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MONODROME’s Curators Talk-3rd Athens Biennale 2011

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2011年第三届雅典双年展——“单值”策展人访谈 来源:Yatzer 作者:Apostolos Mitsios 编译:顾灵 雅典,希腊的首都,作为当下全球瞩目的焦点正经历着历史性的关键转变,然而经历严重的金融危机并不意味着同样经历创意危机。2011年第三届雅典双年展“单值”(10月23日 – 12月11日),希腊最大的国际当代艺术展,是城市脉搏跳动活力的例证。尽管艺术并非是所有问题的解决之道,但定能引发一些有趣的问题。由知名策展人、评论家Nicolas Bourriaud[i]与XYZ[ii](其成员Xenia Kalpaktsoglou & Poka-Yio是雅典双年展的联合总监)组成的策展团队以“单值”(MONODROME)的主题在转角邂逅了一个几乎不真实的巧合:小王子遇见瓦尔特•本雅明(The Little Prince meets Walter Benjamin)。 雅典双年展三部曲的前两部分别为2007年的“摧毁雅典”(DESTROY ATHENS )与2009年的“天堂”(Heaven)。“单值”(MONODROME)在雅典市中心网罗大量活动与项目尽纳伞下,总计110位参展艺术家与众多演出、互动、工作坊与公开讲座。第三届雅典双年展的展馆分设于Plateia Theatrou的Diplareios School (一所成立于20世纪、招生广泛、影响深远的工艺学院),位于Parko Eleftherias的艺术中心,与Eleftherios Venizelos美术馆与反独裁民主抵抗博物馆(the Museum of Anti-dictatorial Democratic Resistance)。 我们诚邀您阅读下文与第三届雅典双年展策展人Nicolas Bourriaud 与XYZ的访谈,探索展览中所有潜藏的小秘密! 问:雅典当下正经历着前所未有的危机,既来自经济也来自道德。与此同时举办一场大型艺术展览的难度可想而知,因为城市的一切都无时不刻地改变着。现状局势是如何影响第三届雅典双年展的策展的? 希腊的当前局势异常艰难与复杂,这让双年展不可避免地被牵扯为一个政治决定。“单值”(MONODROME)处于希腊当代史空前危机的正中,这一危机远远超越了经济范畴。整个国家踟蹰于银行破产的沼泽地里,文化教育的拨款无疑被头号减免。过去的十年见证了双年展的一系列“一鸣惊人”,乐于强调国家与城市的政治形势与情状,且对市场敞开怀抱。如今的金融危机让我们不得不反思,双年展是否也可是一个暂停、自我反省的时刻,一种假以质询我们的审美价值及其与政治或伦理关系的渠道。“单值”是一个仓促的构想,其表达的意义很是苍白。展览截至目前没有一个赞助商,国家的支持还未确认,因此展览的实现全需感谢每一个参与人,他们的热情与合作、坚定与耐性和富于远见的信任,尤其是来自广大志愿者的无价付出,感谢雅典双年展的朋友们。 今年的双年展有何值得期待的精彩内容?你们此次的最大理想与担忧是什么? 希腊危机并非纯粹是一个国家的危机,它来自全球金融语境,并影响全球经济局势。这是对经济泡沫破裂的本土衰败,后者影响着当代社会的各个层面。如何才能不自欺欺人地描述对其的感知与思考?我们决定反省这一局势的最佳方式是组织一股策展力量,来挑战我们对希腊局势的立场。就某种意义上说,“单值”试图把多样的迷局碎片拼出一张完整“此时此地”说明书,以此反映全球化与区域性之间错综复杂的关系,确定探索文化行动“新模式”的基调。“单值”理想的展出并非锦上添花的艺术,而是对既定社会中的社会讨论的关键因素。 第三届雅典双年展背后的主题是一场别致的邂逅:小王子遇见瓦尔特·本雅明。这个点子是怎么来的?这场想象的邂逅与双年展有着怎样的联系? “单值”借鉴了瓦尔特·本雅明的生活与创作,灵感也同样来自其同名书(单向街, 1928)。试图通过小王子与瓦尔特·本雅明之间的虚构对话来表达某种讲述。当这名学者在面对逐步升级的窘迫忧虑时退避三舍,小王子却以其让人开怀的童言无忌不断向局势本身提问。 … Continue reading

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大我小我——费俊谈创作

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By 顾灵   关于费俊   现任中央美术学院(CAFA)数码媒体工作室副教授,交互艺术与设计专业方向研究生导师。他的艺术研究及实践涉及数字艺术、交互艺术、交互设计、界面设计和电子出版等多个领域。           首次认识费俊是在不久前复旦视觉艺术学院的“跨文化趋势 | 跨媒介转换——2011艺术、科技与意识大型国际研讨会”,作为演讲者之一的费俊在活动网站上放了张早年影像作品“变形记”的截图作为头像。当时15分钟的演讲让我记住了他的交互设计作品“屯里那点事儿”和他的多重身份:艺术家、设计师、教育者。       一个多月后,费俊再次回到上海,一是受邀华为的合作开发者大会,作为产品设计师出席;二是受《mstyle创意》杂志的邀约在上戏做主题为“大我小我”的讲座。活动海报上的重点是设计,但其实费俊的创作从来都不会将艺术和设计、理念和功能割裂开,而是浑然相成。       费俊,70年代生人,90年代初毕业于央美版画系。随后分配到一家挂历出版社,开发了一套将挂历折成线装书的方法并投诸市场,以解决过期浪费的问题。他对产品功能和用户体验的思考由此可见一斑。相隔10年后,费俊前往美国阿尔弗雷德大学电子艺术研究院(School of Art and Design at Alfred University)就读电子交互艺术专业,这一从事新媒体艺术研究的学术机构自1997年成立以来为各国的访问艺术家们提供了新媒体艺术创作和研究的支持。留学三年间,费俊不仅学习知识技巧,也为学校打工,如为校方数届毕业生设计展设计海报。       2004年,费俊的首部影像作品《变形记》面世,这一通过Photoshop制作的逐帧动画以类苦行僧式的重复劳作在当时还很新鲜的苹果电脑上完成,它也是费俊第一件自己创作配乐的作品。画面中的费俊有如站在哈哈镜前嬉戏的孩童,扭曲弯折的五官常引人发笑,诡异曲折的电子配乐仿佛弹奏出费俊自称为“狂野自我”的心弦。这一对自我——即费俊眼中“小我”——的探索延续于费俊同年的其他作品中。一组黑暗中的实践以影像–雕塑的形式呈现,包括从《变形记》的变形头像获取灵感而创作的纸面具系列、人物肖像正反面的叠加、盒子上路边经过风景的投影等,这些载体好似附着了某种具有精神气质的灵,给予了肖像更多传达。       同年的另一件影像装置《八卦》以一张桌面为舞台、不可见的侃侃而谈的人之双手为主角,邀请观众参与到这场无言的对话中。费俊在自家客厅的天花板上秘密安装了摄像机,将来客侃大山时舞蹈着的双手记录成影像,屏蔽声音,来凸显这些充满表达激情的手势。现场观众的反馈出乎费俊的意料,多数人以为正是自己双手在台面上的动作触发了影像中的手势变化;这种对反馈的自我认同和对互动规则的模糊感启发了费俊之后的互动装置创作,如《倒带》(观众在蹦床上跳跃以够到悬挂在展厅高处的鸟笼,鸟笼内的摄像机把观众跃动的头像记录下来,经过放慢处理后投影在蹦床前方的墙面上,投影保留了鸟笼的栅栏),《叽叽喳喳》(同样使用了鸟笼,采访了一些上了年纪的养鸟人,将录音与鸟笼做成声音装置;观众被邀请坐到一条小凳子上,由此聆听放在凳子上的鸟笼里播放的录音。据称颇受年轻人喜爱,好像孙儿辈难得耐心聆听爷爷辈的唠叨。)       … Continue reading

