在纽约市繁华商业中心植入泳池这一度假休闲的象征,映照着夏日气息。 ▲ 艾姆格林与德拉塞特《梵高的耳朵》(2016),纽约洛克菲勒中心大楼前,图片来源:Elmgreen & Dragset … Continue reading

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组织茶话会(Vol.2012-01)

时间:2012年1月14日(星期六)下午13:00——18:00 地址:上海市虹口区山阴路191弄4号(近地铁3号线、8号线虹口足球场站) 我们如何相互学习? 我们需要什么样的交流? 怎么样的交流才是有效的交流? 我们该如何和其他人分享自己工作成果?我们如何了解彼此的工作和思考?我们怎么样才能知道其他人对自己的工作的建议?如何能让有梦想但是不同的人联结在一起?我们怎么能知道其他人最近的状态和工作方向?在这个城市里以及这个城市之外,还发生了什么?在城市文化的表皮下面涌动着什么样的力量和可能?对于未来,我们有什么样的计划?   组织ZUZHI决定邀请居住在上海的陆平原(艺术家)、比利安娜 (独立策展人 )、白一(建筑设计师)、棉棉(作家)、李迈(戏剧导演)等不同行业的探索者来介绍他/ 她们近期的工作和思考,同时,组织ZUZHI邀请15位观众参与交流和讨论。这是一次小型聚会和学习,参与者名额的限制不仅是因为场地的局限,而是为了保证彼此间交流的可能。 关于组织ZUZHI   组织是艺术家赵骏园、徐喆、陶轶和李牧在2009年组建的一个艺术团体。 2009年08月30日,环城声音计划,上海地铁4号线:这是一个基于运用声音(音乐)作为媒介进入公共场所,并且直接面对公众的行为计划。参与的表演者中有噪音艺术季、即兴音乐家、电子音乐家、造型艺术家,等等。他们将真诚地、自发地、不带任何功利性地向毫无准备的公众展现他们的声音,而公众将在一个特定的封闭空间里(地铁车厢)毫无选择、被迫面对。不管是一厢情愿,还是一拍即合,艺术家们将试图用这种身体力行的方式和最直接的媒介-声音,唤起人们对城市声音以及公共艺术的重新认识。活动同时向乘客发放一本介绍噪音艺术与激浪派的小册子,内容包括《噪音艺术宣言》(1913)、约瑟夫·博伊斯(Joseph Beuys)的社会雕塑、自由爵士乐和街头戏剧等。 2009年11月22日,卡拉NOK,上海歌城:艺术家体验卡拉OK,并在活动最后利用KTV的录音设备获得了一张CD。 2010年03月21日,第一届国际斗核桃大赛,上海虹口区山阴路208弄33号:上海世博会期间举行的一场无厘头竞赛活动。 2010年06月20日, “3×3”移动的音乐演出,上海虹口1933老场坊:为前身为屠宰场的1933建筑度身打造的活动。8位音乐家与1位舞者分布在1933的不同楼层,在不断运动中传递声音。行走与表演交替,声音与空间融合。 组织还在北京箭厂胡同做过“此地无声”——公共空间声音项目,参加了法国总领事馆文化处主办的首届夏至音乐节;出过一张音乐专辑,题为《南海未知岛屿声音记录》,记录了去苏州花山为鸟儿而作的一场即兴声音表演;到上海中远实验学校“和孩子们一起制作乐器”( 从4月初起每周五下午,组织15位在校初一学生一起用最简易的方法制作“乐器”。项目持续一个月,结束后将过程与成果在艺术世界杂志61节特刊上登出)等一系列介入生活空间的艺术活动。组织正计划编写一套面向儿童的当代艺术普及读物。   陆平原:胶囊 2011年9月到11月,艺术家陆平原去瑞典做了一个为期3个月的驻留项目Laspis Residency。 