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2015 West Bund Art and Design

From Randian, by Randian, photos by Luigi Laurenzi 2015年第二届西岸艺术与设计博览会开幕 2015年第二届西岸艺术与设计博览会已于9月8日开幕,并将持续至9月13日。由上海西岸开发(集团)有限公司与周铁海(艺术家、上海民生现代美术馆前任馆长)于2014年共同创立的西岸艺术与设计博览会坐落于上海黄浦江西岸、曾经的龙华机场附近(见2014年相关报道)。今年的参展画廊数量从去年首届的25家增加到了34家,其中包括一些国际主要画廊,如Hauser&Wirth,佩斯画廊,白立方与Victoria Miro等。 上海秋高气爽,蓝天白云,清凉宜人。黄浦江畔,西岸的人气比去年更旺了不少。 据部分展商介绍,前来预览的人中有不少是刚刚接触艺术的新晋藏家。 一楼的国际大牌画廊带来了不少一线艺术家的作品,从莎拉.卢卡斯到珍妮. 霍尔泽,从达明.赫斯特到林缨,还有翠西.艾敏与安东尼.葛姆雷。香格纳画廊带来了陆磊的装置《仁慈的配方》,磨金石空间则几乎重演了铁木尔.斯琴的个展,常驻上海的艺术家高铭研在展会后门铺了一块人工草皮、搭了两个躺椅、撑了一把伞、在临近清场时组织了一场看夕阳的活动(开幕那晚的火烧云真的很美)。想象力学工作室呈现的郭熙与张健伶的《大航海》计划与英国卡斯雕塑基金会为其2016年中国艺术家群展《无序之美》所作的模型预告展都令人耳目一新。 展会总监、艺术家周铁海声称全场买气相较去年更旺,贵宾之夜的成交作品就已不在少数。与巴塞尔或弗瑞兹等国际大型艺博会的规模相比,西岸可谓小而美。不过其实每家画廊的展位面积都比较宽敞,将艺术与设计同台并置的策略让展场中几乎所有的家具都能令人赏心悦目。今年的设计也明显以家具和摆设为主,其中许多又被集中展示在Turn the Page艺术商店区。除了画廊展区,VIP活动区、咖啡区、公共活动区、录像放映区、休闲区、施勇收藏展区等不同功能区块的分布为浏览过程诸入了一些惊喜。其中, 艺术家施勇的收藏展备受瞩目,尤其是双飞艺术中心的代表作收藏,且双飞小组的全体成员在时隔多年后也于开幕前夕到齐捧场。此外,就展会细节而言,听展商介绍,较去年有了不少改进。比如增加了可以锁门的小空间供工作人员存放物品或私密会谈;二楼的展位设计比去年大有改观,利用了双向的开放参观路线,更有效地利用了空间。 与展会同期开幕的还有西岸文化艺术示范区,由西岸地区相关政府部门牵头开发并提供大力支持的多家艺术机构自去年起落户于此,包括既已成立的龙美术馆西岸馆(由刘益谦与王薇共同创办)和余德耀美术馆(由余德耀创办)等,及今年新开幕的上海摄影艺术中心(当前展览:“颗粒到像素——摄影在中国的百年进化史”),香格纳画廊西岸空间(当前展览:耿建翌个展“2015夏”),知名藏家、赞助人乔志兵的乔空间(当前展览:威廉.萨耐尔个展)等,丁乙、周铁海及柳亦春等艺术家的工作室也在西岸开幕当天开放参观。 放眼整个西岸地区的发展前景,从艺术家工作室、画廊、艺博会、私人美术馆到西岸艺术品保税港,一条完整的艺术产业链正在这里形成,而西岸艺术与设计博览会也将计划在明年继续回归,并迎来更多的参展画廊。然而机遇总是与挑战并存,上海艺博会的竞争势头只会更加猛烈,从即将于今年11月开幕的第三届Art021艺术博览会(今年吸引到近80家参展商并由此成为当前沪上规模最大的艺博会),到势头旺盛的上海影像艺术展;刚满两岁的西岸还有着很大的发展空间。 展商一览: 艺术类: 艾可画廊 天线空间 阿拉里奥画廊 BANK 北京现在画廊 博而励画廊 Ben Brown Fine Arts 卡斯雕塑基金会 前波画廊 柯恩画廊 萨迪科尔斯 HQ Massimo De Carlo … Continue reading