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Frieze 2011

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  作者/Mike Collett-White 编辑/Paul Casciato 编译/顾灵       读图:   Frieze-1.jpg   10月12日,伦敦市中心摄政王花园(Regents Park)弗瑞兹艺博会现场,一名参观者正在拍摄翠西·艾敏(Tracey Emin)的作品“我说了我爱你”(And I said I love you)。REUTERS/Andrew Winning.    Frieze-2.jpg   另一名参观者Paul Chaves在Gerhard Richter的标志性条纹画前自拍。REUTERS/Andrew Winning.       001   今年弗瑞兹艺博会开幕,吸引逾6万名参观者前来观展,各路藏家和交易商都希望在此收获新兴艺术家,或购入新作为其收藏锦上添花。   002   来自全球各地的170 家画廊,特邀的艺术家定制项目与各类讲座,主办方不想看到艺博会因目前低迷的经济局势而同样垂头丧气。 … Continue reading

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Brancusi and Serra at the Guggenheim Bilbao

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  http://www.guggenheim-bilbao.es/ 读图: The 1911 gilded bronze sculpture “Prometheus” by Constantin Brancusi is displayed during a preview of “Brancusi Serra” at the Guggenheim Museum in Bilbao October 7, 2011. The exhibition, opening on Saturday, featuring the works of Brancusi and U.S. … Continue reading

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Panel discussion:information, space and News

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参与嘉宾:李振华、胡介鸣、徐文恺、郑为民、顾灵、Marc Lee 地点:外滩美术馆RAM 时间:10月8日11:00-12:30 by 顾灵 LingGU 项目介绍: 这个项目旨在发现新闻传媒和网络传媒直接的裂缝,一个针对信息时代,信息争夺的不可见的战争。一方面我们在面对的是信息的遮蔽和强调,一方面我们在面对的是大量信息的过载,在这个方面,我们既要分析来自限制信息的需要,也就是维护稳定性和社会平衡的需要。一方面我们要认清那些垃圾信息源头的,一个逐渐被放大的与真实世界接壤的另外的世界,它既是真实世界的延伸,也是其反照。 作品介绍:   胡介鸣 1995-1996,装置摄影影像,8000/8000/3000mm,1996 在我的创作中,关于信息的讨论其实很早就有。作品《1995-1996》收集了1995年最后一天中午起至1996年第一天中午止这24小时内面对电视机每隔5分钟非常精准地拍摄一遍上海普通家庭所能接收到的12个频道的电视节日图像。拍摄时间分别记录于图片的右下角。每个图像被制成25cmx20cm的透明正片,将同一时间的12个图像组成一个“截面”,将这些电视图像“截面”悬挂成一个庞大的信息迷宫。 2006年《嗨!一个世界正在建设中》(Hi! A world, Which Is Being Built,2006-2011)诞生。 No.01,2006,装置灯箱图片,1030cm/1008cm/20cm(126cm/206cm/20cm),40个灯箱叠加安装 2006年4月,我写下了这一系列作品的初步构思:用计算机3D技术塑造一个直径1000cm以月球和火星为参照的天体,在这个天体的地表上安排人类的生存景象,这些景象是按当下全球的政治、经济、文化的特征和格局为原材料进行重新组合和编排。编排的原则是违反现实图景的、荒诞的和非理性的,旨在产生一个可供测观的乌托邦世界格局。观众测观的方式参考天体考察的方式,现场安排多个望远镜,观众通过望远镜观看作品的细部,了解乌托邦的景象,反思现实世界中的种种问题。 No.2,2010,网络实时互动影像装置,1080P投影机计算机互联网络 20-60倍望远镜,16-9全高清 作品的第二个版本实现了网络实时互动的虚拟世界建设,无名星球上的历史演化是根据网络的信息进行的,这个版本连线的是www.artlinkart.com网站的数据库,将当下的艺术信息(艺术家、策展人、评论家、展览、作品、文章等)的实时状况与虚拟世界的发展相关联,观众通过望远镜观测获得这样的交互状态。 No.10,2010-2011,信息装置,电脑程序数据库高清投影仪望远镜 未名星球将以彻底数字化的方式存在于赛博空间(cyberspace),星球上城建工程的兴、衰、亡、毁,或再生、迁移,“模拟”着文明的发展境遇,而驱动这枚数字星球命运的恰恰是地球人类的现实境遇:重大的科学发现、地区经济的高速发展或股市的跌荡、战争、移民潮、气候变化、自然灾害……这些都会动态作用于未名星球。艺术家借助计算机与通讯技术“设定”了这样一种“生成关联”,实际上,作品的发展已经超越了作者的主观编排,理论上,这枚未名星球可以无限期地存在于赛博空间,直至关联母体的消亡。 理想状态呈现 这件作品目前进行到第10个版本,正如作品标题,它正在建设中,不同一般的作品,总会有个成品表示创作完成,但这件作品我希望它能像一个生命体那样不断生长。自2006年起历时五年,对我来说就是个五岁的孩子。虽然其呈现方式从静止的图像、灯箱到目前的互动信息装置发生了很大的变化,但作品依然按照当初设定的理念发展,但具体明年、后年长成什么样我也无法预计。我为它设定了自身规律、投注意图,创作形式从当初的3D技术直至目前的程序编写,这个星球寄托了乌托邦的理想,呈现人类生存的景象,自己书写历史。其理想的呈现方式,我希望是在一个10mx10m的暗黑空间,观众通过望远镜像观察天文景象一般来观察这个星球的生长,以现实的经验触发星球的建造。它联通网络并实时更新,不知终止点在何处。   徐文恺(aaajiao) 《植入计划》,装置,2008,概念:aaajiao,王振飞,王鹿鸣 交互部分:aaajiao,刘晓光 建筑部分:王振飞,王鹿鸣 计算机图形:aaajiao,王振飞   这是一件2008年的作品,作为上海电子艺术节(eARTS)的参展作品建成于浦东万达广场,其伦理与一般类表皮的算法建筑不同,它通过算法本身来改造空间的结构,用一套简单的算法来生成建筑,其算法不是结论、而是过程。比如1+1=2,一般算法呈现的是2这个结果,而这个项目贡献的十套算法都呈现过程。其算法逻辑基于分形几何,具体来说:在三角形中找中点,由此衍生出新的三角形。这是一套整体改造空间的方法。十套算法建筑分别位于世界各地。最终确定建成的这座建筑是十套中最简单的,出于作品展示效果考虑,我们在其内部设立交互装置,以此将之命名为“植入计划”,即呈现现实与虚拟的交错状态。由于资金的限制,我们没能做更多的延伸,但虚拟和现实双向植入的这条线索依然会走下去,但具体怎么做、做什么还没想清楚。这个项目与两位建筑师王振飞、王鹿鸣共同合作,他们凭借这件作品获得了2010年威尼斯建筑双年展年轻建筑师单元的二等奖。在我看来这是建筑与艺术联合创作为他们带来的不一样的结果。总体来说,虚拟和现实双植入的概念通过这件作品在一定范围内被实现了,对整体的构思理念也是比较好的尝试。   郑为民 … Continue reading