这是项目给我的一幢房子,看到她的时候我感到非常惊讶,因为它很大,严格意义上就是一幢别墅,设备特别齐全,有专门的工作室房间、卧室、放映室等。周围都是一些类似的房子,都是出租给艺术家的。所以整个村子就像是个艺术家村。每位艺术家可以申请的驻地时间也不一样,有申请五年、八年甚至还有二十年的。 与哥德堡双年展同期,我去参观了双年展和当地的美术馆。美术馆的入口处是一位在当地驻村的80后艺术家创作的钢管女郎的雕塑,她和其他美术馆收藏的古典作品毗邻而居。双年展还有个分展馆,与主展馆相去甚远,坐落于一座大铁桥附近。我在铁桥下面发现了一些螺丝钉,好像被废弃了,就捡回来。当时已经开始四处搜集一些创作的素材或材料。之后去了当地的一片森林公园,特别大,很多都是原始的森林,又没什么人。我出来的时候捡了一段枯木头,大概当地人看到我一定会觉得很奇怪吧。我回到工作室,把螺丝钉插嵌在枯木的凹洞里,看上去螺丝钉好像是从树里长出来。于是我为它配了一段说明文字,有些像使用手册的文风,大意是可以把螺丝钉种在树里,然后它会自己生长。 一天晚上我在我住的房子外面发现一只蜗牛,它在一块石头上缓缓挪动,当时我并未在意。第二天再去看它,发现它向上挪动了一点距离。于是我就在它第二天与第一天的位置中间画上了红底白线的跑道,以记录它的竞跑旅程。蜗牛可能是对当地生活最恰当的象征,因为实在是很慢,人们的思考、行动都要比这儿慢得多,丝毫不带上海的这种浮躁气。 当地的包装经常采用剪影的形式,不仅仅是宜家风格,而是瑞典风格。当地市集上的陶瓷手工制品,多只有一件,很看重唯一性。去了当地的一家陶瓷手工艺工作坊,有几百种泥土,不同的颜色。我从没有做过陶艺,不知道可以做什么,后来选择了飞行棋的棋子,并仿照当地一名插画家的风格在棋子表面绘制了图案。一共做了五个,我在每一个的绘制表面浇覆了不同颜色的颜料。 当地有一个Lucia节,因为这一天是哥德堡极夜最长的一天,自这一天往后,夜逾短,日愈长,人们把这光明的力量归功于女神Lucia。节日的形式是挑选当地最美丽的年轻女子来扮演女神Lucia,大家聚在教堂里点燃蜡烛唱圣歌。有趣的是,之前我曾经做过一个把蜡烛固定在头圈并戴在头上点燃的作品,蜡烛油流下来,像洗头一样。Lucia扮演者的头饰与我的作品如出一辙。后来我又回到陶艺坊,制作了一些小玩偶,玩偶头上也好像是顶着蜡烛。 不过当地的生活真的平淡无聊,每天四五点左右街上就已经看不见人了。我只能待在工作室里做作品,但又不知道做什么。于是想到把现有艺术史上的所有画风重叠起来,画在一张画布上,形成了这样的抽象画。我查阅了艺术史,看是不是曾经有艺术家这么干过。我虚构了一个名叫Lewis Graham(1962年出生)的艺术家(选择这个名字是因为我觉得它很艺术家),把这些作品归功于他,而我的创作与他“撞车”了,是艺术重复的巧合。 驻留的最后,我对自己的作品是否展出犹疑不决。每次与BOX画廊(哥德堡)负责人商量,都会把他搞得很崩溃,因为每次和他说的方案都不一样,他对我要怎么样完全摸不着头脑,我自己其实就是这样的状态。随着展期的临近,越来越焦虑,可能的原因是因为展览——这个预设的目的性太过明确了。展览本身的形式究竟是作为什么出现的?最终,在2011年10月,展览如期开幕,我展出了作品的模型以及不展的理由。通过展览,他重新思考了一件作品是如何产生的,以及作品传递的信息以及阻碍问题。“胶囊”是一种药的外壳,它不具备治疗作用,但是它有药的特征,陆平原视胶囊为自我治疗的一个工具,以及在里面装什么药是他一直思考的问题之一。展览的展厅被隐喻为胶囊,这种药的效果介于存在与不存在之间。     陆平原在展厅周围拉了一根红底白线的跑道带,带子上标着一些自己对艺术的疑问:艺术需要第一吗? / 为什么艺术需要第一? / … Continue reading