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Formant

Foreword 今日声音:洗衣机的滚筒、水池里浸湿的羊毛衫拎起来滴水的声音、绞干时更大的水声、楼下小娃娃石头剪子布的欢喜叫喊、电子烧水壶的呼呼声、微波炉的长嗯声、万户捣衣声(瞎来了)。 For English Please Roll Down 《共振峰——从聆听之形式到形式》 “声音艺术”—— 一个艺术用词、一种艺种学上的艺术形式分类,在2000年后的中国越来越多地被不同文化背景的群体所提及。无论是实验音乐界、当代艺术领域、媒体还是普通 大众,“声音艺术”都成为一个热词。但是“声音艺术”又显得指向不明。这表现在其定义、认知、批评、艺术谱系梳理、展览表演组织、理论体系建立等诸方面的 缺失。就其原因,是因为在以视觉文化为基奠的大文化背景中,我们面对“听觉”的失语。 2011年,同为声音艺术家的Luca Forcucci 和殷漪开始筹划声音艺术项目,意在通过展览、讲座、演出、艺术家交流等活动为“声音艺术”在中国健康生态的建立做一些工作。 《共振峰——从聆听之形式到形式》是此次声音艺术项目的主体展览,展览期间将邀请中外艺术家展示其最新的声音作品。通过作品的展示,不同文化背景下的艺术家对于作为材料、媒体、美学、观念的“声音”的思考、研究、工作方法将共时地并置呈现。 共振峰 共振峰(Formant)是一个电声学术语,是指复合声(complexsound)的声音频谱(spectrum)中能量相对比较高且对于声音特征具有意义的频率(frequency)。每个声音都有其独特的共振峰,共振峰对声音的音色和音质有着决定性作用,分布和强度的不同导致了声音特征的不同。共振峰的形成除了取决于声源的振动特性,还与声源的共鸣腔(resonator)和共鸣环境息息相关。 使用共振峰作为展览的名字,更多的用其隐喻。今天展示在这里的艺术家作品就是“声音”这个基础频率(base frequency)上的共振峰。差异的相遇便是整体的特质。同时在这些作品与“声音艺术”甚至是大写“艺术”的共鸣环境的关系中我们也许能够尝鼎一脔。 参展艺术家 Lawrence English (Australia), Luca Forcucci (Switzerland), 颜峻,殷漪,张鼎。 地点:视界艺术中心 VART CENTER , 莫干山路50号3号楼210 (视点空间) 展期: 3月30日至5月24日。 开幕:3月30日19:00。 展览包括两场由参展艺术家组织和参加现场声音表演。 演出:3月30日19:00。暨开幕表演。 4月14日15:30。 … Continue reading

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A Note on “Urban Play”

短评《都市戏剧》 北京市中心商圈南部的“乐成中心”: 由唐泽慧策展的“都市戏剧——情境特定公共艺术展” 2012年1月30日 文:爱安啊 译:顾灵 From:Randian 乐成,这个浪漫的名字在这里指向北京市中心商圈南部的“乐成中心”(Landgent Centre),这类集办公、购物、地铁站于一身的综合楼宇正持续而快速地席卷城市。它们通常与公共艺术似乎扯不上关系。然而由唐泽慧策展的“都市戏剧——情境特定公共艺术展”(“Urban Play: a Site-Specific Art Exhibition”)却恰恰在此发生,为期一个月的展览为京城的冬日平添了几分艺术气息。这场在商业领地安营扎寨的艺术活动没有丝毫的装腔作势,反倒让整个空间生意盎然起来。 参展作品包括装置、演出、舞蹈与声音,其中个别作品尤为出跳。乐成中心楼前的广场上放着一排三座玫瑰红色的平顶金字塔,从开口进去,是一片漆黑——但整座装置实在让你无法拒绝。眼睛刚适应黑暗,就有兴奋难抑的志愿者向你递来几张A4白纸,眼前的一切逐渐清晰起来,伴随着某种令人惊叹的简洁。这个大暗箱是澳大利亚建筑设计师郭安迪(Andrew Toland)的作品;而纸上游曳的正是暗箱之外那不由自主的世界——开幕式湮没在一个雨夜,灯火阑珊,人影往来。 来到建筑的地下一层,吉安卡洛·诺斯(Giancarlo Norese)的机智变身为无数片小镍币嵌在墙壁里。其中一面墙上挂着一幅小屏幕,播放着一只真人尺寸、不时眨眼、正视观众的眼睛(来自艺术家本人),它隐藏在一片满是绿扁豆的巨幅广告招贴里。这位入侵者立马让人跌入到超现实中,却又无比睿智:幽默是全球通用的沟通法宝(却常被艺术所忽视);尤其在公众面前,当诚挚会被日常琐碎消解,幽默的态度就再合适不过。尽管如此,在诺斯对作品的简介中依然不乏迷人诗意的修辞,它们好似光的碎片,诸如“轻如鸿毛的极简举动”与“建筑勘误”。 不经意的机智欢快地潜入“舞台”:一出舞蹈表演在底楼电梯上演,宣告展览开幕。舞者们穿着工作服,编舞与汪建伟在尤伦斯的个展“黄灯”中颇为异曲同工,后者中演员们必须横着爬上移动着的电动扶梯。几个倒霉的顾客带着孩子被这群突如其来者逮了个正着,演员们把扶梯登时挤得水泄不通,观众们被搞得跌跌撞撞、满脸通红——这个无从预知的意外或许正是全场的高潮——观众们也参与到这出“都市戏剧”中来了。