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信息隐身和去新媒体(Invisible Info and Avoid New Media)

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艺术家Marc Lee谈创作 主讲/对谈:Marc Lee(http://www.1go1.net/)/李振华(http://www.bjartlab.com/) 地点:民生现代美术馆 时间:10月8日15:00-16:30 by 顾灵 LingGU Marc Lee是一名来自瑞士的艺术家,他先后在巴塞尔和苏黎世学习美术及新媒体艺术。自2002年毕业至今,Marc在为一家电视制作公司担任软件工程师以获得固定收入的同时,也将工作中的专业编程知识与技巧运用到自己的艺术创作中。   策划人李振华对Marc的工作如是评价:“(他)一直是在探寻新兴的网络技术所带来的相对道德观念,以及来自不同文化区域的对当代文化产生歧异的探索。Marc的工作可以被归结为几个有趣的阶段,一个阶段是他基于网络所创作的针对人工智能,和网络自身所带来的对私人侵扰的担忧,如1999年Marc Lee 创作的关于网络智能的作品NUN(http://www.nun.ch/netz.html),极简数字形态和其所关注的一个与真实世界平行共生的数字世界的瞬息万变的成长相关。他之后的作品有一个很大的转变,关注来自电视的新闻和来自网络的实时更新信息之间的关系。自2009年以来,Marc的作品大量涉及此类探索,如与苏黎世电视台合作的项目NEWS, i’m lovin’ it 《新闻,我的爱》(http://www.1go1.net/index.php/Main/NewsImLovinIt)。这个作品可以说是艺术家将新闻片段带入观者视角的尝试,强调了新闻呈现中所出现的片段性、临时性。”   2001年,还在学校进修的Marc与其他五名同学合作,根据老师提出的命题“电子监视”(Electronically Surveillance)创作了一件名为Tracenoizer的作品,这一基于网络搜索、分析与个人网页发布的系统用于生成“数据身份”(data body)的克隆体,以此扰乱人物相关信息的搜索结果,让浏览者无从辨别信息真伪。所谓数据身份,即每个网络用户在网络操作过程中留下的痕迹(trace),包括在线填写的表单信息、各类博客平台的个人网页、搜索记录等等,这些信息会被搜索引擎抓取、收录并无法删除。比如在某人申请瑞士银行信用卡同时,银行就会查询申请人的相关信用记录。为保护网络用户隐私,该系统可根据前台界面输入的姓名,通过内嵌的搜索引擎抓取结果中的前十个链接并自动生成页面,将之即时发布至目录网站平台,搜索引擎蜘蛛也会自动将相应网址再度收录。界面中还提供“克隆”功能,由此系统会自动将这一虚假的“个人主页” 不断复制,可能产生成百上千包含虚假信息的个人主页,从而将真实的“数据身份”淹没在“数据克隆身份”中。此时,当网络用户搜索上述姓名,显示出的搜索结果将大多为不真实或与这个人毫无关联,这些信息无法删除并会快速传播;由于并非实名系统,所以监管部门也无从管理。   是年,出于对作品潜在影响的期待,Marc与LAN和Knowbotic Research继续深化并创作了新作品Clone-it!《克隆它!》,后者将Marc当时就读的学校中100多名教师的网页进行了克隆,之后两个月没什么动静,直到第3个月许多教师都开始大光其火。但这还没完,Marc与小组成员又克隆了同年举办的巴塞尔艺博会(Art Basel)的所有参展艺术家页面,如Matt Mullican的页面就被克隆了14次,其克隆网址与艺术家姓名被印制在粘纸上全城分发。由此产生的麻烦可想而知,项目在一片反对声中被迫终止。       李振华认为,这一作品将网络文化中个人私密信息这一话题推向了高潮,充分体现了艺术家的担忧和对未来网络的预见性。通过这一作品,网络作为日常工具得以被观者重新审视,其重要性与发展(包括搜索功能、个性化网页)在带来便捷的同时也在不断记录并利用用户的个人信息。如何面对这一强大的电子监控系统从而保护个人隐私、私人身份是《克隆它!》这一作品有意识地进行探讨并试图解决的问题,它通过攻击他人来引发受众的注意并激发其产生思考。有些人可能对自爆隐私持无所谓甚至欢迎的态度,而有些人则会建立多重身份来保护自己真实的数据身份,比如Marc本人。   作品The Dogmeat.org Project《狗肉联盟》(http://www.1go1.net/index.php/Main/Dogmeat)创作于2002年,作品的缘起是在当年的日韩世界杯举行之前,FIFA(国际足联)发出正式申明要求韩国禁止食用狗肉,这一类后殖民主义的申明让Marc感到烦扰,又一个西方告诉东方该怎么样的例子。