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曾经沧海难为水——记“占领舞台”系列之二:“回放”现场表演艺术项目及艺术家见面会Re-performing the History, Taking the Stage over Art Project Series

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“回放”现场表演艺术项目及艺术家见面会 时间:2011年3月19日19:00 – 22:00,3月26日19:00 – 21:00 地点:外滩18号3楼18空间 参展艺术家:李牧、高铭研、胡昀、王思顺、唐狄鑫、陆平原 策展人:Biljana Ciric (比利安娜·思瑞克) 策展人语 “回放”试图让中国年轻艺术家与当代艺术史中带有现场性的作品之间建立起联系,让艺术家重新审视艺术史中的这些作品,并从自身的角度挑选影响过自己的作品作为出发点进行创作。由于国内很难找到大多数经典现场作品的实况录像资料,通常艺术家只能通过杂志及艺术史相关书籍中的零星图片猜想作品,而这也给此次项目中艺术家通过自己的方式来‗再现‘历史作品的过程带来了误读及进一步探索的可能。“回放”源自最近关于展览意义的重新思考,即展览是否可以作为具有某种功能性的事件发生,如同学校、可进行自由讨论的空间及提供让参与者可以学习、提高自我的条件。这样具有一定教育特点的活动将会促使艺术家通过自己的作品来提供并且分享知识。而在这样的展览或项目发生的过程中,理论、实践、呈现等等所有因素都具备同等重要的作用。“回放”项目的另一个重要意义在于艺术家与公众之间关系的重新建立,在大多数的当代艺术展览中公众扮演着旁观者的角色。本项目则尝试探索更为积极的参与方式,公众不再是一次活动的消费者,而成为艺术家的主体,成为整个项目重要的组成。与此同时,艺术家通过作品与公众建立新的关系,在当下环境中,向艺术家这一角色提出新的要求,通过艺术去发现生活中更多潜在的意义。比利安娜在“回放”现场项目一周之后与《青年视觉》(Vision)杂志合作举办的艺术家见面会开场中补充道:“这次的项目选择‘表演艺术’或‘现场艺术’作为主题,是有其上下文的,是在中国当代表演/现场艺术史中有相应位置的。”比利安娜播放了一张由评论家赵川提供的光盘,其内容是1986年名为“M”的艺术家群体在上海虹口区工人文化宫所做的一次现场行为表演,这也是有记录的、被认为是中国当代艺术史中最早的一次现场艺术表演:包括杨辉“为汪谷清父亲默哀四分钟”的行为,这也在此次的“回放”现场尾声被重演,内容从1986年那天的参与者换成了3月19日当晚的观众,对象从汪谷清的父亲换成了近期经受地震、海啸与核电站爆炸中受伤与死亡的人。 比利安娜还提到,过去的十年是艺术家“去职业化”的十年,单纯的技法已经不像在经典艺术时期所受到的那么样的重视。而“现场/表演艺术”的这种“重演”的提法,其实也已在当代艺术史中被多次提出并实施,所以这一次的主题并没有任何新鲜之处,只是策展人同艺术家合作的形式会有所不同。 现场“回放” 活动地点选在外滩18号三楼的18空间,这是个已经被非常符号化的地点,携带了过多的身份想象,在张瑷玲女士与两位好友的白手起家中逐渐成为上海外滩的标志性旧楼新装的杰出商业项目。瑷玲艺术基金会继承衣钵,致力于文化艺术方面的支持工作。