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Sages’ Sayings:Wang Xieda Solo Exhibition

《子曰》 ——王燮达个人作品展 “子曰”,  王燮达个展。 James Cohan画廊 (上海徐汇区岳阳路170弄1号楼1楼,近永嘉路)。2011年11月26日至2012年1月19日。 From Randian燃点 前往观看一个当代水墨气质的雕塑个展,往往会带有预先印象,之前看过的类似名目的展览罩在头上嗡嗡作响。 冬日午后的明亮阳光穿过枝繁叶茂洒落在James Cohan前庭花园中央的一根“三叉戟”上,这根类似波塞冬神仗的瘦长铜雕立在脚下的浅堆白沙间,于一片绿意中昂首挺胸,不自视外。 王燮达从2002年开始创作的《子曰》系列雕塑洋溢着Alexander Calder和Joan Miró的童趣神气,或蜿蜒流转或单线延伸的纤薄仿若活物般游走试探,如蛇如山,如荒凉中陡然出现、供人攀爬的铜架,独成一派山水,星球运转其间,嬉戏逗留,不忍离去。与这组微缩结构相邻为伴的恰是其镜面显影:多联幅纸本中墨碳拓印出雕塑的神,零散的汉字笔画跃然于九宫格上,如鱼儿出水,勾勒灵运贯通的线条,线条勾勒出入空间的游戏。 圆形展厅中从天而降的藤制雕塑投影在下方的纯白细沙上,和画于细沙之上的墨色碳粉连起出笔,借光之影绘书之画,雕塑本身的存在被投影所消解,融入地上一方“印章”里,随日起日落变幻往复。一旁的白石膏雕塑裸出斑驳锈痕,同样见证时光流逝。 “子曰”之子,可是各位先圣,其中定有书圣王羲之,雕塑之气、力、韵、动皆来自书法之提、按、墨、速。其后与太太劉楚荺的鸳鸯联展“忘机”取自鸥鹭典故,王燮达在上海近郊耕田静心,亲自前往纸厂淘来将树皮、碎竹捶捣漂洗而成的手工纸,为其纸本的“忘机”打底。创作所选铜、布、藤、沙、碳皆为自然之材,有机硅胶为雕塑、纸本融入透明温润的肌理,与铜雕和谐相长,让人不禁伸手探触,仿佛徒生温度。 王燮达的乡下月亮不是朵云轩信笺上的湿晕,更比城里的大,圆且白。 translated by Olivia Jingjing Chen It is hard not to have preconceived notions in mind when going to an exhibition of sculptures that … Continue reading