西方同样食用马和兔,而这两种动物是韩国人不吃的。这些食物上的差别反映的应是单纯文化上的区别,而不应由一个所谓的联合协会来规定。于是Marc和金素奇(Kim Sukhee)合作,找到韩国当地一个狗肉屠宰场的网站,对之进行改造,注册了Dogmeat.org的域名,并在网站上登录了一家名为金大宇狗肉公司(Kim Daewoo Dog Meat Company)的假公司,标明公司的总部位于首尔,并在苏黎世设有分部,而苏黎世也恰是FIFA总部所在。网站一上线就有很多媒体关注,还有记者根据苏黎世办公室的地址想要进行拍摄和报道,当然他们无论如何也找不到这家其实子虚乌有的公司。   Marc为网站设计了在线购物系统,如将地区选择为韩国,那就只有一种狗出售(也是韩国人常吃的狗种);如将地区选择为苏黎世,则会有几十种狗的选择:在让人哑然失笑的同时将作品的气氛调节得并不那么严肃;操作的第二步可以选择狗身体不同部分的肉抑或订购整只狗,在选择的同时计价金额会同步显示在右侧的表单中。此外,根据韩国人“在杀狗前打狗会使狗更美味”的说法,订购页面还设有“打狗”及向狗“扔飞镖”的功能(当然都是网页上的图片模拟),同时计价费用会随之上升。在完成选择狗肉与提升肉质的步骤后,用户可在接下来的页面中填入配送信息、信用卡支付信息等,直至最终确认订单,一个错误页面会弹出,提示网站无法送货。事实上有为数不少的人在网站上下订。Marc在网站上设立了论坛和留言区,网友发言很踊跃,其态度主要分成两派:爱狗者极力反对、谴责这一网站;也有人喜欢这个点子,觉得很有趣。双方会发起激烈的辩论,甚至还有涉及种族主义的言论。 … Continue reading

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展评: “命题乌托邦:进步与怀旧”

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来源:燃点 “命题乌托邦:进步与怀旧”,Luca Forcucci,Emma Fordham,Francesca Galeazzi,Maya Kramer,李文峰,石至莹,他们,王川,王小本,吴关麟,张乐华群展。 艺术+上海(上海静安区富民路22弄2号,近延安路)。 2011年9月16日至11月20日。 开幕:2011年9月16日星期五。 乌托邦的命题老无所依,12位中外艺术家关于“进步”的探讨通过三类怀旧得以实现: 对中国社会与环境发展的态度,对中国文化与传统的反思,及“当代的怀旧”。 展厅一楼是Francesca Galeazzi的惊艳之作《未雨绸缪》,中国城乡结合部的数枚或触目惊心或忍俊不禁之实例在这座“搭积木”迷你博物馆展出,城市化的大步流星似被打乱节奏,观者对可持续性建筑环境的反思也得以激发。Galeazzi针对艺术+上海画廊所在建筑的假想未来度身定制了数套增值扩展方案(由于房产价格持续上涨,谣传画廊所在建筑会被政府收购并改建开发),如组织点人搬进画廊住,从而将之变身“民用房”,大家集体做钉子户,对政府张贴的“早搬多拿钱”口号视而不见,坚持到拆迁的最后一刻。还有极富创意的屋顶分层农场,在建筑顶部扩建老式高层公寓楼,甚至将扩建部分设计成“金茂大厦”般的摩登楼宇,囚于落地玻璃内的住户好比困在玻璃罐里的昆虫——不过,好在窗户已未雨绸缪地密封了。 二楼的三间房看见不同的风景: 李云峰将历史景象、传说故事、动物姿态与现实感触抽离为“道具”并置于画面的舞台布景中,中国经典文化的建筑符号(园林与兰亭)被引入现代厅堂,欲哭无泪只因泪腺拥堵; “符号提炼再下放”在王川的摄影系列“再聚焦:龙”中也可见一斑。 石至莹的水墨纸本摹自六籍《护生画集》封面,丰子恺的通俗易懂、平常禅意在印刷本中失了往日温存; 对面墙上颇得水墨雅韵的风景中总有两个人物稍嫌突兀地存在,他们艺术小组的双人合照及其源于“天人合一”的鲜明风格,让人不禁对号英国的 Gilbert & George。 绘画在张乐华的过去7年中一直“悬而未决”,以公报栏形式出现的连环画式阅读通过些没眼睛胜似睁眼瞎的人物代言当今的暖昧嘲解: 当我们面对复杂无序的现状,任何态度和立场都易落入圈套,还不如用这张仅有笑着的嘴巴之脸孔窃喜地看着这些发生。 声音艺术家 Luca Forcucci 将上海为期四个月的驻地录成五张唱片与一场演出,在关了灯的暗黑中Luca把申城之夏撕成纯粹的声音线条,在给予故事逻辑可能的同时邀请观者闭眼倾听音乐本身的独立美感; 唱片采用特别材质播放限数40次,每每听都稍有改变,这既关照了音乐与时间本身的转瞬即逝,也把存在与消失直接带入展览语境中,为我们创造了一个难能可贵的怀念当下的机会。