外滩18号四楼的18画廊在法国姑娘Magda Danysz手中不断给中国当代艺术界以惊喜,包括来自上海的摄影家杨泳梁个展、获得2011年TED大奖的摄影师JR,以及即将呈现的“文学与理想”群展,参展的艺术家包括专注网络与网络媒体艺术的徐文凯(aaajiao)。 阴雨连绵的上海正走在春天的泥泞小路上,从taxi下来用手象征性地遮着头,过马路小跑进18号的侧门。上三楼,是新开辟的18空间,门口笑语嫣然的迎宾女孩亭亭玉立,硕大的空间中灯火黯然,窗外外滩的喧嚣被半新不旧的铁窗挡在外头;右侧饲酒的台子上照例盖着白布、摆满酒杯,几位年轻的饲酒员在准备酒水。黑灰色的人群三五成堆,各自聊得热乎。公共现场艺术项目在这样的地点空间,很难避免不成为人们交际会友的便利。大约7:30,比利安娜说着带塞尔维亚口音流利的普通话,主持活动开始;灯光指向一隅的镜面墙,人群很快聚拢到跟前,拥挤得甚。在接下来的数个现场表演间隙,会以摇铃作为每个作品开始和结束的示意。 关于胡昀 出生:1986年3月17日 生活工作于:中国 上海 画廊:非青计划(上海) 2008年毕业于中国美术学院 他的作品与日常生活紧密相连,运用装置、行为、录像等多种媒材介入各种既定的秩序与规则。种种自然现象与物品也是胡昀长期关注与工作的对象。2010年北京魔金石空间举办了胡昀的首次个展“天上去”。他的作品先后参加了中国平遥摄影节录像作品展(2006);北京长征空间画廊主题展“为什么去那里?”(2007);上海东大名创库现场活动“出台”(2008);上海奥沙画廊“艺术新经济”(2009);北京天安时间艺术空间“2009夏季艺术市集”(2009);瑞典哥德堡BOX画廊“KÅT  A4”(2009);上海外滩18号18画廊“绘之手”(2009)等国内外展览。2010年胡昀受英国伦敦自然历史博物馆邀请,在伦敦进行了为期3个月的艺术家考察入驻,他的纸本作品被英国自然历史博物馆永久收藏,胡昀的装置作品还将在博物馆中持续展出至2012年。 关于原作 Dan Graham, Performer/Audience/Mirror, 00:22:45, 1975 表演者面对坐着的观众。表演者的背后设着后墙与大面镜子,镜子摆放在观众席正对面,可以反映出大部分观众。 步骤: 第一阶段:表演者面向观众,并开始做出一系列肢体动作和态度表达,并连续描述这些近乎同时发生的动作,进行约5分钟。观众在看到表演者行动的同时听到表演者对这些动作的描述,并还能看到镜子中映出的表演者及相应与现实中相反方向的动作。 第二阶段:表演者仍然面向观众,直视他们,并不断描述个别观众的行为,约5分钟。 第三阶段:表演者面对镜子,同时其背部被转向观众。他不断描述他从镜子中看到的自己所处的身体姿态和表情态度。他可以自由走动,改变他与镜子之间的相对距离,以便更好地看到他身体的动作细节。当他一边看一边描述其身体行为时,相反地观众只能看到他的背面与他们自己的正面。表演者与观众面朝同一方向,看到的是同样的镜面映射。观众看不到表演者眼睛看着的方向。 约5分钟。 第四阶段:表演者依然对着镜子。他从镜面映射中不断地观察并描述某位观众,此时其描述的观众的左与右同表演者是一致的,然而又恰与第二阶段中描述的左与右相反。他自由地在镜子前移动,以便观察到不同方向的观众及其行为。他位置的变化相应导致视觉角度的变化,从而在表演者的描述中反映出来。而观众的视角始终一致,他们坐在一开始固定的座位上。 约5分钟。 关于原作者 Dan … Continue reading

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