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M50联合开幕快记-水厂,计文于和朱卫兵,杨勇,冯硕

正当上海当代艺术博览会布展现场,参展商们忙得满头大汗、脚不点地的时候,M50这厢的画廊们也都忙着开幕前的最后准备工作。室内外空间熙攘的人群抢去了作品本身的风头。若不是错开了人流去看空荡荡的展厅(实则放满了作品),可能兜完M50都不会对作品留下任何印象。 m97杨勇的摄影作品向观众展示当代日常女性的生活状态,暴露人物与环境的冲突与平衡,在城市的人造灯光中,照片主角各自寂寞着或独自欢愉着或与照相者有着某种显而易见的呼应与联系。展厅四壁的相片镜面互相倒映,彼此借鉴。虽然镜头拉得很近但却保持着强烈的距离感。 M art space冯硕的个展让人不可避免地联想到乔治 奥威尔的《动物庄园》(Animal Farm),其插画风格的油画动物肖像有着黯淡的拟人性。展厅左侧独立空间中的大幅《非乐园》有着猛烈的肉感和肆意的随风飘落的不羁。在马乐博画廊代理的五年间,冯硕的作品在西方艺术市场颇为讨喜。这是冯硕回国后的首个大型个展。 香格纳的两个展览,按画廊工作人员的笑解,“两边落差实在是太明显了”。H空间的三位组合似乎有点望梅止渴,后来去刘家香吃饭和田霏宇同桌,竟然短路没想起来问他策展的事。(昨晚在shC开幕现场门口碰到田霏宇,正好都在等人,于是做了快问快答: Q:怎么想到把这三位艺术家放在一起? A:其实主要是老耿很久没做展览了,画廊这边也考虑怎么可以做得更有意思,于是问老耿比较欣赏的艺术家有谁,然后就把吴山专和杨福东叫来了。所以在他们找我策展之前,这个三人组合已经定下了。说来也是有意思的,因为三个人都是杭州国美毕业,老耿比吴山专大两届,虽然年龄相仿,但当时本来学艺术的就没多少人,差一届就像差一辈。杨福东当然是小了十多年。但类似“三辈人”的排行还是在,所以这三个人放在一起还是有很多联系在里面。 Q:所谓标题即主题“水厂”在最后作品的呈现中又体现在哪里? A:“自来水厂”其实是1987年老耿的一件作品的标题,但这件作品从来没有存在过。 Q:当时老耿其实做了一个被自嘲为“歪门邪道”[i]的演示版本:由画布搭成的“布景”假空间。 A:对。但这一次还是和之前那个很不一样。 Q:那时还是旨在解决“距离”问题,是“看”的一种延伸。 A:对,之前的“自来水厂”还是讨论观看的方式,参观者本身被作为作品互相观看;现在可能更多是关于空间,内部空间与外部空间的联系。其实之前的那个作品也是在空间中动了脑筋,中间有面墙,也是挖了个洞光可以透过去。这个联系其实是延续到现在,香格纳的这次装置,观看发生在走入空间之后,随后有个走出的过程。 Q:不过似乎就整个展览来说,似乎所谓“水”的联系并不明显? A:我们前后开了三次会,每一次都有更深入的探讨。而且其实从展览构思到如今真正实现,也有差不多一年的时间;在这过程中,发生了一些大大小小的变动,方案也在一次又一次地调整。最一开始,在将隔壁的实景投射到小黑屋里去的时候,老耿原来的方案是把肥皂泡涂在投影仪的镜面上,由此投影出的画面会越来越模糊。但后来还是做了调整。不过整个展览的感觉我认为还是连贯的,老耿的整套装置显得非常人工化,包括用铝箔包裹那些水厂的设备;因为最一开始把自来水厂的设备放到空间里来有点太简单了。这种人工化也可以在杨福东的作品中看到,他影片的背景环境是非常明显的人工制造。) [i]与耿建翌的访谈,刘礼宾,《艺术世界》杂志 主空间的计文于和朱卫兵,借冯博一在画册上的评论标题《忍俊不禁与犯忌快感》,布,作为柔软易塑日常贴身的材料,给予作品触及心底柔软的呈现。从《园林》(2008,曾在上海MoCA展出)到花花绿绿的沙发,从OV“向文人学习2”中正在展出的《中国新盆景》(2006)到今次的《上山,下山》,有如看戏一般搭建出引人入胜、颇具玩味的游戏场景。大家来看展可以满脸笑容地玩起来。 在OV的新盆景跟前和人聊天,看着那些皱巴巴、软绵绵的假山,景泰蓝花盆,迷你小楼和大红色的衬底,骤然间便觉得弹开到城市空间外十万八千里,远远望着这个矫正的局部风景。《上山,下山》与2009年初设的不同,这次在香格纳的布置多增加了几个坡,于是小人儿们不再是一味地向云顶爬,而是爬上爬下,关于社会阶级与众生百态的联想昭然若揭。我从右侧支起的帐篷顶型的拱起间穿过去,跨过左侧地上的布面人流,好像进了格列佛游记,所有观众都是大怪人。同一小布偶系列的另一件《揪住,救援》(2010)在OV的上一个展览展出。沈从文如水的流笔下湘西两岸人斜(xia)如船的纤夫们,亦是这般的姿态。如此形象生动、识个中趣味者扑哧笑出声来的迷你舞台剧着实惹人喜爱。 同样富有童话色彩、寓教于乐、如儿童玩具一般的《登陆1》(2010)配着一句“一鼓作气、千辛万苦,占领,前途茫然……登高望远……”以及大伙儿对这眼神儿心知肚明的《形象》(2010),世博会中国馆前芸芸众生的留影在此缩影,摄影师有些被孤立地独自放在四个边上,好似那程式化的导演或指挥,这里布偶的隐喻再恰当不过,旗帜与回形帷布上的印花招呼着那首打油诗: “此乃建筑大又好,挂上红旗引风飘。 城市形象呱呱叫,游客百姓来拍照。 团体个人真热闹,眯起眼睛咯咯笑。 摆好姿势很重要,一万年后能看到。” 最有喜感的莫过于《橙色警戒》,配合的军队进行曲听着好似老旧褪色的收音机里带着嘶嘶噪音播放儿歌配乐。抖动的持枪小兵有如犯了强迫症焦躁不安,但又好像只是演戏。装置中央的平台上躺着一张纸巾,不知是有意为之还是某素质不高国民的无意配合,那张懒洋洋躺着的纸巾成为作品的临时脚注。 在画册中还得见2011年的新作《现场》,无数好莱坞电影中,女主在四幕屏风后裸体动人,烛光掩映的对面是男主的垂涎欲滴。屏风上随意挂着的内里衣物有如口语化的眉来眼去。画册的最后一页是《呼风唤雨》,同样在OV展出过。当芭比娃娃的细嫩小胳膊代替了那只所谓的“无形的手”,云朵应该是避之不及而非呼之即来吧。