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吴门雅集

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渭城朝雨浥轻城, 客舍青青柳色新。久未早起,沪上清晨清洌,旧雨洗得呼吸洁净。走临桐道堂古琴书房,未见其人已闻笑语欢声。桌上的鲜奶小方兀自可爱,与四壁之琴与各色古籍玩意儿相得益彰。 一行十数人前往苏州石湖之缘,裴老和其京巴小犬出门迎客。室内高敞通透,错落有致;与路行之聊及明代家具,颇多学识,见解澄明。分享如下: 明代家具 圆包圆明代方木桌:(仿明) 形 质 色 光 味 阴阳,相生相克,金木水火土,木防火就水 圆包圆,方与圆的对比 轻重 明暗 纹案显隐 线条粗细 曲直 桌与凳:表面硬软 明代茶几(明代,修复抽屉) 纹案 东西南北 河流 人人平等 天人合一 家具演化: 架式,一横两竖 架式,一横两竖,加插槽垫板,更牢固、更美观 加抽屉,前后两推 抽屉独立,加暗窗 抽屉独立,加明窗(小门) 橱柜,抽屉挪到下方,可造大尺寸(56米),方便 家具种类: 明代传袭,无修复 明代传袭,修复 仿古 最老家具,小方凳,绕绳,耐用;意大利南方手工艺旅人 吴门雅集,谈琴弹琴;午餐农家乐,逾鲜美,餐桌上说道,更有味: 建筑 树分雌雄;窗门,单数(黄金比例?) 雕花,谐音(蝙蝠-福,瓶-平安,松鹤-延年) … Continue reading

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Maurizio Cattelan: All

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莫瑞吉奥·卡特兰(Maurizio Cattelan)古根海姆最新个展“All”(所有) 2011年11月4日-2012年1月22日 意大利人莫瑞吉奥·卡特兰(Maurizio Cattelan)被视作挑衅者、弄潮儿、当下时代的悲情诗人,他创作了近年当代艺术景观中最令人难忘的几幅图像。此次回顾展将全面回顾卡特兰的全部创作,也即展览标题“All”(所有)的来由,逾130件借自全球各地私人或公共收藏的作品将与公众见面,创作时间跨度从上世纪80年代末至最近的新作。 卡特兰的创作取材广泛,从大众文化、历史、区域民族到自省,其见解玩世不恭而深刻。 作为超现实主义者的代表人物,卡特兰创作了无数引人不安、变化多端的雕塑与装置作品,揭示了现代社会的核心矛盾。卡特兰将为此次调研展多身定制一座现场装置,在古根海姆的圆形大厅中央为卡特兰迄今为止的全部创作给出圆满归结。 卡特兰艺术创作的许多灵感都来自他的童年时代,在意大利北部城市帕多瓦(padua),那段青葱岁月在家庭的窘困、教师的惩戒与做粗活赚些零钱中度过。这些早年经历植根于艺术家反权威的艺术创作中,对剥削阶层的鄙视在其早年的创作中表现得尤其明显。 其全部作品都指摘政治与社会,艺术家在其以象征图示为主的特色表演中将自己打扮成一名凡夫俗子,一个蠢蛋,以此来刺激观众,告诉所有人其实没有必要自作傻瓜。 粗暴、挑衅、肆无忌惮是描述卡特兰雕塑的关键词,反政府主义渗透于其作品中,常论及的话题包括其意大利人的国籍与这个国家动荡混乱的政治局势,对道德的深刻追问是其创作中心,对标本玩偶的循环使用表达了一种表象的生活,用实际死亡的预设作为探讨主题的手段之一。 在古根海姆纽约标志性的螺旋大厅中央,每件作品都被吊在绳子上,仿若被实施绞刑。以纯粹卡特兰的新奇展示方式抵抗传统的展览形式,从天而降的雕塑们宛如一体,貌似被集体处决,概莫能外,这些艺术作品即悲剧本身。以时间为序的回顾展创造了为现场度身定制的大型装置组,以此庆贺其自身的徒劳无功,也是对卡特兰迄今创作的终极升华。 November 4, 2011–January 22, 2012 much of cattelan’s artistic practice is fueled by his childhood. growing up in the northern italian city of padua, his youth was marked by economic … Continue reading