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“时空之间——艺术家作为叙事者”法国艺术家见面会

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“时空之间——艺术家作为叙事者”法国艺术家见面会 ——巴黎市立现代美术馆十年影像典藏展@民生现代美术馆 时间:2011年5月20日(周五),15:00-18:00 地点:民生现代美术馆 艺术家:梅利克•瓦尼安(Melik Ohanian)/于连•迪斯科里(Julien Discrit)/阿里亚纳•米歇尔(Ariane Michel) 主持人:高士明,中国美术学院跨媒体学院副院长、策展人   在2000年之前,我也是一名影像艺术家,由此我有了创作的经验;同时我也会很理解观众,当观看一个影像艺术展时,往往会比较困难,一是影像本身基于时间线的媒介本身的特性;二是尤其在一个如美术馆的空间中观看影片,当进入放映空间时观众往往不知道影片当时所放映的时间点,它可能是开头、结尾、或三分之一处。可以说每一次的观看都是与影像的一次邂逅。而时间,对于影像艺术家本身来说,可能是最微妙、最深切的体验。展览的法文标题“Entre-Temps – L’artiste narrateur”中”Entre”本身会指空间上的关系,从而有了最终的中文命题“时空之间”。对时间这一复杂的命题,诸多的理论著述都来自法语作者。今天我们请到的三位法国影像艺术家在这次展览中都各有一部作品展出,借研讨会的机会,我们得以更为完整深入地了解他们的更多创作与自我阐释。——高士明主持   梅利克•瓦尼安的家庭出身自亚美尼亚的家庭,曾在犹太人聚居区生活,——移民身份本身成了漂泊不定的分裂、一种撒播的生存的象征,他个人在地球的不同地方存在着,他与成千上万的其他人中之间存在着一种非物质的联系。在科学研究和科幻之间,火星在艺术家的个人世界中占有非常特殊的位置,就好像这是一个理想的锚点,一个通向超越尘世又的普遍存在的天桥。在艺术家为2001年展览“穿越”所进行的第一个“艺术实践创新”计划中,探索火星的主题就就已经存在了(《马上就来》,2000),而在《欢迎来到汉克斯的城市》(2003)中,探索火星的主题再次出现,这部三画面的影片是在犹他州的沙漠拍摄的,因为美国国家航空航天局在那里模拟火星开发的实验。2006年,艺术家在规划城市的现代艺术学院继续他的计划,尝试直接介入火星探访者的时间维度:如果说影片记录了2003年8月27日我们所观察到的每隔七万两千年才能出现一次的现象—(此时火星与地球之间的距离达到最小值)梅利克•瓦尼安所要提出的更深层次的问题则来自爱因斯坦相对论隐含的矛盾:两个相距无限遥遥的地域(5575.8亿公里的距离)在极短的瞬间处于对话的状态,但是从地球上所观察到的时间维度与假设的火星探索者所处的时间维度却大相径庭。两个时钟走的速度并不一样,因此,通过规划城市,艺术家试图通过一个引人注目的时钟将火星的时间维度具体化。   很感谢主办方能给出这次机会让我们得以与观众在物理与精神上有一次直接的交流。在过去的15年间,我的影像创作其实不只有一个时间的概念,而是“身处在多重的世界、多重的体系、多重的宇宙中”。我真正感兴趣的是现时的垂直度,是在某一个时间段中,多重时间维度的堆积。时间在过去30年的影像艺术发展中无疑是最重要的线索之一,媒介本身之所以重要是因为通过它我们可以去深入探讨人与人之间的关系,而影像艺术之所以重要,还因为它提出重现时间这一可能性的潜质。接下来我介绍的两件创作,其中一件是《夜雪》,它就在隔壁的展厅中;另一件是本来计划参展却因没有审批通过而无法呈现的《不可见的影像》,它们都被巴黎市立美术馆所收藏。 这部作品是我在冰岛创作的系列作品之一。1999年,我出发寻找一片没有民族抑或文化的土地,在冰岛我找到了这样一片由1963年海底火山爆发而冒出海平面的小岛,它可能也是迄今为止在地球上发现的最年轻的一片土地。鉴于其地质科考的价值,这片土地不属于任何民族或国家,只属于一个国际联合科学家团队。