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暗不暗——记Peter Vink的艺术

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By LingGU “要有光,于是便有了光”。暗,日无光也;不暗,日可无光,而使生光。 穿行在暗夜的城市中心,侧旁高楼的林立窗格好似无数眼睛,一些眼睛被灯光点亮。电灯不同于摇曳烛火,但凡电网所及,荧亮不息。白昼恰灿烂,然而在地下一隅,上了年纪的蹒跚四壁,被猩红的镭射光线勾勒出横平竖直的轮廓,200多个红色激光射线装置与特殊定时的日光灯给予展厅人工的夜晚和白昼;这张三维建筑蓝图引向地上一隅,门推开,小巧狭长的会客室赫然现于自然光。艺术家在外墙边的沙发椅上坐定,墙高处的一方小窗泻下俏皮的正午阳光落在Peter Vink脸上,好似是为我介绍——“瞧,这是他”。 这名时年37岁的艺术家依然保持着来自童年的两件宝贝:帅真的笑和灵巧的手艺。从小喜欢摆弄电子器具的Vink在1997年入读阿姆斯特丹GerritRietveldAcademie学院VAV(视听艺术)之前,还曾专门研修过电子技术相关课程,这为他今后创作实施上的游刃有余建立了良好基础。 在逾十年的创作历程中,灯光装置初现于2006年并延续至今,成为Vink的主要创作形式。首件名为Schakels(链接,2006)的大型装置作品诞生于阿姆斯特丹w139艺术中心那百余平米的高敞地下空间。由于艺术中心的食堂本就要翻修,于是Vink决定先卸下整个天花板;随即他发现天花板的单片铺砖边长正好与混凝土立柱的表面宽度吻合,便将天花板铺砖镶嵌在金属柱上复制了四根立柱并将之与原有立柱通过襄有白炽灯管的矮墙连接起来,重新排布了空间回路,从而强调了空间的原有建筑结构。原本嵌在天花板上的小圆聚光灯和条形白炽灯也被挪移至矮墙之上,使空间的每一部分都得以照明;通过对继电器编程从而控制灯光群伴随着预先编排的节奏忽明忽暗。整段程序长达19分钟,并反复循环。 对Vink而言,创作过程本身就是作品的重要构成,诸多重要的作品理念都是在动手制作过程中逐渐清晰明朗从而外化。这一过程自然天成,作品的意义也在每一个细节调试优化中浮出水面。 Vink的大多数作品要求观众亲临现场,为当地建筑、空间度身考量,并从建筑、空间本身汲取元素与灵感,并投射到作品构成中;所以几乎每件现场作品都是独一无二、无从复制,且空间本身对其作品而言扮演着至关重要的角色。这也是为什么我们很难在Vink的作品中发现任何“现成品”的痕迹。此外,Vink并不过多考虑空间本身的文化象征或引申寓意,而是相对纯粹地就空间存在本身进行创作。 对上述评论的最佳佐证,当数Raamsteeg 2(2010),这件受荷兰自然历史博物馆委托的作品将建筑本身的外墙黄砖挪进了室内,星罗棋布的方块状黄色灯光沟通了建筑内外。黄色方块依照预置的程序逐次缓缓点亮,有如马灯,澄黄的灯光日以继夜,谱写着时间流逝,不失为对历史博物馆的美妙注脚。艺术家更将其形象地比喻为博物馆中的展架。另一同是委托定制的作品是StadsdeelhuisOost(市政府东楼,2009,标题即委托方)。Vink同样借用了建筑外墙金属笼状结构并转化至其室内灯光装置上,多串白色长条轮次旋转,天花板上交错流动有如涟漪的投影来自沿着窗户一字排开的简易射灯。这种如假包换的动感其实在Vink多数作品的灯光切换中均有所感。 这类室内空间与开放空间的沟通在Vink的室外作品中得以放大。其2011年的新作N 52 14.053,E 6 53.796 – N 52 13.247,E 6 53.738——一条每晚不定时出现在荷兰Enschede市夜空的绿色镭射激光线被艺术家称为“文化一公里”(Cultuurmijl),这件永久灯光装置将逐渐融入当地的城市生活并演变为其组成部分,射线所经之处均为当地最重要的文化场所。射线每次连续呈现10分钟,随即消失,每晚总计呈现一小时,但出现时间并不固定;这种不可预测性赋予了装置某种“自然属性”,有如闪电或雷鸣。人们不经意抬头时瞥见它,好似巧遇某自然景观,而它又恰恰串联起城市中的人文景观,慢慢沉淀为日常。 Vink如是评价其作品的本质:“我的作品强调已然存在者,因此观众会对其再次审视…在某一特定时间观察你所拥有的空间,并最大程度地利用它。”归根结底,其创作是为空间所作的描述。 人们常会从Vink的作品中读出其建筑的天分与逻辑,因为它们通常都充分利用了建筑整体空间且均颇具规模。由于室内灯光装置本身可保留的属性,他还经常收到各类公共空间的邀请创作永久性的定制作品,比如上文提及的Raamsteeg 2(2010)。 虽然Vink对任何空间都抱着开放态度,但他还是更偏爱易被忽视的、日常的、为多数艺术家所不喜的空间(如地下室等暗淡空间),由此他将怀着更浓厚的兴趣与激情进行创作。他不认同将其作品归入所谓新媒体或多媒体艺术,因为他所选用的媒材实际并不“新”,他也不追求通过高新技术来表达其创作理念。“重要的是作品想要表达的,而非形式或技术,后者只是为了实现作品呈现所使用的工具而已。”他将自己的艺术归入时间轴艺术(Time-based Art Department),突出其作品的时间属性,这也是为什么他将上午艺术空间的作品在开幕之后又进行了重新调整:开幕时,空间的骤亮时间极短,凸显了跌入黑暗红线空间的晕眩感,这并非艺术家的理想效果;调整后,空间的照亮时间延长,使观众得以舒适地过度并适应空间的原始状态,并得以更好地观察、体会、比较作品生效前后的空间本身。 Vink与中国结缘始于2008年在北京站台中国长达半年的驻地项目,根据站台中国建筑的门厅度身定制的灯光装置请进(Qingjin,2008)呼应了展厅本身的中规中矩;另一组实为艺术家独立策划完成的作品升(Rook,2008)和F6设于北京酒厂艺术园。开幕现场,预设的两万只红色气球从已废弃的工业烟囱中冉冉生气,在把功能性还给烟囱的同时也赋予其轻盈的诗意。酒厂地下空间间隔出的一溜排穴状空间围立着高头大鼓,鼓沿架设了一圈小型聚光灯,开关时的闪烁声响描画出击鼓节奏,现场宛若变身为一场没有击鼓人的击鼓表演,而舞美效果恰来自击鼓系统(灯光装置)本身。这件被描述为“声光装置”的作品可以追溯回de Dragers(载体,2007),在这又一地下空间中声音部分得到强化,并被赋予强烈的舞台效果。这一昏暗的展厅空间中所有18根立柱均被聚光灯包围,它们快闪着好似一群疯狂的相机快门创造出一条飞速推伸的时光隧道,反复的开关声通过音响放大并满溢于整个空间有如影片声效。想必身临现场,定会有跌入时间空洞的幻觉与快感。 然而几乎所有的声响效果都并非源自Vink的刻意追求,而是材料工具本身的附带属性,但恰是这份不经意让这些声响在艺术家的作品中扮演起不容忽视的角色。它们随着作品的诞生而不可避免地发生(发声)。 由于其作品的立体与现场,照片不足以完整记录其作品,于是Vink经常用纪实录像来保存再现其作品。谈及与其他领域艺术家的合作,如有舞蹈艺术家对在F6现场进行合作创作提出兴趣,Vink并不拒绝,也对这类合作报以好奇,但他仍然强调其创作的独立性,坚持灯光装置的空间表达之圆满性。 2011年4月Vink再次受到另一家北京画廊“艺术通道”的邀请进行了为期一个月的驻地项目,并将为画廊庭院空间创作一件大型雕塑作品,预计于明年春季完成。 Peter Vink灯光装置展——上午艺术空间驻地艺术家项目 展期: 7月20日至 9月10日 地址: 上海市静安区奉贤路 … Continue reading

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“时空之间——艺术家作为叙事者”法国艺术家见面会

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“时空之间——艺术家作为叙事者”法国艺术家见面会 ——巴黎市立现代美术馆十年影像典藏展@民生现代美术馆 时间:2011年5月20日(周五),15:00-18:00 地点:民生现代美术馆 艺术家:梅利克•瓦尼安(Melik Ohanian)/于连•迪斯科里(Julien Discrit)/阿里亚纳•米歇尔(Ariane Michel) 主持人:高士明,中国美术学院跨媒体学院副院长、策展人   在2000年之前,我也是一名影像艺术家,由此我有了创作的经验;同时我也会很理解观众,当观看一个影像艺术展时,往往会比较困难,一是影像本身基于时间线的媒介本身的特性;二是尤其在一个如美术馆的空间中观看影片,当进入放映空间时观众往往不知道影片当时所放映的时间点,它可能是开头、结尾、或三分之一处。可以说每一次的观看都是与影像的一次邂逅。而时间,对于影像艺术家本身来说,可能是最微妙、最深切的体验。展览的法文标题“Entre-Temps – L’artiste narrateur”中”Entre”本身会指空间上的关系,从而有了最终的中文命题“时空之间”。对时间这一复杂的命题,诸多的理论著述都来自法语作者。今天我们请到的三位法国影像艺术家在这次展览中都各有一部作品展出,借研讨会的机会,我们得以更为完整深入地了解他们的更多创作与自我阐释。——高士明主持   梅利克•瓦尼安的家庭出身自亚美尼亚的家庭,曾在犹太人聚居区生活,——移民身份本身成了漂泊不定的分裂、一种撒播的生存的象征,他个人在地球的不同地方存在着,他与成千上万的其他人中之间存在着一种非物质的联系。在科学研究和科幻之间,火星在艺术家的个人世界中占有非常特殊的位置,就好像这是一个理想的锚点,一个通向超越尘世又的普遍存在的天桥。在艺术家为2001年展览“穿越”所进行的第一个“艺术实践创新”计划中,探索火星的主题就就已经存在了(《马上就来》,2000),而在《欢迎来到汉克斯的城市》(2003)中,探索火星的主题再次出现,这部三画面的影片是在犹他州的沙漠拍摄的,因为美国国家航空航天局在那里模拟火星开发的实验。2006年,艺术家在规划城市的现代艺术学院继续他的计划,尝试直接介入火星探访者的时间维度:如果说影片记录了2003年8月27日我们所观察到的每隔七万两千年才能出现一次的现象—(此时火星与地球之间的距离达到最小值)梅利克•瓦尼安所要提出的更深层次的问题则来自爱因斯坦相对论隐含的矛盾:两个相距无限遥遥的地域(5575.8亿公里的距离)在极短的瞬间处于对话的状态,但是从地球上所观察到的时间维度与假设的火星探索者所处的时间维度却大相径庭。两个时钟走的速度并不一样,因此,通过规划城市,艺术家试图通过一个引人注目的时钟将火星的时间维度具体化。   很感谢主办方能给出这次机会让我们得以与观众在物理与精神上有一次直接的交流。在过去的15年间,我的影像创作其实不只有一个时间的概念,而是“身处在多重的世界、多重的体系、多重的宇宙中”。我真正感兴趣的是现时的垂直度,是在某一个时间段中,多重时间维度的堆积。时间在过去30年的影像艺术发展中无疑是最重要的线索之一,媒介本身之所以重要是因为通过它我们可以去深入探讨人与人之间的关系,而影像艺术之所以重要,还因为它提出重现时间这一可能性的潜质。接下来我介绍的两件创作,其中一件是《夜雪》,它就在隔壁的展厅中;另一件是本来计划参展却因没有审批通过而无法呈现的《不可见的影像》,它们都被巴黎市立美术馆所收藏。 这部作品是我在冰岛创作的系列作品之一。1999年,我出发寻找一片没有民族抑或文化的土地,在冰岛我找到了这样一片由1963年海底火山爆发而冒出海平面的小岛,它可能也是迄今为止在地球上发现的最年轻的一片土地。鉴于其地质科考的价值,这片土地不属于任何民族或国家,只属于一个国际联合科学家团队。我把这片土地看作一个比喻,一片被“投射”的表面;在这里我创作了一件装置作品“岛之岛”。当日骤下暴雪,天色渐暗,在最后一缕光线快要从这片只有荒野、没有文明的土地上溜走的当口,我用镜头记录下了一个时长仅十几秒的片段:细碎的雪花舞蹈着遮住了那最后一缕光线,让本就微弱无力的光更虚无缥缈;镜头中的远处有警车驶过;随行的同伴上前清理镜头。于是我让这一小段影像循环往复,最终形成了如今你们看到的这部4分钟短片。对于我自己与时间的关系定义,会尝试以不同的方式贯穿在工作中;这定义还限定了我切入空间的途径,如《夜雪》中碎片式的、多形态的途径,从而主动去遭遇各种方式的偶然。 《不可见的影像》Invisible Film,2005 这部影片总时长90分钟,我为其投入了巨大的精力与时间。今天只放映其中的十余分钟,但应该可以大概了解其创作想法。我对美国背景、对反文化、对彼得•沃特金斯(Peter Watkins)的政治电影或是对电影在这方面一直以来所做出的努力都很感兴趣,因此也试图将这些联系起来。2005年我选择彼得•沃特金斯在1971年拍摄的《惩戒公园》(Punishment Park,由于这部影片是反越战的,因此过去25年间在美国境内都遭到禁播),将其电影拷贝同一部35mm放映机一起带到美国加利福尼亚州的沙漠中对着虚空放映。沃特金斯是一名非常重要的英国导演,其影片不是单纯的纪录片,而是“真实的录像”,带有剧情与鲜明的政治性,反映了一群反战的大学生的亡命旅途,他们必须在三天内摆脱警察的追捕,到达插有美国国旗的山顶,否则就要受到监禁处罚。我选择的影片放映地恰恰就是沃特金斯当年拍摄影片的地方,连绵的远山和水彩画一般的云彩睡在钴蓝色的天空与荒莽沙原上。到黄昏太阳下山的时候,我们开始向着这片景致放映影片,没有屏幕,有的是无限潜在的可能性。其实即使在平常的电影院中观看电影,现实世界也会就此消失。在这90分钟的记录中,每分每秒都可以感觉到光线的变化,在这个特定的地点、我将音轨从画面中抽离出来独自为阵,貌似与几乎凝固的画面不一致:声带和字幕是电影放映的唯一痕迹;没有时间“概念”的痕迹,有的只是不知从哪里钻出来、根本不能代表真正构成的讲述的声音。   高士明: 其实梅利克不是唯一一个向虚空中投影的艺术家,与他实践了相似想法的中国艺术家中就有杨福东。题目《不可见的影像》阐发了要使某物可见,必然来自遮挡。而一架在荒野上徒劳播放的放映机所投影的是一个被剥夺了真实放映可能的影片。所谓的政治性在于内容,25年间影片被禁播由此而不可见。在荒野中的徒劳放映同时也呈现了影像本身的一个政治,即屏幕不仅仅是影像内容的容器,更是一种遮挡,屏幕背后就是事实和真相。而这恰恰是一直以来大众媒体与政治所给予我们的假象。   于连·迪斯科里年出生于法国埃佩尔奈,曾于兰斯大学就读地理学,2004年兰斯大学艺术设计学院硕士毕业,现生活工作于巴黎。 地理和地图学是于连·迪斯科里作品所关注的重点,更多的是空间上的概念。除了这类主题以外,其作品充分调动对于领土的感知与表现力,并由此对主体与世界之间的关系产生兴趣。在其对空间所施加的影响之外,作品中的比例概念营造出一种强烈的现世性、虚构的维度。   《眼睛的速度》 2010 (DVD上播放DV ,彩色,有声 ,07’20’’ 16 / 9画面) 本片被看作是对一处特别的自然景观的记录——坐落于大盐湖的博纳维尔盐滩,盐滩纯白至极,好似一种纯粹的,对于空间的表现或定义。流线型火箭车每年夏天都在这里尝试打破速度记录,这种速度冒险最后变成了影片的主要目的,集合了不同的速度,不同的瞬间,以及不同的旅程。   《寻找D.Julien-迷宫谷-》2009 (彩色照片 ,24 X 32cm) 1836年5月3日,一位叫做D.Julien的人在犹他州的迷宫谷,靠近格林河的浅滩上刻下了自己的名字,这一举动成为这片边远区域中白种人留下的首个证明,同时,他开启了签名的新方式。艺术家在173年之后将之重演,这张照片告诉观众这一经历,以及与之相连的身份,时间的推移、与痕迹的重要性。 … Continue reading