我把这片土地看作一个比喻,一片被“投射”的表面;在这里我创作了一件装置作品“岛之岛”。当日骤下暴雪,天色渐暗,在最后一缕光线快要从这片只有荒野、没有文明的土地上溜走的当口,我用镜头记录下了一个时长仅十几秒的片段:细碎的雪花舞蹈着遮住了那最后一缕光线,让本就微弱无力的光更虚无缥缈;镜头中的远处有警车驶过;随行的同伴上前清理镜头。于是我让这一小段影像循环往复,最终形成了如今你们看到的这部4分钟短片。对于我自己与时间的关系定义,会尝试以不同的方式贯穿在工作中;这定义还限定了我切入空间的途径,如《夜雪》中碎片式的、多形态的途径,从而主动去遭遇各种方式的偶然。 《不可见的影像》Invisible Film,2005 这部影片总时长90分钟,我为其投入了巨大的精力与时间。今天只放映其中的十余分钟,但应该可以大概了解其创作想法。我对美国背景、对反文化、对彼得•沃特金斯(Peter Watkins)的政治电影或是对电影在这方面一直以来所做出的努力都很感兴趣,因此也试图将这些联系起来。2005年我选择彼得•沃特金斯在1971年拍摄的《惩戒公园》(Punishment Park,由于这部影片是反越战的,因此过去25年间在美国境内都遭到禁播),将其电影拷贝同一部35mm放映机一起带到美国加利福尼亚州的沙漠中对着虚空放映。沃特金斯是一名非常重要的英国导演,其影片不是单纯的纪录片,而是“真实的录像”,带有剧情与鲜明的政治性,反映了一群反战的大学生的亡命旅途,他们必须在三天内摆脱警察的追捕,到达插有美国国旗的山顶,否则就要受到监禁处罚。我选择的影片放映地恰恰就是沃特金斯当年拍摄影片的地方,连绵的远山和水彩画一般的云彩睡在钴蓝色的天空与荒莽沙原上。到黄昏太阳下山的时候,我们开始向着这片景致放映影片,没有屏幕,有的是无限潜在的可能性。其实即使在平常的电影院中观看电影,现实世界也会就此消失。在这90分钟的记录中,每分每秒都可以感觉到光线的变化,在这个特定的地点、我将音轨从画面中抽离出来独自为阵,貌似与几乎凝固的画面不一致:声带和字幕是电影放映的唯一痕迹;没有时间“概念”的痕迹,有的只是不知从哪里钻出来、根本不能代表真正构成的讲述的声音。   高士明: 其实梅利克不是唯一一个向虚空中投影的艺术家,与他实践了相似想法的中国艺术家中就有杨福东。题目《不可见的影像》阐发了要使某物可见,必然来自遮挡。而一架在荒野上徒劳播放的放映机所投影的是一个被剥夺了真实放映可能的影片。所谓的政治性在于内容,25年间影片被禁播由此而不可见。在荒野中的徒劳放映同时也呈现了影像本身的一个政治,即屏幕不仅仅是影像内容的容器,更是一种遮挡,屏幕背后就是事实和真相。而这恰恰是一直以来大众媒体与政治所给予我们的假象。   于连·迪斯科里年出生于法国埃佩尔奈,曾于兰斯大学就读地理学,2004年兰斯大学艺术设计学院硕士毕业,现生活工作于巴黎。 地理和地图学是于连·迪斯科里作品所关注的重点,更多的是空间上的概念。除了这类主题以外,其作品充分调动对于领土的感知与表现力,并由此对主体与世界之间的关系产生兴趣。在其对空间所施加的影响之外,作品中的比例概念营造出一种强烈的现世性、虚构的维度。   《眼睛的速度》 2010 (DVD上播放DV ,彩色,有声 ,07’20’’ 16 / 9画面) 本片被看作是对一处特别的自然景观的记录——坐落于大盐湖的博纳维尔盐滩,盐滩纯白至极,好似一种纯粹的,对于空间的表现或定义。流线型火箭车每年夏天都在这里尝试打破速度记录,这种速度冒险最后变成了影片的主要目的,集合了不同的速度,不同的瞬间,以及不同的旅程。   《寻找D.Julien-迷宫谷-》2009 (彩色照片 ,24 X 32cm) 1836年5月3日,一位叫做D.Julien的人在犹他州的迷宫谷,靠近格林河的浅滩上刻下了自己的名字,这一举动成为这片边远区域中白种人留下的首个证明,同时,他开启了签名的新方式。艺术家在173年之后将之重演,这张照片告诉观众这一经历,以及与之相连的身份,时间的推移、与痕迹的重要性。 … Continue reading