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采访颜晓东——新媒体艺术调查之(二)

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文字会像潮水一样将我环绕,在潮水中仿佛是魔法让我回到当时当刻的场景里,又重走在那条大道,穿过装置的一道拱门,好似可以走进一个新的空间。就像孩子们常会试着去穿过,去站在更高的一块假山石头上,或走更低一步去接近旁边的湖水,好像可以去进到一个新的世界。 2011-5-11 采访,撰稿/顾灵,颜晓东 颜晓东,出生于1981年,生活工作在上海。2006年毕业于华东理工大学,获艺术设计学硕士学位。是年加入上海当代艺术馆(MOCA Shanghai)担任教育总监助理,2007年加入上海电子艺术节(eARTS Shanghai)担任教育部主管。2008年上海电子艺术节中独立策划了户外装置群展“地平线”。同年6月在北京举行的“合成时代:媒体中国2008”发表了题为“对于新媒体艺术的技术性思考”演说。2009年起担任上海电子艺术节的总协调人与联合策展人,是年与比利时策展人克里斯托弗·德·雅格(Christophe de Jaeger)联合策划《完美幻觉:中国比利时媒体艺术交流展》。2009年11月在香港微波媒体艺术节中发表了题为“媒体艺术中的叙述、视觉质地以及观念延伸”的演说。2010年再度与克里斯托弗·德·雅格合作策划“共鸣”新媒体艺术展。2011年6月至11月为“中法文化之春”从属展览《感知增生》担任联合策展人。目前在复旦大学上海视觉艺术学院新媒体学院兼课,教授艺术项目策划与管理类课程。 《感知增生》作为第六届“中法文化之春”的一场新媒体互动艺术展出,向公众隆重推出法国新媒体艺术。该展览将围绕视觉和媒体艺术,在中法艺术家之间展开一场别开生面的对话。联合策展人颜晓东与查尔斯.卡克皮诺(Charles Carcopino)推出中法艺术家们的二十多件作品。 参展艺术家:    Antoine Schmitt, Felicie d’Estienne d’Orves, France Cadet, Gregory Chatonsky, Laurent Pernot, Olivier Ratsi, Pierre-Laurent Cassière, Pierrick Sorin, Scenocosme, Festival Némo,胡介鸣,杜震君,林俊廷,徐文恺,吴珏辉,张辽源,王仲堃,姚仲涵,郑云瀚,刘毅+复旦大学上海视觉艺术学院学生(特别项目),姚大钧,范宗海,叶蕊,邵鼎,杨志敏。 主办:                上海华侨城•苏河湾、深圳华•美术馆、法国克雷岱伊艺术馆 协作:                法国驻华使馆、Institut français、闸北区政府、中国东方航空公司。 展期:                2011年6月28日 到2011年7月31日,上海华侨城•苏河湾 地址:上海北苏州路42街坊(原中国实业银行仓库旧址内) … Continue reading

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