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图片与评论: 2011年新加坡双年展

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来源:燃点在线艺术杂志 Randian-online 文: 岳鸿飞 (Robin Peckham) / 2011年4月27日 For English please click here 译: 顾灵 2011年新加坡双年展:”门户开放 (Open House)”。  2011年3月13日至5月15日。 第三届新加坡双年展“门户开放”(Open House)少了铿锵有力的策展人语,抑或开门见山的展览主题,由魏明福(Matthew Ngui),Russell Storer 与 Trevor Smith 三人组成的策展团队并未意图就诠释与评论的视角在关于双年展模式的循序渐进的对话讨论中谋求自己的一席之地,与其摆出假想的姿态,不如把自己打扮成一种公共存在。 然而此届双年展的三个核心展览确实是“开放门户”,在对时间与空间的探索中邀约特质的旁白,拥抱来自不同艺术实践集群的比较研究,赋予了观察当今艺术如何在文化中自处的可能,尤其是对膨胀中的亚洲语境里的中国/台湾/香港而言。本文将带您逛一回极为私人的走马观花,远离双年展的那些洋洋大观,而去走近一些以研究与过程为重的艺术项目,它们在全场展览中走露峥嵘,深挖某些特定的人际情境,宁静而致远。 我们从旧加冷机场装饰风格的航站楼里一个很容易被忽略的走廊房间开始——它差不多能被叫做壁橱了。 这是个被废弃的所在,坐落于新加坡这个城市国家市中心的边缘,距黄金坊仅投石之遥。 这是座难得的热带超级建筑典范,是对机场本身零碎的占领和翻新的比喻。 Phil Collins恰恰选择在这样一个令人窒闷的地堡式空间展示其作品: 一部带有MTV风格的短片,关于马来西亚的光头文化,讲述一群视觉身份并非由其行动或信仰、而是单纯由其风格来被定义的年轻人。 随着一段梦幻般的配乐萦绕,一群蝴蝶从一个人飞掠向另一个,一系列体裁示意的堆砌靠向看似毫无任何目标的终局。 黄汉明翻拍了另类 (或“邪典”cult) 狂热片《定理》 (Teorema,导演:皮埃尔·保罗·帕索里尼,Pier Paolo Pasolini), 放映装置设在航站楼对面由五个房间组成的迷宫般的“养兔场”里的; 影片做到了风格与身份兼顾。 … Continue reading

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The Private Life of Masterpiece by BBC 艺术大师杰作的私生活【系列】——目录+春

“Every episode in this series has been ujretentous, informative and hugely entertaining… superb television about great art.” — Times This award-winning series reveals the full and fascinating stories behind famous works of art not just how the came to be … Continue reading

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Chapters from by Oscar Wild

…to the last I insisted that his so-called forgeries were merely the result of an artistic desire for perfect representation;that we had no right to quarrel with an artist for the conditions under which he chooses to present his work;and … Continue reading

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Bill Viola:Bodies of Light

比尔 维奥拉 光之体 2009年10月23日-12月19日 James Cohan 画廊纽约馆隆重推出比尔.维奥拉个展。比尔.维奥拉是美国卓有建树的当代影像艺术大师,超过35年的艺术经历包括影像短片、建筑性影响装置、屏幕放映艺术、环境声场营造、电子音乐表演以及为广大电视台、广播台、剧院及大型空间塑造的多形态艺术广受称誉并获得巨大的社会反响。他的作品聚焦全人类的人性体验——出生、死亡、潜意识与无意识——深受东西方交汇艺术及传统精神的影像,并综合高新科技将其艺术在情感影响、通感同情与精致准确层面达到了相当的高度。 此次展览覆盖了其过去20年的代表性作品,包括影像/音响装置灵魂(1994/2009) 以及变形系列中的几幅屏幕放映作品。维奥拉最新作品的灵感则来自“无边的海洋——2007年威尼斯双年展为15世纪圣加罗教堂而作”。 灵魂, 是维奥拉全空间装置艺术的代表性作品,首创于1994年,并在2009年作了修改,将在画廊的主展厅进行展示。“灵魂Pneuma”一词来源于古希腊,在当代语汇中并无对应词汇。通常它被译作灵魂soul 或精神spirit, 但同时它也包含着呼吸或使人类及自然世界充满生机的生命力。在这个装置艺术中,黑白影像在阴影中游弋、出现、消失,不停转换在可辨认的边缘。这更像是记忆与内在感受的直接表达、作用,而非仅仅是可见的地点、事件之图像。观者在暗黑的空间中被四面充满映射图像的高墙所包围,如入其境地感受不断渗透扩散的变幻声场。 变形系列展示的时刻是人或物由内在、而非外在影响而变形。维奥拉说”自我的变化,常缘于深刻的内在揭露或清晰而深不可测的过度的感知,这将持续至“一道灵光”真正降临在他或她的心灵之上……这些深刻的人类体验发生之时,可能将超越意识感知的外在边界。”在其变形系列中,黑白影像与鬼魂形象从全黑的背景中无先兆的出现,莫名高处的阀骤然开启,水和光倾泻而下。同时一系列的情感赤裸裸地呈现在眼前:惊讶、困惑、恐惧、愤怒、奄奄一息的欲望,直至人像最终隐出画面。维奥拉利用粒状模拟影像技术及一台老旧的监视摄像机进行实录,并将这些影像与另一些高清视频段落相揉和,为观者带入模糊而清晰地交错之中——生与死——再将其拉回到现实里。变形系列包括 验收Acceptance(2008,) 化身Incarnation (2008,) 无辜者The Innocents (2008) 和 小圣人Small Saints (2008). 此次展览的其他作品:“诗乙Poem B(宾馆The Guest House”,迁移过往至今的回忆的挂毯的三联图片(2006),“光之体”(2006),平板雕刻板,从佛教密宗叙述了在出生和死亡的过程中身体的解散的需要及其启示,“老橡树”(研究,2005)和“四手”(2001)。 自20世纪70年代早期,维奥拉的艺术作品就在全球范围众多一线艺术机构举办了多场展览,包括:“比尔.维奥拉:装置与影像Bill Viola: Installations and Videotapes”,纽约现代美术馆MoMA, NY,1987;巡展“比尔.奥维拉:隐形的画面Bill Viola: Unseen Images, 1992-1994”,策展人Kunsthalle Düsseldorf 和 Kira Perov;维奥拉代表美国于1995年参加第46届威尼斯双年展,题为“在1997年被埋葬的秘密Buried Secrets. In 1997”,惠特尼博物馆Whitney Museum 随即举办了“比尔.维奥拉:持续25年的调查Bill … Continue reading

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Edward Hopper的孤独艺术

和很多名人一样,Edward Hopper生前对个人经历守口如瓶。除了画家妻子日记中的记载,无论他的身体历程还是思想历程,都很少为外界所知。一个像他这样流行的画家,对他的研究差不多也只能从其作品着手。所以,我并不敢于将“孤独”这个词超越Hopper的画而加诸画家本人,仅仅是针对其艺术而已。 Hopper作品中的疏离和寂寞是显而易见的,但这些画的流行程度同样是惊人的。不用说大量的原作复制品大卖,Hopper招牌式的大色块粗线条的简洁构图和大胆的光线使用,让他的风格受到了一代代或优秀或平庸的电影导演和彩色摄影师的迷恋和模仿,甚至还被用在电视卡通片里。Hopper也许是最为人熟知和喜爱的美国现代视觉艺术家之一。是主流的欣赏品味改变了吗? Edward Hopper出生在一个纽约纺织品富商之家,典型的布尔乔亚家庭,绘画主题从来没有远离过美国城市中产阶级的生活。他一些著名的画描绘了办公场所的呆板和了无生气,让人想起欧洲同时代作家笔下的职员形象,比如卡夫卡和佩索阿。另一些,则是身处公共场所和私人空间里的凡人,气氛冷漠疏离,人物既孤独又矜持。卡夫卡的文字是劈开心灵的历斧,佩索阿是天生的梦想家,Hopper则从未越过安全线去做更激烈和危险的表达。他画中的孤独始终是安全的,被意识严格自我控制,绘画所采用的符号和组合构成的方式也是稳妥圆滑和熟悉的。Hopper从早年起,就经常阅读波德莱尔,深谙现代城市的丑陋和其中个人存在的绝望感。但另一面,他也着迷并眷恋于那些城市公寓、办公室、咖啡馆、小餐馆和电影院里的寂寞,并用画笔为它们涂上了一层精致而怀旧的外壳。Hopper用最写实的手法描绘孤独和疏离本身,却从未着意批判这孤独和疏离的源头(这并非责难。绘画是否需要承担过多批判功能?)。一部分警醒的观众会思考异化人压抑人的冰冷制度和灰扑扑的社会法则。但更多的观众将只是安全凝视画家冷静绘制出的一个又一个既熟悉又陌生的空间,和其中的淡淡落寞和清冷意境,若他们读过张爱玲,或许也会感叹一句:人生是个苍凉的手势。 Hopper被人称作画家中的塞林格,但他是一个摘除了不安定成分的温和的塞林格。小说家John Updike对他的评价是恰如其分的:calm, silent, stoic, luminous, classic。Hopper不反叛不呼号,也从不冒险,只是用画笔为布尔乔亚生活的巨大虚无作像,同时温情地为其系上一条华丽的安全带。

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